Monthly Archives: November 2010

L’illusionniste

En résumé: Les temps sont durs pour les magiciens à la fin des années 50. Cette animation trace avec de très belles images la mélancolie et la solitude d’un homme qui peine à épater un public dorénavant désintéressé par sa magie.

 L’Illusionniste, directed by Sylvain Chomet, is a Franco-British animated adaptation of an unpublished screenplay by Jacques Tati, tracing the fate of an aging magician caught in the dying phases of the music hall era in the 1950s. It begins with the magician (Jean-Claude Donda) receiving his notice at a Parisian theatre where he no longer pulls a crowd. He packs a suitcase and his foul-tempered white rabbit, heading off across the channel to try his luck in London. There he discovers that deafening long-haired guitar bands are now all the thing, and that his performances are barely enough to keep the youngest of children entertained. Things start to look up a little when he falls in with a group of Scottish revellers. Liquor-fuelled as they are, they adore his tricks and so he travels up to their native village, where every night he regales the locals at the inn where he stays, meanwhile befriending its dishevelled young housemaid on whom he starts to lavish attention. Eventually he runs off to Edinburgh with her, where her maintenance requirements in shoes and dresses start to eat up every penny he can scrape together by performing at local theatres. It ends up with her alternating between flirting with other men, and pleading with him for fur coats and the like. Slow inexorable defeat seems to be staring him in the face.

An Odd Couple

 The film is a mix of profound melancholy and beautiful animation. The characters are filled with a quirky mechanical grace reminiscent of the music hall era. The magician’s decline into old age, his stiff dignity and clear loneliness are movingly portrayed, with the soundtrack fuelling the oddball wistfulness of it all. The cities of Paris, London and Edinburgh are skillfully depicted teetering on the verge of the swinging sixties, one form of showmanship slowly deflating and its performers sliding into poverty, with a new form of entertainment rising to dwarf it, fuelled by shrill hysteria and the godlike worship of its stars. The film is as gently mellow as the magician’s long-honed routines, and the pace gets fairly slack at times. However it also frequently bolts into action, with the same staccato pace as the magician’s rabbit and its regular bolts for freedom. It bears the same painstakingly crafted animated stamp as Chomet’s previous piece Les Triplettes de Belleville, with less overtly fantasy-driven elements, and a deeply pervasive mood of aching nostalgia. The girl, meanwhile, is so horrid, caricatured, one-dimensional and self-serving, it’s painful to watch.

2 Comments

Filed under Animation, Comedy, Drama

Shed Your Tears And Walk Away

En résumé: ce documentaire trace avec précision les vies d’un groupe de jeunes alcooliques et toxicomanes de Hebden Bridge, et pose d’importantes questions. Dommage que comme film, c’est d’un ennui mortel.

On a recent trip back to the UK, a couple of days after getting through my viva intact, I went with my father and a friend of the family to the Strode Theatre in Street for a screening of the British documentary Shed Your Tears and Walk Away, followed by a Q and A with its director, Jez Lewis. It asks: ‘What do you do when your friends lose their survival instinct?’, addressing the problem of drug and alcohol abuse in the chic West Yorkshire hippy-hangout town of Hebden Bridge. Lewis grew up and went to school there before university, now returning to track down a number of his old classmates, trying get to grips with the ever-more frequent drink and drug-related deaths and suicides amongst the group. Following them and their friends over many months, the discreet camera on his shoulder is seemingly good as forgotten, given the openness of the footage.

Cass, a popular kid from Lewis’ schooldays who is still well-loved amongst his friends twenty years later, spends his days at the park and is a particular focus. He’s been given a two year life expectancy if he doesn’t sort himself out; the director tries to intervene personally to get him into rehab – he makes it to London and the change of scene seems to help, but he easily gets sucked back into his hometown’s self-destructive orbit. Hebden Bridge looks as idyllic as it gets from a distance, but its ‘drunk and wasted’ scenes echo those of far more obviously dysfunctional UK urban areas. Yet it’s especially discordant for a town where things such as ‘cat chakra realignment’ are purportedly all the rage, along with a disturbing degree of community denial that the deaths are an issue that need urgently addressing. Lewis is beside himself at the contrast: complacent leafy hippy touristy yuppiness on the one hand, with a growing tally of untimely, seemingly avoidable deaths on the other. The documentary highlights this blind spot, seeking to give a voice to people who are usually pushed out of the way for tourist snaps; to people self-destructing, constantly wasted, drunk or both, Special Brew ever at the ready.

