Monthly Archives: May 2010

L’Amour c’est mieux à deux

In a nutshell: Boy meets girl. No, wait! Boy must meet girl randomly … complications ahead! One shall laugh in this quirky rom-com and not so randomly.

Avez-vous vu la bande annonce, oui celle juste ci-dessous ? Elle est affreuse, non? L’argument a l’air niais, les acteurs jouent faux, l’humour est vulgaire … J’aurais tellement aimé détester ce film. Je préparais mes phrases, entre le sournois et l’assassin, j’oeuvrais dans l’ombre pour que jamais quiconque lisant ces lignes ne soit même vaguement tenté d’aller voir cette comédie française. Et bon, bah voilà, ce n’est pas si pire. Comme on dit par chez moi, j’ai été déçu en bien.

Certes,  l’histoire n’est pas particulièrement originale. Michel (l’omniprésent Clovis Cornillac) croit naïvement qu’aucune histoire d’amour ne peut fonctionner et durer si la première rencontre n’était pas par hasard. Et, de fait, c’était le cas entre Miss J et moi : un sac à l’abandon dans une librairie, je ne le vois pas, je le piétine, et paf ! Quatre ans plus tard j’en suis encore à m’excuser. Bon, revenons à Michel, célibataire abattu, Michel a un meilleur ami, Vincent (Manu Payet), avocat, obsédé sexuel et dragueur compétent. Celui-ci va organiser une rencontre « au hasard » pour sortir son ami de sa torpeur, et la mécanique de la comédie romantique type de s’enclencher.

Après dix premières minutes difficiles, les acteurs paraissent habiter leurs rôles et on est emporté dans une pochade distrayante qui propose deux ou trois moments vraiment très drôles. Sinon, oui, Virginie Efira fronce le nez pour exprimer n’importe quelle émotion, mais très à propos et elle fait preuve de bien du charme. Oui, Jonathan Lambert joue toujours le même rôle, mais convenablement. Oui Annelise Hesme est surtout jolie, que dis-je superbe, mais avec quel naturel. Laurence Arné est une admirable amie vulgaire et Shirley Bousquet compose une ravissante idiote d’anthologie. On regrette un peu le côté téléfilm de la réalisation, mais  on passe une heure et demie sympathique à rire de bêtises attrayantes. Ne boudons pas notre plaisir !

En résumé: Faut-il qu’on se rencontre par hasard pour que l’amour soit durable? Michel croit que oui, mais il n’est pas vraiment le couteau le plus aiguisé dans le tiroir, comme on dit en anglais.

Dominique Farrugia and Arnaud Lemort’s L’Amour à deux, c’est mieux initially came out a close loser in a toss-up against Imogène McCarthery for a ‘soirée ciné light’ at the creaky-seated UGC Gare de Lyon, only to be put back a few days for a second round of said soirée. And just as much fun it was too, albeit in an entirely non-tartan, more contemporary register. Clovis Cornillac plays Michel, who commences the film marrying the wrong person. Well wrong, as in that the simple singleton has the firm belief that if you don’t meet someone ‘par hasard’, then the relationship has precisely zero chance of surviving, because honestly you just need to look at his parents who are still together after fifty five thousand years and it’s still going great, and they met randomly on a bus or something. Michel’s best friend, compulsive womanising lawyer Vincent (Manu Payet) is an ideal antidote to this kind of shilly-shallying, and when Michel finds himself divorced and gloomy, Vincent engineers a fake ‘chance encounter’ with the lovely Angèle (Virginie Efira), with whom Michel promptly hits it off in a major way after trying to rescue her expensive Mexican hat from drowning in the Seine (it was a complicated set-up).

Michel really is a plank, and once he latches on to the non-randomness of their meeting, despite the rom-com-tastic blossoming of their burgeoning relationship, he aggressively brushes off Angèle. She’s luckily a balanced soul and gets back sadly to her job, quickly meeting a handsome someone else, who frankly ticks a lot of boxes a bit better than Michel ever did, but he’s somehow looked down on by Angèle and her friends, for a reason that kind of escapes me –I guess probably it was central to the script working out in Michel’s favour. It is his love story, after all. Michel does not meet anyone else, although he has an aborted mess of a date with his wildly unsuitable administrative assistant, and also buys a big dog and calls it Angèle. The whole thing takes quite a lot of resolving although as it’s a comedy, the odds always were stacked in its favour to do so (but did Michel know he was in a comedy?)  As Monsieur D. has already noted, there was much relief all round that it turned out to be a good watch, peppered with some decent gags, charmingly played, with a special mention for incorrigible sex-hound Manu Payet, who’s well cast in the role. Another successful French romcom then, and rather more down-to-earth and less glossy than L’Arnacoeur.

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Imogène McCarthery

In a nutshell: Scotland can be exotic. The best guide to find it out is the quixotic Imogène in this light-hearted spy comedy. Tartan anyone?

Charles Exbrayat et sa loufoque héroïne me font penser aux vacances d’été, à une bibliothèque autre, celle d’amis, de grands-parents. C’est le temps de la sieste, le soleil tape dur, on musarde à l’intérieur parmi les différents ouvrages et, sur un coup de tête, on choisit un “Imogène” pour, deux heures durant, se changer les idées. L’adaptation d’Alexandre Charlot et Franck Magnier ne correspond pas forcément aux romans mais est très fidèle à ce sentiment de doux farniente, leur Imogène McCarthery offre un joli moment de divertissement.

Catherine Frot, à son habitude impériale, endosse sans mal le tartan et incarne admirablement la fierté et la fougue écossaise. Ravissante vieille fille caractérielle et chauvine, Imogène, quand elle ne terrorise pas ses collègues, est une attentive secrétaire à l’Amirauté, l’un des hauts lieux des services secrets britanniques. A la surprise générale, son directeur (le très savoureux Michel Aumont) lui demande un jour de servir Sa Majesté la Reine en convoyant les plans confidentiels d’un nouveau prototype d’avion jusqu’à son village natal, où un honorable correspondant se trouve en villégiature. Anglophobe bornée mais patriote, Imogène accepte gaillardement la mission. Les agents soviétiques devant cette étonnante tornade rousse tomberont alors comme des mouches, car l’Ecosse est terre de périls : moutons, brochets, rugbymen et whisky … la liste est sans fin. Le spectateur est donc bringuebalé dans ces aventures mouvementées, où, à l’instar du brave policier local, Samuel Tyler (Lambert Wilson qui ferait un très beau labrador), ancienne flamme d’Imogène, il suit mi-atterré mi-émerveillé l’impérieuse Ecossaise.

Située entre Blake Edwards et OSS 117, Imogène McCarthery hésite sans doute un peu trop entre naïveté et dérision, et l’histoire paraitrait vite assez terne sans une solide distribution (notamment Danièle Lebrun et Lionel Abelanski) et le plaisir enfantin évident des réalisateurs à filmer les magnifiques paysages écossais et leurs acteurs. Tous ces anglo-saxons joués par des Français offrent le décalage suffisant pour obtenir le recul nécessaire et faire naître le regain de fantaisie convenant aux taquineries nationalistes parfois un peu molles. Ainsi c’est une petite bulle de bonne humeur un brin nostalgique, sans prétention, que ce film nous offre. Et on ne peut s’empêcher d’être séduit par l’explosive et fantasque Imogène.