Dying of boredom?

The downside is just how much footage of this there is to wade through. It’s sad, but hardly compelling after you’ve got the point, which is about fifteen minutes in.  Given a voice, the group slur at the camera, drunk/wasted style.  Causes are touched upon – apparent post traumatic stress in one individual’s case, lack of job opportunities in the post-Thatcher era is another, but with drugs and alcohol making them go round in ever-decreasing circles, the grinding, unproductive, wasted boredom of the lifestyle is what hits home the most. It does powerfully raise the question of ‘why’ this all needs to be happening. Systems are failing. If somebody (anybody?) cared more, could things be different? Dealing with the mess is costing a fortune (rehab costs many thousands) and is difficult to implement. ‘Shed your tears and walk away’ doesn’t have much by way of answers, other than the bleakness of the title, a quote from one of the group themselves. Whilst packing a punch and raising important questions, it felt too long on footage, and short on explicit contextualisation. An interview with the director can be seen here.

Pour fêter son doctorat, Miss J. est partie voir un film qui ne traversera sans doute pas la Manche, un documentaire dépressif qui décrit les lourds problèmes d’alcool et de drogues que rencontrent une frange de la population anglaise. Je ne ferai pas de commentaires sur l’idée de fêter son doctorat par la vision d’un sanglotant et apparemment trop long documentaire, chacun peut avoir ses fétiches et trouver son plaisir où il le souhaite, d’autant plus en Grande Bretagne. Mais je suis heureux de ne pas avoir été présent, imaginant d’avance la suite de soupirs de plus en plus profonds que j’aurais pu pousser. Et pour parler des ravages de l’alcool, rien ne vaut une scène tirée des Inbetweeners, âmes sensibles s’abstenir.

2 Comments

Filed under Documentary, Drama

Inception

In a nutshell: Leonardo Di Caprio hasn’t left his Shutter Island character, he is now sweating, intense and unhappy in a dream within a dream, within a dream. Sleek, cool, maybe too rational, Inception‘s good but doesn’t convince entirely.

Vu que nous nous sommes concentrés sur d’autres projets, nous allons tenter de revenir brièvement sur les 15 ou 20 films que nous avons vus mais que nous n’avons pas eu la chance de recenser sur le moment, ce qui augure, en ce qui me concerne de nombreux repas à base de poissons pour retrouver certains souvenirs enfouis et réveiller ma mémoire. Quoi de mieux alors que de débuter ce cheminement par un film qui ne parle que de cela: Inception.

Une machine à laver? Non, un hôtel de rêve.

La grosse machine de Christopher Nolan a tout écrasé sur son passage, laissant des cohortes de fans transis. Je n’ai pas été aussi enthousiaste. Son idée de départ est intrigante, une équipe est capable de rentrer dans les rêves d’un tiers, et même de s’enfoncer plus profondément encore dans son inconscient, et au plus profond du rêve dans le rêve dans le rêve de retirer ou d’instiller une idée, un sentiment qui ensuite pourra fleurir et petit-à-petit convertir la personne influencée presque en dépit d’elle-même. Ces aventuriers, tous choisis, comme dans Mission Impossible, par spécialité sont menés par Cobb, Leonardo Di Caprio himself, accroc au rêve, intense et suant comme au sortir de Shutter Island. A croire qu’il proposait une action “un personnage pour deux films”. Mais, foin de tout ce mauvais esprit, il est très bien dans cette histoire et il sait s’entourer puisque ses camarades sont tous excellents, en particulier Joseph Gordon-Levitt, aussi acéré qu’une lame de Tolède.

La thématique des relations difficiles entre rêves et réalité(s?) est passionnante et elle est centrale à l’oeuvre de Nolan, toujours en dérapage, toujours obsédée par le contrôle. Les parallèles entre Memento, The Dark Knight et Inception feront sûrement la joie de thésards cinéphiles, car les héros solitaires et obsessionnels qui construisent leur présent dans un monde de mensonges, trahisons et manipulations alors que le déroulement élégant de leur histoire suit plusieurs hypothèses ont trouvé leur réalisateur. Mais si les deux premiers films m’ont beaucoup plu, Inception en dépit de ses qualités indéniables m’a déçu. Le film commence comme un chef d’oeuvre de scène d’exposition emboîtée mêlant action efficace, cinématographie au cordeau et réflexion philosophique, et s’achève comme un sous-James Bond de pacotille, à tirailler dans la neige. Le monde des rêves de Nolan est celui d’un géomètre tristounet et les phantasmes, ou la sexualité, en sont absents. La seule femme sexuée de l’aventure (dont le nom est Mall, cela ne s’invente pas, Lacan serait aux anges, d’ailleurs il y est) est littéralement enfermée dans les oubliettes les plus profondes que Nolan a pu créer. Je n’imaginais pas aller voir un nouveau Fellini, mais la pudibonderie du réalisateur est marquante et un peu plus d’onirisme ne m’aurait pas déplu.

Onirisme-moi ça!

Les motivations des personnages sont assez ténues. Cobb, espion industriel spécialiste de l’extraction des informations dans les rêves, doit s’attaquer à plus difficile encore, “l’inception” d’une idée dans le cerveau d’un jeune mogul (Cillian Murphy). Pourquoi? “Parce que c’est mieux pour le monde” nous dit le commanditaire Saito (Ken Watanabe), c’est sommaire.  Ajoutons encore que la musique choisie pour accompagner les aventures de Cobb et de ses compagnons a été confiée à Hans Zimmer qui ne fait plus dans la mélodie depuis longtemps, mais dans le déménagement. Pour résumer son style, mettez le volume à fond  appuyez sur le gros bouton, le reste c’est Edith Piaf. Le film dure 2h30 tout de même. Et c’est là ma dernière critique d’importance, c’est un peu long, car certaines scènes sont si explicatives et répétitives qu’on s’en veut presque d’avoir un cerveau. Mais, franchement, voir tomber d’un pont, au ralenti, un minibus,  et y revenir toutes les dix minutes pour vérifier qu’il poursuit bien sa course douloureux centimètre par douloureux centimètre, cela assomme. Je laisserai de côté les fausses complexités du scénario et notamment la fin “ouverte” aux fans trouvant que l’ensemble est certes de belle facture mais manque singulièrement de cohérence scénaristique et d’imagination visuelle.

A la relecture ma critique est plus négative que ce que le film mérite. C’est un thriller ingénieux aux effets spéciaux époustouflants fait par un virtuose de la caméra, mais c’est aussi un soufflé qui se dégonfle, le goût y est, la splendeur n’est plus.

En résumé: Miss J. préfère les histoires d’amour aux revolvers, elle réserve donc sa critique à un film correspondant mieux à son goût.

Monsieur D. is right that this was not much my kind of thing, although it could have been. I don’t systematically have a hard time with the chizzled-brow Action/Drama/Fantasy genre. I liked The Matrix in its first run round the block, and that took itself quite seriously, too.  Now I think about it, I had just emerged, literally hours previously, from the thesis-writing frenzy of my life. One of the things I was most struck by with Inception, as a result, was the crash-and-boom soundtrack that kept jolting me out of my gentle, inexorable slide into sleep… especially with all of that talk of dreams going on. It just didn’t seem fair, I felt excluded from the very thing I would most have liked to be participating in at the time, by a bunch of people greedy enough to indulge in dreams going down at least five layers.

Sad to say, Inception was a let-down, other than the visuals.  There’s an excellent bit where they get the buildings of Paris to implode like some kind of airbed having the air let out. But overall, there was a broody pretention to the whole thing that bore the hallmarks of Christopher Nolan, but not on a directorial good day. Clearly something Deep, very deep is going on, but doesn’t the film just know it, and it hammers home its gazillion-dollar budget point, lingering unforgivably in the case of a mini-van full of dribbling dream-travellers falling very, oh-so-horribly slowly off a bridge, in a way that counted as five seconds in the dream layer below, five minutes in the layer below that, five hours in the layer below that and oh-my-life-will-it-ever-end in the layer below that. Luckily eventually it did end – but it took its time about it… Harumph.