Ecrire tout cela donne soif, j’irai bien boire un p’tit whisky. Une bonne adresse pour trouver un haggis digne de ce nom à Paris?

En résumé: Plus écossaise qu’Imogène McCarthery, tu meurs! Et pourtant, il s’agit de Catherine Frot! Et c’est chouette!

With some films you just know straight out that you ought to go and see them. In as much as we ever Ought to go to the movies that is… ahem… although that said, failing to do might eventually mean that there would be nothing left to feed poor Franglaisreview, who would get all dusty and gloomy with only the steady drip-drop of the odd viagra-touting spam comment getting blocked to mark the passage of time…. Digression aside however, one major attraction for me as far as Imogène McCarthery was concerned was that it promised to showcase French people playing Brits in Britain, and especially Scots in Scotland. Turns out, it wasn’t just Agatha Christie who crossed the channel for inspiration in creating Belgian detective extraordinaire Hercule Poirot – the exchange’s been flowing in both literary directions. French novelist Charles Exbrayat’s Imogène thrillers feature a doughty and altogether unlikely Scottish secret agent-cum-detective, tartan overdrive at the ready. Now adapted for cinema, TF1 proudly sponsoring.

There was some worry. Could the mixture all turn out a little… heavy, a kind of cinematic Scotch broth laced with haggis and copious coils of extra rich boudin noir? There was the delectable Catherine Frot to look forward to though, come else what may, and I had enjoyed her very much in Le Vilain, as reviewed in a chipper, relatively brand new Franglaisreview back in the chilly depths of December last year. Frot plays Imogène McCarthery, the most insanely patriotic Scot I have ever seen, who finds herself incongruously working for the English civil service in London as a very fiery secretary, scornfully terrorising her meek English colleagues. Her bosses sense untapped capacities in her and duly promote her to the rank of Spy for Her Majesty, which is very exciting indeed, particularly as she gets to return to her home village in Scotland in order to hand over some highly confidential maps, in a bid to bring down some nasty Soviet spies who are on the loose.

Imogène is half irrepressible enthusiasm, half fearsome full-blooded Scot warrior, and her journey to Scotland and subsequent stay there turns out anything but uneventful, not just for people, but also a flock of roadside sheep for whom it’s a question of ‘wrong place, wrong time’. It turns out to be good and rich stuff, rather than lumpy or leaden comic viewing, highly entertaining and feel-good. Silly, too, but almost always in a good way. It did get me a bit paranoid about how much Scots hate the English, though. Or perhaps things have got better since the 1950s. Or maybe there was some channelled French aggression in there somewhere, too… In which case, I really need to keep working on my accent to help me blend in a bit more seamlessly around here. Talking of which, Monsieur D. very kindly helped me out on that front recently. Fellow Anglophones, you’ll know you’ve arrived if you can say the vowel sounds correctly in « Une puce puante en poussette sur mon pouce ruse avec une rosse russe et rousse ». (Translation: “a stinking flea in a buggy on my thumb is plotting with a ginger Russian nag”). A handy phrase that promises to go down a storm in almost any social occasion!

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Les Aventures Extraordinaires d’Adèle Blanc-Sec

In a nutshell: Luc Besson changed his mind and decided he’d make more movies than he promised: good. He decided to adapt Tardi’s Adèle Blanc-Sec: Alright! He kind of forgets about rythm and tempo in the process: damn!

Luc Besson a tant d’admirateurs: un réalisateur français de films populaires rythmés, générationnels (Le Grand Bleu, Nikita, Léon, Le 5ème Elément). Besson a également tant de contempteurs: un cinéaste parfois complaisant (Angel A) devenu mogul, grand producteur bougon de films efficaces (comprenez sommaire et à succès) mais souvent aux recettes si simplistes qu’ils en deviennent insultants. Autant dire que son dernier film après sa rémunératrice mais atterrante parenthèse animée (sacré Arthur) était attendu! Son choix s’est porté sur l’héroïne renfrognée de Jacques Tardi: la courageuse et astucieuse Adèle Blanc-Sec.

Pour le rôle titre, Besson a choisi la séduisante Louise Bourgoin, bien plus jolie que son modèle, et l’entoure de seconds rôles solides (Gilles Lellouche, Jean-Paul Rouve, Mathieu Amalric méconnaissable, etc.), dont les visages ont tous été transformés pour les faire ressembler aux protagonistes de la bande dessinée. En cela, l’adaptation est bonne et le Paris de 1912 est impressionnant de réalisme. En revanche l’humeur, l’atmosphère fantastique et prenante des aventures de Mlle Blanc-Sec ont été remplacés par un humour bon enfant souriant mais sans grand relief et une ambiance Indiana Jones revendiquée, en décalage avec l’oeuvre originale. Le résultat n’est pas déplaisant, souvent agréable et certaines scènes sont même extrêmement réussies : une partie de tennis peut-être insuffisamment échevelée et une cruelle guillotine ont notamment retenu mon attention. Mais on ne peut s’empêcher de ne pas être vraiment emporté par le charme de l’ensemble, le tout manquant singulièrement et étonnamment de rythme. Les effets spéciaux sont bizarrement assez maladroits et on en vient à se demander si Besson n’a pas remplacé une partie de son brio par un regain de fraîcheur pas encore tout-à-fait maîtrisé.

Le film s’ouvre sur la naissance inattendue d’un ptérodactyle au Jardin des Plantes tandis qu’Adèle, journaliste et feuilletoniste, parcourt l’Egypte à la recherche de la momie du médecin de Ramsès II, dernier espoir pour un jour ramener à la vie sa jeune soeur  plongée dans un coma profond. Après mille péripéties la menant de canot-sarcophage (un clin d’oeil à Tintin?) en dos de ptérodactyle (clin d’oeil à Avatar?), elle s’attirera bien des amours et des haines jusqu’à l’image finale qui semble promettre une suite ou alors une fin vraiment funeste. Le bruit court en effet que ce film serait le premier d’une trilogie et on ne peut qu’espérer que les suivants retrouveront le tempo qui a plus qu’à son tour rendu magnétique (ou visible selon vos goûts) une bonne partie des films de Besson. Un peu plus de l’ironie froide et de la noirceur de Tardi ne serait pas non plus pour me déplaire, mais je comprends que ce sont des éléments plus segmentants que rassembleurs dans la grande aventure marketing qui accompagne toujours les production Europa Corps. Allez, Luc, c’était pas mal mais encore un effort!

En résumé: Luc Besson est de retour avec cette adaptation de la bande dessinée du même nom de Tardi. Un film exubérant qui déçoit au final par son manque de force innovatrice.

I really stumbled in off the street for this one, speech-slurringly dazed and confused from a too-heavy work schedule and rather ready for a nap in the velvety darkness of the creaking-seated UGC Gare de Lyon. Still, it was hard not to be at least a bit roused, grudgingly or otherwise, by Luc Besson’s long-awaited directorial return and rework of Jacques Tardi’s BD (graphic novel) of the same name, swashbunkling as it all was. Compared to the original BD, everything is relatively purged of any warped gothic irony, barring the odd Tim Burton-esque grotesque moment. There are, for instance, some things a forehead just shouldn’t have to go through (or perhaps should I say, just shouldn’t have to go through a forehead).