1 Comment

Filed under Action, Drama, Fantasy

The Other Guys (Very Bad Cops)

In a nutshell: A very funny movie. Do I need to say more?

Finir une thèse est une joie sans pareille. Tandis que Miss J., Dr. J.!,  arrosait son succès dans un des lointains territoires sauvages anglophones que sont les universités britanniques (pourquoi pensez-vous qu’il y a une si fervente tradition anti-intellectuelle au pays de Cameron et Clegg?), il me fallait trouver une comédie pour essayer d’ajouter à mon soulagement et ma joie, la félicité qui devait certainement l’habiter alors. Le choix de comédies sur les écrans parisiens n’étant pas très riches en ce moment c’est avec de bien trop grands espoirs, et accompagné d’une amie courageuse, que je me décidais à affronter Very Bad Cops, dont le titre seul, surfant sur le succès de Very Bad Trip, est une publicité pour la lecture, la natation ou la philatélie, mais pas pour le rire au cinéma.

Rentrant incrédule je ressortis hilare, ce film est une petite merveille.

Dans ce film, même le vin est bon ...

Réunis pour la  quatrième fois après trois films honnêtes mais moyens (Anchorman, Talladega Nights et Step Brothers), le réalisateur Adam McKay et le comédien Will Ferrell ont réussi à trouver l’équilibre entre leur volonté commune parodique, la folie douce de Ferrell et les tentations de satire sociale de McKay, qui, ne l’oublions pas a commencé sa carrière au côté de Michael Moore. Very Bad Cops s’attaque au film d’action policier, du genre L’Arme Fatale, avec la philosophie d’un Mel Brooks: l’humour mitrailleuse – si les trois premiers gags ne vous font pas rire, les suivants finiront par le faire. Le rythme est soutenu et les plaisanteries des plus fines aux plus graveleuses se bousculent. Il m’est difficile de choisir un épisode ou une réplique marquante car immédiatement une dizaine d’autres se présentent à ma mémoire. Les acteurs s’amusent de manière évidente, Ferrell étincelle, Samuel L. Jackson et Dwayne Johnson font un couple d’anthologie, Michael Keaton est (comme souvent) parfait, Coogan et Mendès sont d’une rare justesse, et il est agréable de découvrir Mark Wahlberg dans un rôle volontairement comique.

Un p'tit café, un solitaire, tout sera fait pour votre confort

Sans volonté pédagogique particulière, le scénario de The Other Guys dénonce pourtant avec violence le système économique actuel et les abus qu’entraînent la spéculation et la déréglementations des marchés financiers. L’air de ne pas y toucher, la comédie fait tout d’abord ressortir l’absurdité des buddy movies policiers, la bêtise de ses héros, ses tentations machistes, homophobes, sa violence gratuite faussement réaliste, pour s’attacher à décortiquer les hypocrisies d’un système qui tolère, voire accepte, la délinquance ou les crimes en col blanc. Le “méchant” n’est pas un sanguinaire, un affreux, un psychopathe cannibale, mais un affable homme d’affaire (Coogan suave), aimablement escroc, sympathique spéculateur, dont les décisions mettent à la rue des milliers de personnes. Tandis que le Capitaine de la Police de New York (Keaton) est réduit à avoir deux emplois pour payer les études de son fils, les salaires des grands patrons, plus gestionnaires et parieurs que véritables entrepreneurs, augmentent. Je conseille d’ailleurs à chacun de rester jusqu’à la fin du générique final car le ludique exposé qui y est fait peut ouvrir des perspectives nouvelles (et ajouter quelques rires supplémentaires).

Ainsi le film préfère aux héros habituels, “the other guys“, les autres, les citoyens, les gens normaux qui construisent la société et participent à leur communauté. Et rappeler cela, en se moquant des puissants, n’est pas si commun même si quelques auteurs, Molière et La Fontaine en tête, l’avaient déjà remarqué. Oubliez cet aspect-ci, si la satire sociale et politique vous fait fuir, car le film en lui-même est d’abord et avant tout fait pour vous faire rire. Dans mon cas il y parvint formidablement.