It’s a high-octane adventure-epic adaptation, with a sure eye for atmospheric detail from the 1912 Paris where it’s mostly set, a pleasingly giant, mostly good-natured if hungry pterodactyl, and the indomitable Adèle Blanc-Sec (Louise Bourgoin), archeologist extraordinaire, who clearly never stops for a nap, unlike her poor sister Agathe, (Laure de Clemont-Tonnerre), who’s basically been doing nothing but for years. Adèle travels to Egypt in order to steal away the ancient mummy of a Pharaoh’s physician, strangely confident of resurrecting him so that he can raise her sister from her torpor, which she sort of does, although it doesn’t pan out quite as expected. Naturally, there are hoards of brutal adversaries to defeat but also loyal friends on hand to help, not least Andrej Zborowski (Nicolas Giraud), budding scientist with a boffin-sized crush on Adèle.

The whole thing’s much more gleeful than I was expecting, but sadly also more formulaic, slack in places and by the end increasingly tiresome, something akin to a toddler who’s been given far too many sweets to eat and is now getting tedious and needs to be put to bed. It’s probably a best bet for early teen fantasy fans, but not anyone much younger given certain gruesome moments, unless by any chance nowadays they make kids harder bitten than they used to.

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How to Train Your Dragon?

In a nutshell : Dragons and Vikings with a Scottish accent for M. D., an animation in 3D for Miss J., this movie had it all! Great fiery fun!

Aventure, humour, prouesses techniques, visuelles, scénaristiques, la dernière production de Dreamworks donne à penser que Disney et Pixar peuvent commencer à se faire du souci. Il est complexe de trouver l’équilibre qui fait d’un film animé une réussite d’intelligence pour petits et grands, cinéphiles et parents fatigués. Là, ce conte viril et absurde à l’esthétique scandinave remaniée manga s’impose impérial dans toutes les catégories.

L’histoire débute dans un village Viking sempiternellement attaqué par une multitude de dragons, tous plus méchants les uns que les autres. Ainsi le village multiséculaire est toujours neuf, puisque à chaque fois incendié et à chaque fois reconstruit. Les Vikings élèvent leurs enfants la haine au coeur et la hache à la main. Le jeune Harold a toutefois du mal à s’intégrer, petite sardine qu’il est dans un banc d’orques et de requins. S’il n’a pas la sauvagerie ni la force des ses camarades et aînés, il a la curiosité intellectuelle et la soif de connaissance qui le pousse à vouloir mieux connaître son adversaire. Résultat, il se lie d’amitié avec son féroce ennemi, qui s’avère bien moins agressif et plus domesticable qu’il eut pu le penser.

Le film présente donc en plus des scènes spectaculaires et virevoltantes attendues, un héros scientifique, étudiant inlassable, prêt à remettre en cause ses croyances les plus profondes face à la réalité. Cela faisait bien longtemps que nous n’avions plus vu un film abordant avec spiritualité le thème du pouvoir conciliateur de la connaissance, source de progrès et de tolérance face à certains dogmes certes explicables et légitimes, mais fâcheusement erronés. Je suis sûr que vous pensez déjà à une demi-douzaine de sujets qui pourraient se servir de cette métaphore animée.

Loin de moi l’idée de faire passer ce film pour plus philosophique et politique qu’il ne l’est, car il reste avant tout assez conventionnel et une très jolie aventure épique et souriante. J’ai particulièrement apprécié les scènes savoureuses durant lesquels le jeune homme et le dragon s’apprivoisent l’un l’autre, les scènes de vol très réussies, d’autant plus impressionnantes en trois dimensions, et un détail que j’ignorais : les Vikings parlent avec un accent américain quand ils sont jeunes pour petit à petit prendre un accent écossais avec l’âge.

Rires et frissons garantis pour les petits, puisque la petite fille de quatre ans qui accompagnait une amie le lui a bien dit avant la séance: “Je l’ai vu, ne t’en fais pas, c’est marrant, mais donne-moi la main parce qu’à un ou deux endroits tu auras sûrement peur”! Que demander de plus pour son film du mercredi?

En résumé : Une animation très divertissante, drôle et visuellement impressionnante, pleine de dragons et en 3D.

How to Train Your Dragon is DreamWork’s latest animated feature film (following Shrek, Madagascar, Kung Fu Panda, and Monsters vs Aliens amongst others), here in splendiferous 3D for your viewing delight. Unlike in Tim Burton’s DISAPPOINTING Alice (see earlier review), the storyline stacks up nicely, keeping pace with the top-notch visuals as opposed to being an embarrassment to them. The yarn it all weaves is a tale of hardnosed island Vikings, although as Monsieur D has noted, by an unusual linguistic quirk they seem to all start out in life with an American accent prior to developing a rich Scottish one upon reaching adulthood. Much of all of their time is spent bloodily thrashing into submission their festively designed local dragon population, who nonetheless keep swooping down from the sky and stealing their sheep for a reason that later becomes apparent (watch it to find out).

Spindly ginger protagonist Hiccup (who’s given the much more dignified name of Harold in the French subtitles) is the village chief’s teenage son, a misfit who’s longing for the acceptance of his hairy Neanderthal brethren only for it to slip further from his grasp with each attempt to impress them, blighted as he is by clumsiness, as well as mistrusted for his mad-professorial hit-and-miss experimental approach to life, which comes off in poor taste in a land defended by steely brute traditional force alone. A competitive training programme in dragon slaughtering attracts his interest, but no one wants to let him on it because every time he inventively tries to kill a dragon, all hell breaks loose. All this changes though, when he actually manages to bring down a dragon one night, not that anyone believes him or indeed finds out for a very long time indeed. He finds it lying miserably in the forest, and tries to kill it but finds out to his dismay he doesn’t really have the soul of a slayer.

He then not only manages to secretly befriend and tame this most feared species of dragon, but it turns out to make a splendid, exuberant fire-breathing pet, Black Beauty with wings, if you will. Learning all the tricks of the dragon (tickle it in the right spot and it will collapse in a blissful heap for instance), he aces dragon school training and becomes something of a local guru, the one all the girls want to hang with. Through this, what was once regarded with terror comes to be an ally against greater, darker forces threatening the greater wellbeing of both species. Hiccup challenging established beliefs as to what can and can’t be done, and by whom, suggests that things need not always go horribly awry when you befriend the unknown. Something to hold on to perhaps if you go a bit white-knuckled at the news that white-bearded genetic entrepreneur Craig Venter and team have just managed to entirely synthetically create life for the first time out of some proteins and a petri dish (I simplify a tad)!!

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Mlle Clara en direct de Cannes: Illégal

And here is a movie we shan’t see before October 2010 at the earliest, but it is presented in the Cannes film festival and our critique extraordinaire saw it for us. Yes, Mlle Clara is back! and happy! and with pupils from Monaco! She reports on Olivier Masset-Depasse new movie Illégal, a hard story focusing on a Russian refugee and her son in Belgium. Mlle Clara’s class were intrigued and moved. Will she tempt you?

J’ai aujourd’hui vécu une expérience inédite : emmener des élèves de classe de collège à la Quinzaine des réalisateurs ! Des petits Monégasques qui plus est ! Pour eux, Cannes est évidemment synonyme de glamour et de sunlight, et je n’ai pas cherché à les détromper avant qu’ils ne découvrent le film choisi par mes soins attentifs : Illégal d’Olivier Masset-Depasse! Pas exactement ce à quoi ils s’attendaient. Pourtant, leurs réactions ont été très favorables, preuve qu’un film abordant un sujet difficile, lorsqu’il est traité avec talent et justesse, parvient à toucher des publics a priori peu réceptifs et certes pas du tout acquis d’avance.

Illégal raconte l’itinéraire d’une femme russe et de son jeune fils, réfugiés en Belgique et sans papiers. La femme, petite quarantaine, était professeur de français dans son pays. On ignorera tout des raisons de son exil, mais on comprend que sa détermination à ne pas retourner dans son pays est absolue. La situation est vite posée : Tania avale un verre de vodka avant de se brûler les coussinets des doigts pour effacer à jamais toute empreinte digitale. Elle choisit la clandestinité, travaille comme femme de ménage et élève vaillamment son fils qui va à l’école. Tania est forte, énergique, et entend donner à son fils le meilleur. Leur vie bascule le jour où ils font l’erreur de se laisser aller à parler russe en sortant du bus : des policiers les contrôlent. Tania se rebelle, hurle à son fils de courir pour s’enfuir, ce qu’il fait. Commence alors un long  calvaire. Centre de rétention, mutisme  de Tania décidée à ne rien révéler de son identité pour éviter le rapatriement dans son pays, menace de prison pour détention de faux papiers…

On sent dans Illégal l’héritage des frères Dardenne, de l’école belge du réalisme sans concession, âpre et tendu. On pense à La Promesse, au Silence de Lorna. Caméra à l’épaule, volonté de capter la réalité brute, d’être au plus près des visages, de rendre à l’image la vie des corps (souvent) souffrants. Engagement aussi de cinéastes citoyens qui entendent témoigner des turpitudes de nos pays démocratiques où la police peut se révéler à la hauteur des dictatures les plus dures. Ainsi ces femmes qui ne veulent pas monter dans l’avion qui doit les renvoyer dans « leur pays » (leur pays ?), auxquels des membres des « forces de l’ordre » brisent les os, démolissent le visage. Torture physique autant que psychologique : à force d’être anéanties physiquement, elles finiront bien par accepter de le prendre cet avion… estiment les tortionnaires.

Olivier Masset-Depasse a trouvé en Anne Coessens l’interprète idéale de sa Tania, jamais dans l’auto-apitoiement, toujours dans le combat et l’affirmation de sa dignité. Mention spéciale aussi à l’actrice Essé Lawson que je n’avais pas revue depuis La Squale sorti en 2000 : corps cabossé par les maltraitances répétées, regard dur de celle qui en a vu, elle incarne avec une force qui en impose une détenue qui résiste jusqu’à y laisser sa vie.

Ces êtres que les médias réduisent  aux vocables « sans papiers », ils sont parmi nous. Un jour, peut-être, les côtoierons-nous dans un avion qui nous emmènera vers une destination au soleil. Saurons-nous nous élever comme le font les personnages du film contre cette indignité, et protester comme citoyens avec courage et vigueur? Aurons-nous la chance que notre commandant de bord refuse de décoller ? Le film se déroule en Belgique, mais on croirait qu’il se passe en France. Olivier Masset-Depasse aurait-il fait exprès de gommer tout accent belge ?

Mes petits Monégasques, en tous cas c’est certain, n’auront plus le même regard sur les « sans-papiers » qu’ils verront dorénavant sur leurs écrans de télé.


Et Je n’arrive pas à intégrer la bande annonce … si quelqu’un peut m’aider. Voici en tout cas le lien pour les curieux. Doit-on d’ailleurs se réjouir ou se désoler d’une bande annonce qui semble révéler l’intégralité du film? Ce sera notre débat après notre discussion du soir: le style des frères Dardennes, influence chtonienne sur le cinéma d’auteur contemporain, ou dernier avatar de la Nouvelle Vague?

Quoiqu’il en soit, merci encore Mlle Clara et au plaisir de vous retrouver, nous l’espérons, bientôt, en direct de Cannes.

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Guest critique 6: A single man

In a nutshell : Once more a dear friend is gracing us with her point of view. Here is Mlle CTP on the very neat, very elegant, and rather touching  Tom Ford’s A Single Man. Beautiful film, yes ! Maybe too beautiful …

C’est avec un plaisir non dissimulé que nous ouvrons nos colonnes à Mlle CTP, qui eut l’amitié de m’emmener au cinéma lors de l’un de ses passages parisiens. Voici la critique du film que nous vîmes, la mienne suivra, plus bas.

Suicidez-vous en propreté !

Non, il ne s’agit pas d’une publicité pour Sunshine Cleaning, mais d’une image saugrenue et incomplète pour parler du film de Tom Ford, A Single Man. Imaginons Colin Firth, bien décidé à mettre fin à ses jours, se débattre dans un sac de couchage pour éviter les taches lors du coup de feu fatal. Le flegme avec lequel il opère ne laisse encore présumer de l’immense élégance avec laquelle il campe son personnage dans cette fable esthétisante. Il aura fallu que je le revoie sur petit écran, coincée dans les 30cm2 qui m’étaient alloués lors d’un vol longue-distance, pour que je saisisse, dès les premières images, dès les premiers accords, à quel point cet homme seul m’avait finalement tant touchée.

George (Colin Firth), professeur d’université, la cinquantaine, a perdu son grand amour, Jim, il y a déjà quelques mois. La vie est devenue insipide et c’est aujourd’hui qu’il a décidé d’y mettre un terme. Cette journée est évidemment marquée par ses rencontres: celle d’un jeune étudiant apparemment épris de lui, celle d’un play-boy gigolo qui lui fait des avances entre un coucher de soleil et une immense affiche de « Psychose », celle de Julianne Moore, amie de toujours, gracieuse comme une pharaonne égyptienne. Tous semblent rongés par une solitude pernicieuse. George déambule dans une Amérique des années 60 (Los Angeles?), où de beaux corps jouent au tennis, se côtoient au ralenti, des enfants cherchent des trésors dans des jardins … Ma foi, de belles images aux couleurs saturées alternent avec des images (tout aussi belles), ternies à travers le prisme de son indifférence et de son désespoir. C’est un manque de sens, si bien incarné par Firth qui nous cingle de plein fouet. La mélancolie nous happe, aidée par une musique un poil trop mélodramatique. La vie continue, le temps est à son oeuvre, George vieillissant.

Mais comment comprendre que ce film m’ait touchée ? On a là une histoire qui pue la morosité suicidaire, qui cocotte la beauté! Un mélo! Et pourtant. Chaque seconde nous pèse dans ce film aussi chronométré que la dernière journée de son héros. Tout y est beau, la solitude d’un homme, son chagrin, la sensibilité d’un jeune homme qui pressent la détresse de son adoré, leur belle rencontre qui fera dérailler le train lancé à toute vitesse vers un dénouement pas si évident. La très belle image de l’outil, un petit taille-crayon offert par l’étudiant et enfoui à la va-vite dans la poche d’un beau pantalon me revient. Alors, naturellement, il arrive un moment où tous ces corps parfaits me font presque penser à un spot publicitaire (cf Eau Sauvage). Cette esthétisation à outrance, léchée, minutée, dessert parfois un peu le film, qui, comme emprisonné dans du papier glacé, ne peut parfois ni respirer, ni transpirer, ni être sale. Mais c’est une histoire d’amour absolu, de complicités. L’image récurrente de la noyade prend tout son sens. Il y a, au fond, un dernier sursaut qui fait reprendre de l’air, et puis malgré tout, le destin. Le tout porté par d’excellents acteurs, avec des rôles taillés sur mesure, seyants comme des costumes dessinés avec brio par… Tom Ford.