1 Comment

Filed under Action, Comedy, Policier

The American

In a nutshell: Clooney plays a professionnal killer on the run. He wants to retire. He slowly builds a gun in a beautiful Italian village, he also falls in love with a gorgeous prostitute. He does know he is somehow already dead, so is the movie.

Pendant que Miss J. prenait un temps de repos cinématographique et devenait Dr. J., me revenait la lourde tâche de poursuivre ce blog. C’est donc fier et volontaire que je partis voir avec une amie fan du beau George Clooney, ce qui promettait d’être un thriller classique et brillant, à l’image léchée teintée de mélancolie. Le résultat n’en est pas loin, si ce n’est qu’il ne s’agit en rien d’un thriller tant l’ensemble du scénario amoncelle clichés et coups de théâtre téléphonés le tout accompagné de choix musicaux surlignant à gros traits ce qui se passe à l’écran. Notons par exemple Tu vuo fa l’Americano alors que George, tueur à gages en cavale, en commande un dans un café et tente de passer inaperçu, ou La Bambola (la poupée) de Patty Pravo quand il fait la connaissance et rencontre bibliquement pour la première fois la ravissante prostituée, interprétée par Violante Placido. La photographie reste néanmoins magnifique, et les Abbruzzes offrent des paysages sublimes et rudes. La caméra esthétisante, parfois légèrement putassière, s’attarde sur les gestes et les ambiances, plutôt que les dialogues ou l’action, mais là où Leone, dont le magnifique “Il était une fois dans l’Ouest” est cité, réussit à faire naître violence et tension en une posture ou un regard, Corbijn ne crée qu’un joli tableau.

George C. à la recherche d'une tension quelconque dans The American

On peut aisément imaginer un parallèle entre ce film et le plus beau des Westerns spaghetti. La vengeance contre un tueur à sang froid (Henri Fonda) menée par Harmonica (Charles Bronson), ombre grinçante, correspond à l’esprit du personnage car le tueur que joue M. Clooney ne paraît pas pouvoir se pardonner le meurtre de sang froid de sa compagne, prélude à cette histoire italienne. Il s’agit ensuite d’une recherche de justice et de rédemption, M. Corbijn tentant de faire résonner les doutes de son héros et ses souhaits de construire et compter dans la vie de quelques uns avec les itinéraires d’un vieux et sage prêtre (Paolo Bonacelli) qui aurait pêché, et d’une jeune prostituée (Placido) qui cherche la vérité des sentiments. Le résultat est certes dépouillé, mais la routine du professionnel qu’est ce tueur n’atteint jamais l’efficacité sobre d’un Melville, ou le souffle mystique d’un Antonioni. The American ne réussit jamais à transformer la passivité mortuaire de ce tueur caché dans un modeste village en un rituel inspiré. Le film ne dépasse en conséquence jamais l’exercice de style, esthétiquement plaisant, mais peu passionnant. On est heureux de voir George Clooney bricoler, Placido se dévêtir ou Reuten changer de couleur de cheveux, mais l’attention quoique bienveillante n’est jamais plus que flottante.

Leave a comment

Filed under Drama, Thriller

Guest critique n°9: We want sex (Made in Dagenham)

We want sex (sur nos écrans en mars prochain), derrière tant de promesses de stupre, bien peu de luxure, mais un film féministe narrant la lutte des ouvrières de l’usine Ford à Dagenham, pour une égalité de salaire. Le dernier film que nous avons vu à Dinard a reçu tous les prix, le Grand Prix (Hitchcock d’or) ex-aequo avec le touchant Treacle Jr., mais aussi le Prix du Public (Hitchcock d’argent) et le Prix du meilleur scénario. Autant dire que Nigel Cole, le réalisateur, et toute son équipe sont repartis ravis, rassasiés, triomphants des plages bretonnes. De fait, leur film est agréable et amusant et Miss J. et moi-même l’avons bien apprécié. Quelle ne fut pas notre surprise de découvrir qu’une de nos amies, la charmante et victorienne Dr. K. l’avait également vu, lors d’une avant-première britannique. Elle nous conte dans le détail ce qu’elle en a pensé, nos critiques suivront :