La grâce dans tout cela? Malheureusement absente.

En résumé : Un Colin Firth magistral vit en samouraï son ultime jour de deuil. Tom Ford produit un mélodrame esthétisant, mais malgré une froide élégance et quelques irritantes chantourneries, un certain charme agit.

Tom Ford’s first movie is very true to the man : precise, elegant, mild mannered, somehow cold, but you feel that a world of passion and violence is lurking underneath. His hero, the soft spoken George Falconer (A brilliant Colin Firth) has had enough. He can’t cope with the death of his partner Jim, killed in a car accident some time ago, a death he can’t mourn, homosexuality being frowned upon, or worse still, way worse in the Los Angeles of 1962. Ford’s camera follows Falconer throughout the day, rather naively taking his point of view, a mostly cutting, cold, silent, fairly colourless image mirroring his deep melancholy, interrupted by brief moments of saturated joy.

Loneliness is at the center of every frame, obsessively coming back into the lives of all protagonists, and Ford is able to show with a great sense of decency how true love and affection remain glints of comfort in a deep and dark night of lonesomeness. Falconer’s best friend, the fashionably depressed Charley (Julianne Moore) or the few good (far too young and handsome) men he meets on his final day are only a reminder of how cheerless life is without someone’s hand to hold. The melodrama is at its peak and yet, the sensitivity of Tom Ford and his discretion in terms of emotions makes it bearable, even at times deeply charming. One can regret how obsessively perfect everything looks – houses, clothes, cars, objects, even people – and don’t get me started on the lifestyle this expatriated British University Professor can apparently afford. I know teachers are underpaid in France, but I doubt they are as rich as that in L.A.

If Tom Ford’s contrived affectation undermines the strengths of the movie, it does not obliterate them, and behind lies quite clearly the powerful vision of a very sensitive man, and the greatness of an actor.

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Alice au pays des merveilles

In a nutshell : Alice is now 20, a bit old to be in Wonderland, but she goes nevertheless guided by Tim Burton in a wonky adaptation of Lewis Carroll’s great work.

L’actualité et le dernier article de Mlle Clara impliquent que nous parlions sinon du festival de Cannes et de son président cette année, Tim Burton, – on le fait déjà formidablement ici – du moins de son dernier film dans nos salles, Alice au Pays des Merveilles. Alice est une adaptation, l’enfant a bien grandi, elle est même en 3 dimensions pour ceux qui le souhaitent, mais je crains qu’avec l’âge elle ait perdu de son charme, le film en tout cas très nettement.

Tim Burton a toujours eu l’avantage de connaître le cocktail magique qui lui permettait de mêler sa sensibilité, son originalité, ses thématiques et son talent à des projets populaires et vendeurs qui le faisaient être apprécié du public et de la critique. Mais ici, la boisson saoule plus qu’elle ne désaltère, monte à la tête plus qu’elle ne ravit les sens. Si les codes de l’univers burtonien sont respectés, rayures, couleurs vives, Johnny Depp etc., l’âme n’y est plus, dévorée par le marketing. L’œuvre satirique, absurde, dépaysante de Carroll n’est plus qu’un joli décor de pixels.

L’intrigue est simple. Alice (la molle Mia Wasikowska) est en âge de se marier mais elle hésite à épouser le caricaturalement rasant Hamish, aristocrate ridicule de corps et d’âme mais riche. Se connaissant insuffisamment elle-même elle préfère suivre un gentil lapin blanc, très en retard, que faire face et, qui sait, affronter l’ire de ses pairs et ses ainés. Ce passage à l’âge adulte est lourdement signifié par son troisième (après ses Aventures au Pays des Merveilles puis Through the Looking Glass) voyage au Pays des Merveilles sur lequel règne la terrible, cruelle et infantile Reine Rouge (amusante Helena Bonham-Carter). Une prophétie annonce qu’elle ne pourra être renversée et remplacée par sa douce et pacifique sœur, la Reine Blanche (Anne Hathaway), que si un héros (enfin une héroïne) réussit à vaincre le terrible monstre, le dragon hideux qu’est le Jabberwocky. Alice quitte donc le monde de Carroll pour entrer dans celui d’un sous Harry Potter qui aurait trop vu La Guerre des Etoiles. Après tout, pourquoi pas ? Mais c’est d’un ennui … En épilogue, Alice revient à la surface et finit par choisir de refuser le mariage victorien pour une vie d’aventures (en Chine, les marchés du futur).

Transformer l’enfant qu’est Alice en jeune femme fut pour moi le problème central car Burton ne sait pas ou ne veut pas filmer les troubles et les tensions de la sexualité et le personnage, que seul son Papa comprenait vraiment, n’apparaît pas avoir non plus particulièrement mûri intellectuellement. Alice est si enfantine qu’elle en devient cruche et le charme de la petite fille attentive, courtoise, insouciante, « extravagamment curieuse » du conte disparaît pour devenir une sorte de chevalier, la porteuse de l’épée magique.

Ainsi, pour incarner ce scénario atterrant, une multitudes d’effets, de couleurs, de mouvements et de détails léchés mais aucune trouvaille, et une carence en émotion étonnante. Car même si tout est fou, tout est lisse, jusqu’au Chapelier pourtant interprété par l’habituellement superbe Johnny Depp. Et la 3ème dimension n’amène rien de plus au spectacle, si ce n’est qu’après Avatar, elle apparaît bien mal maîtrisée, présentant plus un théâtre de marionnettes de papier qu’un monde dans lequel entrer.

On ressort du cinéma plutôt grognon car la déception est forte et même si l’on a pu être ravi çà ou là des apparitions élégantes du gros chat du Cheshire et de son beau sourire, on regrette la disparition de l’ambigüité chère à Lewis Carroll et du grain de folie d’un Tim Burton en petite forme.

En résumé: Alice retourne au Pays des Merveilles, mais on n’aurait peut-être pas dû lui accorder un visa…

Cinematically or otherwise, some literary classics should get to keep their dignity, kept from harm like beloved sacred cows, lowing sagely in their own verdant, cordoned-off corner of the cultural field. For me, Alice in Wonderland and Alice Through the Looking Glass are prime categories for that kind of reverence. They’re flippin’ perfect as they are. Hands off and don’t even think about it, Disney, Saatchi and Saatchi, Twentieth Century Fox, rabid post-post-post-modern/ist theorist, or whoever (hm, too late). But… then again, turns out that it’s Tim Burton who’s going to be riffing on the original story, casting delectable Johnny Depp in the leading role. And in 3D (could be psychedelic)! Hm. OK, call off the dogs, sounds like it could all be watchable after all….