Since The Full Monty (which this reviewer enjoyed at the time, but would not now be desperate to see ever again), a genre of British film has arisen which might be loosely termed the ‘working-class*-underdogs-led-by-charismatic-and-driven-photogenic**-main-underdog-take-on-the-establishment-and-win!-while-learning-something-important-and-heartwarming-about-Family-and/or-Friendship’ movie. In this context, a reviewer with a distaste for the sentimental might be forgiven for approaching Made in Dagenham with caution. However, shortly before Monsieur D. and Dr. J. (Dr.!!!: Congratulations!) attended the screening at the Dinard festival, I was lucky enough to be given tickets to a preview in Nottingham, followed by a question-and-answer session with Billy Ivory. I am quite cheap, so was obviously won over immediately by the prospect of a free trip to the cinema, and therefore entered the screening with every expectation of enjoyment.

Made in Dagenham, written by Billy Ivory and directed by Nigel Cole, is based on the real-life story of the group of women machine operators at Ford’s Dagenham plant who went on strike for three weeks in 1968, initially in protest at sexism in their job grading (women making seat covers were classified as unskilled workers while men doing the same job were semi-skilled), and subsequently for equal pay. The women were eventually awarded 92% of the men’s rate, though, irritatingly for them, they did not receive the contested semi-skilled status until 16 years later. The strike is also credited with leading to the 1970 Equal Pay Act, which made it illegal to offer more favourable pay and conditions to men for the same work as women. The film focuses on the fictionalised unofficial ‘leader’ of the women, Rita (Sally Hawkins), following her through various obstacles (male hostility, family tensions, obstructive trade union officials, wavering solidarity) to eventual success at a meeting with the employment secretary.

All these girls have gorgeous bicycles ...

 

We are, of course, in the land of British heartwarming comedy, so naturally the strikers tend to be on the whole younger and more attractive than their real-life counterparts. The photogenic-main-underdog character Rita is only loosely based on the real ringleader, who by all accounts was rather less delicate and pretty and quite a bit scarier. But one doesn’t really expect total verisimilitude in this type of film, and on the whole it seems preferable for reasons both of ethics and of plot structure to invent fictional composites for main characters rather than producing airbrushed biographies of real people. This doesn’t apply to less central characters, however, and Miranda Richardson’s Barbara Castle is marvellously reminiscent of her Elizabeth I in Blackadder.

In the post-film Q&A when the screenwriter mentioned that the working title had been ‘We Want Sex’ – perhaps designed to place the film firmly in the vaguely-raunchy-yet-family-friendly Full Monty category – I remember thinking it would have been a pretty stupid title and that they had come to their senses in time. Evidently in France they hadn’t, though admittedly Dagenham might not have the same resonance to a French audience, and We Want Sex is certainly eyecatching, albeit somewhat misleading. The film is not really very sexy, apart from some quite impressive hotpants. And some spectacularly beautiful bicycles. Actually, the publicity still in which the ‘-ual Equality’ is missing from the women’s banners is drawn from one of those real-life comic moments that might be funnier for not being rammed down the audience’s throats. And in fact what I think makes Made in Dagenham so successful is its lightness of touch: although the central underdog—cause—obstacles—solidarity—success! storyline is of course kept very much in the foreground, the film manages to touch on various other points without feeling the need to make them too obvious.

Running towards subtlety

This is mainly achieved by focusing on the ‘comedy’ element of the genre rather more than the ‘heartwarming’ part. A scene in which Bob Hoskins’s shop steward convinces Rita to take on the role of spokeswoman for the machinists (the obligatory ‘only you can do it!’ scene) threatened to become mawkish, but his heartrending tale of his single mother’s attempt to support the family on a woman’s salary was kept mercifully brief. The interview with Ivory also revealed the changes made to the script which had saved it from sentimentality: in one cut a (genuinely quite moving) subplot involving an older machinist and her shell-shocked husband was foregrounded to a much greater extent, but this was later toned down in favour of a lighter comic tone. Ivory was disappointed by this but in my view a pastel-coloured, glossy comedy ostensibly about something else, and especially one entitled We Want Sex, does not seem quite the right forum for dealing with post-traumatic stress disorder in an adequate way, and could only have been horribly sentimental.