So, the new story: Alice (Mia Wasikowska) has grown up into a feisty young adult on the verge of being publicly proposed to by dull local rich bloke Hamish, convinced her childhood adventures in Wonderland were some kind of indigestion-induced delusion. Luckily though, she falls back down the rabbit hole just before having to give an answer, giving her breathing space and some horribly generic adventures to trundle her way through before having to face him again at the end of the film. Pretty much all of the original major players are there, plot-wise: Johnny Depp plays The Mad Hatter, Paul Whitehouse the March Hare, Alan Rickman the Blue Caterpillar, Matt Lucas both Tweedledum AND Tweedledee… and Steven Fry is the voice of the almost-Bagpuss colour schemed Cheshire Cat (which is unquestionably most wonderful). Meanwhile, Wonderland has fallen into rack and ruin, submitted to the despotic whims of the Red Queen (Helena Bonham Carter), who’s at her all-time best resting her tired feet on a pig as a footstool. Alice is pounced on by the familiar crew of characters as their hopeful saviour from the whole mess, with the task of putting the banished White Queen (Anne Hathaway) back in charge of things by hopefully, um, slaying the Jabberwocky. If you will, all very Lord of the Rings-meets-Harry Potter-meets-Alice in Really-makes-you-wonder-what-they-were-thinking-land

Unfortunately, whilst it doesn’t by any means fall totally flat,  the all-new Alice is still a seriously big let down, yet more proof that pretty pictures and truckloads of cash can’t get you past a lame duck storyline, which is all the more enraging giving the glorious thematics it’s lazily reprising. Burton’s off form, other than his unstoppable flare for imaginative visuals. As for the promise of 3D, it’s categorically not worth the pinched nose and vague headache you get from sitting through a film with the still-rather-cumbersome 3D glasses on. It’s clearly a gimmicky add-on and one that almost made Monsieur D. swear off 3D for good, not only adding little but frequently detracting as well, making Avatar look truly masterful in the process. So, I’d recommend a night in rereading the originals above renting this on DVD – even if visually it does have its moments, and the Cheshire Cat is heartbreaking only in as much as you can’t actually get one  as a pet.

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Guest critique 5 : Lions Love (…and Lies)

C’est dimanche, c’est jour de fête car notre envoyée spéciale à Cannes, Mlle Clara L. nous fait partager ses impressions de Lions Love (…and Lies), docu-fiction de 1969, projeté en ouverture de La Quinzaine des réalisateurs, qui, cette année, rend hommage à Agnès Varda.

On célèbre donc la réalisatrice et documentariste, revenue dans l’actualité il y a deux ans grâce à son généreux et émouvant autoportrait, Les plages d’Agnès, chaleureusement accueilli par le festival de Venise.

Lions Love, film “hippie” présenté avec talent par Mlle Clara L., fut tourné aux Etats-Unis car Varda accompagnait alors son mari, le cinéaste Jacques Demy, qui y avait été convié dès 1967. Tombée amoureuse de Los Angeles, il semblait juste qu’elle lui consacre son attention. Elle tournera notamment un documentaire sur les peintures murales et l’oeuvre qui suit, focalisées sur ces trois jeunes gens et leurs crinières de lion.

La SRF (Société des Réalisateurs de Films – Note de M. D.) a choisi cette année d’offrir son Carrosse d’or, distinction récompensant l’œuvre d’un cinéaste pour son intégrité et son originalité, à la grande cinéaste Agnès Varda. Celle-ci a accueilli jeudi soir son petit trophée doré avec une anecdote : le film éponyme de Jean Renoir étant donné dans une salle d’art et d’essai de son quartier lorsque le petit Mathieu n’a encore que quelques mois, elle prend le nourrisson sous le bras avec un biberon et offre, en compagnie de son époux Jacques Demy, son premier film au futur acteur que l’on connaît. Cette anecdote montre la liberté qui régnait dans les années soixante (aujourd’hui des policiers viendraient certainement cueillir la « Sainte Famille » cinéphilique dans la salle obscure), décennie où Varda filme Lions Love (… and Lies), long métrage projeté en hommage dans la grande salle du Palais Stéphanie. Film rarement montré, il a ravi les spectateurs de la Quinzaine, mais pas le documentariste Frederick Wiseman présent pour une discussion post projection …  mais n’allons pas trop vite.

A la lisière du documentaire et de la fiction, Lions Love (… and Lies) est le fruit du désir de filmer la folle liberté qui règne dans le monde de la contre-culture américaine des années contestataires. Andy Warhol, fan de Cléo de 5 à 7, donne le feu vert à son égérie Viva ! (ne pas oublier le point d’exclamation) pour tourner dans le film de la cinéaste française… Aux côtés de la muse warholienne, les deux heureux auteurs du succès Hair, comédie musicale générationnelle, qui permet aux deux acteurs chevelus de vivre en pacha dans une villa hollywoodienne à piscine david-hockneysienne. Enfin, en pacha ou plus exactement en héros d’un mode de vie alternatif, en l’occurrence un ménage à trois avec la belle Viva ! Varda a donc planté en 1969 sa caméra dans cet havre de culture hippie et filme le quotidien de ces créatures d’une époque qu’elle partage alors, et qu’elle juge plus excitante aux Etats-Unis qu’en France, si bien qu’elle s’installe entre 1968 et 1970 à Los Angeles.

S’agit-il d’un documentaire au sens strict ? Non, puisque les figures filmées n’improvisent pas toujours, leurs dialogues sont écrits, leurs faits et gestes décidés à l’avance, fruit d’une élaboration en amont. On s’en rend compte d’autant mieux quand la documentariste new yorkaise Shirley Clarke, véritable figure de l’époque venue rendre visite au trio dans leur villa, refuse de jouer son rôle de désespérée qui doit avaler des pilules pour se suicider après le refus de son producteur hollywoodien de lui donner le « final cut » – la séquence montrant les pourparlers entre le producteur inflexible et les « avocats » pro droit de l’auteur-cinéaste étant particulièrement savoureuse. Shirley Clarke, fatiguée donc de jouer son rôle, se rebelle et quitte le plan… Entre alors dans le champ Agnès Varda, qui décide de jouer en catastrophe le rôle de la documentariste et mime les gestes qu’il faudrait faire. Shirley Clarke cède finalement et revient prendre sa place !

Ces moments de film dans le film soulignent ainsi la mise en scène par eux-mêmes de leur vie de ces héros de la contre-culture qui essaient de déjouer les modèles de la société bourgeoise. Enfin, héros ou plutôt anti-héros, tant Viva !, Jim Rado et Jerome Ragni se révèlent être plus que des stars sûres d’elles-mêmes des sortes « d’enfants perdus » à la Peter pan, à la recherche d’une maturité bien difficile à atteindre. C’est ainsi qu’ils se demandent précisément si la procréation d’enfants ne les aiderait pas à accéder à la maturité. Qu’à cela ne tienne ! Empruntons des enfants pour voir si c’est fun ! Et nos acteurs de dénicher trois enfants entre trois et dix ans (Varda apprendra aux spectateurs de la Quinzaine que deux d’entre eux n’étaient autres que les rejetons de Bob Rafelson et d’Harrison Ford) et de passer un après-midi test avec les bambins. Evidemment, les enfants, c’est usant, ils réclament  une attention constante et ne veulent se nourrir que de frites et ketchup. Exit les enfants ! Ils reviendront tout de même vers la fin du film en compagnie d’une ribambelle de leurs homologues pour acclamer une représentation théâtrale donnée au fond de la piscine, vidée pour l’occasion, d’une pièce de théâtre new-yorkaise underground qui ouvrait le film – la boucle est bouclée.

Agnès Varda, cinéaste en liberté portée par l’esprit de l’époque, n’hésite pas à accélérer le rythme des images d’une séquence longuette de réveil le matin, intègre le passage inopiné d’Eddie Constantine à la villa en en faisant un ancien amant de Viva ! congédié par le trio fantasque, et semble beaucoup s’amuser à filmer ces enfants gâtés de la contre-culture. Viva !, toujours très apprêtée, fait penser à une héroïne d’un tableau préraphaélite, mais aussi à une héroïne du muet avec ses immenses yeux maquillés et sa carnation pale. Ceci dit, la Belle est loin d’être muette, car elle et ses compagnons, doux agneaux pacifiques à la crinière léonine, ne cessent de deviser tout le long du film. Mais de quoi parlent-ils ? Des nouveaux rapports homme femme : les femmes doivent-elles se lever le matin pour apporter le café à leur compagnon ? Non, elles ne sont plus des serveuses (“waitresses”). Ils parlent également de la Société du spectacle et assistent ainsi, pétrifiés, à la mort de Bob Kennedy sur le petit écran en se disant que la télévision est bien friande de ces morts en direct. Ils expriment leur ravissement d’habiter un tel lieu édénique où les réveils à trois se font sous le soleil californien qui inonde la baie vitrée de leur lit king size. Ils évoquent l’histoire d’Hollywood et de ses stars dont les patronymes ont donné le nom aux avenues de la Cité des Anges – Varda se plaît à faire se succéder en gros plans ces noms de rue, Monroe-ave, Gable-road…

Mais il faut bien reconnaître que les discours du ménage à trois s’apparentent le plus souvent à la logorrhée de gens qui s’ennuient un peu dans leur vie d’oisifs hype.

Et c’est ce que Frederick Wiseman semble avoir surtout retenu du film d’Agnès Varda, le vieux documentariste ayant été invité à débattre à l’issue du film sur la scène du Palais Stéphanie. « Ces gens ne sont pas intéressants. », dit un brin gêné Wiseman lorsqu’on lui demande ce qu’il pense du film qui vient d’être projeté. Grand moment de solitude d’Agnès Varda ? De toute évidence, Wiseman n’a pas aimé le film et ne veut rien en dire de plus. La cinéaste ne se laisse pas démonter, et demande à l’Américain comment lui a vécu cette époque. Wiseman se contente d’un laconique : « Ce n’était pas comme ça à Boston. » Les spectateurs de la Quinzaine n’en sauront pas plus. Ils vérifieront néanmoins la vitalité d’Agnès Varda parlant de son film avec une nostalgie tonique. Son improbable coupe de cheveux bicolore serait-elle un reste d’esprit hippie ?

Film symptôme d’une époque qui semble bien lointaine, film dégageant une espèce de charme au patchouli, sans éluder précisément la vacuité qui pouvait habiter les hippie, avant le film d’ouverture du soir, Lions Love (… and Lies)  a ouvert le bal de la Quinzaine avec grâce.


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The Men Who Stare At Goats

In a nutshell : Goats can bleat in fear, George Clooney is after them. He can kill with his mind. Or not. At least he can disperse clouds. Maybe. These modern “jedi warriors” have to be improved. Unfortunately, as fun as it is, so does the movie.

Aimez vous la satire politique? Moi j’adore. J’étais en conséquence très curieux de découvrir les chèvres du Pentagone, tirée d’une histoire vraie narrée dans le livre éponyme de Jon Ronson. Un journaliste médiocre, Bob Wilton (Ewan McGregor) découvre le programme secret parapsychologique développé par l’armée américaine pour contrer les soviétiques. «Nous devons être la première super-puissance à avoir des super-pouvoirs» annonce doctement le général Hopgood (Stephen Lang parfait). Croyant à une plaisanterie, Wilton se remet en question alors qu’il rencontre par hasard Lyn Cassidy (George Clooney), soldat “jedi” accompli, se rendant en Irak pour apparemment combattre le terrorisme.  Prometteur, non? Vous admettrez que l’affiche est alléchante: George Clooney, Jeff Bridges, Kevin Spacey et une chèvre ! Qui peut résister à ça? Avec en plus l’avantage non négligeable de retrouver Ewan McGregor qui semble être dans un film anglophone sur deux ces derniers mois, comme ça on n’est pas trop dépaysé. Le résultat est malheureusement moins attrayant que ce que l’on pouvait espérer. Pas catastrophique, même si mon père, par exemple, serait en profond désaccord avec moi sur la question, mais très boiteux tout de même.

Grant Heslov, le réalisateur, sans doute aussi enthousiaste devant son étincelante distribution que Clinton devant une stagiaire et un cigare, en oublie de structurer son film. Le résultat ressemble plus à une suite de saynètes plus ou moins réussies qu’à une oeuvre construite. Et si la première moitié du film se tient, la seconde est aux abonnés absents. L’histoire s’égare et en dépit des efforts méritoires de ladite coruscante distribution, l’attention du spectateur aussi. Reste le plaisir de voir d’excellents acteurs dans des situations loufoques et absurdes. Jeff Bridges est le plus bel officier hippie que vous rencontrerez et Clooney est parfait en moine-soldat décalé. Subsiste également une stimulante esquisse des risques de la guerre “post-moderne”, car si la pochade sur la confondante bêtise de l’Amérique éternellement en guerre est sympathique, sous les rires pointe la critique sur les répercussions dangereuses de ce genre de manipulations belliqueuses, et le menaçant sérieux de toute armée en exercice.

En résumé: Aimez-vous les chèvres? Si oui, allez vous plaindre auprès de l’armée américaine, c’est un scandale, je vous dis, un scandale.

Political satire time once again. What’s a lonesome Ann Arbour journalist, Bob Wilton (Ewan McGregor), to do in the crushed aftermath of his wife having run off with his boss and former good-as best friend? Turns out the answer is: head out to Kuwait for some serious Iraqi war zone investigative desert action, looking for the scoop that’ll fix up his wounded pride and validate him as a bona fide fearless fact-finding hero. In doing so, he runs into an unlikely Jedi warrior, a psychic spy no less, Lyn Cassady (George Clooney), with whom he (rashly?) heads off into the desert based on Cassady’s hunch that this was all somehow all preordained. (Lingo-geek points for anyone noticing that Cassady’s spelt Cassidy in the French version…hmm).

It would seem that The Men Who Stare At Goats is based on true events involving the US government’s New Age special forces, in this story the ‘First Earth Battalion’, which were home to a brave new breed of psychic soldier-spy, dabbled in the paranormal and plenty of consciousness-expanding hallucinogens (but emphatically not hookers – see trailer for details), embracing all things peace and love with the goal of radically transforming warfare for the better. To in fact heal the world… to make it a better place…. for you and for me and the entire human ra-…. oh, and to kill goats stone dead with a mere piercing stare. It’s all loosely based on Jon Ronson’s 2004 documentary book of the same name, which in turn was based on original research by John Sergeant, who apparently has felt (understandably) miffed by the lack of credit he received for his pivotal role in the proceedings in the film’s credits. That has all been kind of grudgingly sorted out now, apparently, but it’s clear that a multitude of dark psychic forces have gathered over a number of aspects of this curious tale of goats and fervent communion with the paranormal.

Not least, the complete dogs dinner it all makes out of a very promising politically satirical film pitch. The individual performances are great, with some memorable characters besides the two key players Clooney and McGregor. Jeff Bridges for instance is great as the pony-tailed general, Bill Django, who trains up the paranormals in the 1970s. What goes wrong is that it muddles along vaguely from one set piece to the next, getting its feet all tangled up in a very sinuous plot, apparently so overexcited about the sheer ludicrousness of this battalion actually having existed that it just doesn’t know what to do with it, instead simply jumping up and down on the spot going “isn’t it all just like totally crazeeeeee, what are they all like!!” On the plus side however, apparently no goats were harmed in the making of the movie (and I should think so, too).

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Shutter Island

In a nutshell: Scorsese’s take on Lehane’s book. Everything is impeccable and yet … something is missing. Yes, it’s both a summary and a critique. Please Mr. Scorsese stop trying to make legendary masterpieces, it’s just that, trying.

En préambule, je dois souligner mon admiration pour l’oeuvre de Dennis Lehane. Hormis son dernier imposant opus, je pense avoir lu et avoir apprécié l’ensemble de sa production. Je ne suis clairement pas le seul puisque Ben Affleck, Clint Eastwood et aujourd’hui Martin Scorsese, excusez du peu, ont été également séduits. De manière étonnante, c’est peut-être Affleck, pour son premier film, qui s’est montré le meilleur et plus fidèle adaptateur, et son Gone Baby Gone démontre tout l’art du polar, l’affection pour Boston, l’obsession de la famille et la maîtrise du tragique de Lehane. Eastwood proposait un beau film avec Mystic River, mais, malgré l’intensité de Sean Penn et le talent de Tim Robbins, j’étais resté en retrait, trouvant le film beau mais froid. Scorsese approfondit le sillon, présentant plus encore qu’Eastwood cette impression de maîtrise, de volonté d’un grand cinéma habité par les images des classiques d’antan, mais, paradoxalement, le tout manque de subtilité, de grâce et d’âme.

Le marshal Teddy Daniels (Leonardo DiCaprio) et son nouveau coéquipier Chuck Aule (Mark Ruffalo) débarquent une matinée de 1954 sur Shutter Island dans laquelle un ancien fort a été transformé en hôpital psychiatrique pour patients dangereux. Le temps est à la tempête. Une femme (Emily Mortimer), internée après avoir noyé ses trois enfants, a disparu. Les enquêteurs sont décidés à faire la lumière sur ce mystère mais se heurtent à la méfiance des détenus, la défiance des médecins, certains seraient même d’anciens nazis, et leurs propres démons. Quels secrets horrifiques cachent les bâtiments gothiques de cet ilot dirigé par l’ambivalent Dr. Crawley (le trouble Ben Kingsley)?

Scorsese transforme l’ambiance insidieuse très Hauts de Hurlevent du roman – une petite île au large de Boston battue par la pluie et le vent, un asile menaçant, un phare mystérieux – en froide paranoïa, brutal complot et traumatisme post-Holocauste. Emporté par ses modèles, le réalisateur se complait dans des éclairages expressionnistes et les plans tirés des long-métrages fantastiques de la fin des années 1940. Noyé sous les flashbacks sursignifiants (les pluies de cendre ou de papier, la guerre, les camps, l’obersturmführer écoutant Mahler), le film grandiloquent en devient boursouflé et Scorsese, toujours virtuose, paraît pourtant écrasé par le poids de la reconstitution et l’ambition de marquer l’histoire du cinéma. Et si le film est certainement intéressant, tant dans son analyse de la folie et la frontière fine entre celle-ci et la réalité, que dans sa réflexion sur la duplicité inhérente à chacun, son obésité lui nuit et le transforme en oeuvre mineure du réalisateur.

En résumé : Léonardo DiCaprio est toujours le chouchou de Scorsese , semble-t-il, et fait très peur dans cette adaptation du polar de Dennis Lehane.

The psychological freak-out thriller Shutter Island is based on Dennis Lehane’s 2003 novel of the same name. Not having read it, I can reliably confirm that ignorance of the original book can help a lot in getting swept along by Martin Scorsese’s adaptation, what with the original suspense still being intact. Given the timing of release and the properly imposing status of both directors, multiple comparisons have been made between Shutter Island and Polanski’s The Ghost Writer. I was curious to see how all that panned out. Turns out, they’re different beasts. Shutter Island is far more emphatic, overtly brutal and bruising. Lining them up for comparison is a bit like comparing a rabid street boxer on the rampage with a practicing aikido master. The Ghost Writer relies on subtly crafted, frequently elegant gestures to bring you irresistibly down into a paralysed heap with its inner force. Shutter Island just smashes you hard in the face, no questions asked. And then it leaps on you one more time from behind for good measure, just as you’re trying to drag yourself off out of harm’s way. Whilst The Ghost Writer might conceivably get its point missed, you’d really have to be in another room not to pick up on the tortured violence seething at the heart of Shutter Island.

It’s the tale of US Marshal Edward ‘Teddy’ Daniels, played by the increasingly crozzled-looking Leonardo DiCaprio. He’s on a special mission with Marshal Chuck Aule (Mark Ruffalo) to the creepy fortress of Shutter Island, a mental hospital for the criminally insane of the old-fashioned variety, with rusty chains and straitjackets and everything. No care in the community around here, unless you count running along cliff edges having broken out whilst howling at the sky as some kind of reintegration exercise. It seems a patient, Rachel Solando (Emily Mortimer) has…. whisper, shudder…simply vanished through the walls. Teddy Daniel’s task is to find her, and quickly. How on earth to get her back in time for night-time lockdown before she does… well, something rather bad one has to assume, given the commotion. Shutter Island is administrated by Old School P-doc John Crawley (Ben Kingsley), who seems to be on some kind of unspeakably diabolical mission in cahoots with a gang of former nazi war criminals (it’s the 1950s). Teddy ventures boldly forward, but it feels like every turn he makes, someone’s trying to obstruct him. Terrifyingly, it starts to look as if Shutter Island’s finest are out to get him.

It gets annoying and grating at times, certainly violent beyond all measure, and also exasperatingly belabours its clichés of Nazi Germany. But scenario-wise, if you don’t know what’s coming, it’s an interesting ride, even if after a while the ground starts to shift and you start to realise there’s going to be multiple twists to the plot. It’s hard not to be moved by the end of the film, and it’s hard not to be shaken by it, too. It becomes a journey much less through an outside nightmare scenario with all its crashing and booming, and much more through a more personal, inner hell, with a conclusion that’s bitterly poignant in its logic and arguable inevitability. It’s well played, if pretty much in the same mode throughout, one of maximum heart pounding, overloaded adrenaline, and of compulsive chin-scratching from the psychiatrists. Not a film to recommend straight before bed (my experience, anyway).

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