The most successful element of the film for me was the comic treatment of casual sexism in everyday life, which was both funny and subtle: sexist assumptions by various characters were exposed in a gently humorous way without needing to be pointed out. At one point I suspected that the factory director’s über-patronising manner towards his Cambridge-educated wife (Rosamund Pike) might be verging on caricature, but my companion, who was active in the women’s liberation movement at the time, afterwards confirmed that even the most exaggerated-seeming sexist behaviour was really pretty common, while the more minor sexist assumptions simply seemed more plausible to me because they still occur with enough frequency to appear ‘normal’. In our case the film was clearly preaching to the choir, but what was impressive was the way that it consistently poked fun at sexism in a gentle enough way not to alienate the portion of its audience who might not previously have thought much about sexual politics.

An über-patronised Pike

I also quite liked the treatment of class. British films traditionally tend to portray working-class characters either in a gritty, incredibly grim ‘realist’ style – preferably in black and white to underline the relentless, grinding misery -, or in an overly cosy, idealised style which is even more patronising. Made in Dagenham tends towards the latter category, but, again, doesn’t overdo it: the working-class characters are the central focus, so they are more three-dimensional than the cartoonish bosses and politicians, and they largely seem to be getting on with normal, happy, three-dimensional lives. That is, of course, when they are not making history at trade union meetings or demanding sex outside the Houses of Parliament.

Ultimately, I thought, Made in Dagenham achieves a sensible balance between the demands of the genre and genuinely funny comedy. And perhaps most importantly, while the idea of films with a ‘message’ makes me a little bit sick in my mouth, it is surely an important story. Given that 50% of my undergraduate class once admitted to not knowing what a picket line was, and that I (a feminist and trade union member) hadn’t really been aware myself of the women machinists’ strike, it seems worthy of attention, and why not in the form of a popular film? We all know that women still don’t get paid the same as men, but what seems obvious to most people now which didn’t then (not that long ago!) was the principle that they should.

The original workers happy to be in the first franglais review critique with asterisks!

*the Underdog, if female, does not necessarily need to be working class, but in that case it seems important to have at least one character with a regional accent, but preferably not strong enough to need subtitles for a US audience, to add a certain heartwarming appeal.

**by way of example, consider Ewan McGregor in Brassed Off, the 1996 tale of a group of newly-redundant miners fighting to save their colliery band. It is a well-known fact that, in Britain, unofficial leaders of impromptu movements are always chosen for being better-looking than their peers.

In a nutshell: 1968 was the year for demonstrations and social unrest. In Dagenham, the female workers of the Ford factory want sex equality! Sally Hawkins with the help of her coworkers and Bob Hoskins are leading the feminist fight! The movie makes it more fun than what it probably was. A good and smiling reminder that women’s rights are recent and more fragile than some might think.

Comme l’affiche ci-contre ne le montre pas, le titre français (et international) du dernier film de Nigel Cole est We want sex, puisque Dagenham n’évoque rien, mais alors rien du tout, à un public qui ne serait pas anglais. Et admettons-le, il est plus attirant d’aller voir un film qui vous propose des désirs érotiques, plutôt qu’une balade à Boulogne Billancourt, même pour un amateur de Renault. Ceux qui se seront laissés racoler par ce titre audacieux n’en auront pas pour leur argent mais ressortiront sans doute et malgré tout satisfaits de leur séance. Le film est charmant, entraînant, bien rythmé et l’on est heureux de voir triompher les courageuses ouvrières de Ford dans leur combat pour une égalité de traitement et de salaire.

Notons que le titre  choisi pour les marchés internationaux n’est pas totalement injustifié, puisque apparemment l’anecdote reprise dans le film est historique et prouvée. Les ouvrières de la plus grande usine automobile du Royaume Uni, révoltée que pour un travail équivalent on ne les paient pas autant que leur collègues masculins, après avoir essayées en vain de négocier avec leur hiérarchie, commencent la première grève féminine (et féministe) au monde et bientôt sont suivies par toutes les ouvrières d’Angleterre. Alors qu’elles se préparent à manifester à Londres pour mobiliser le gouvernement et leurs concitoyens, elles déploient insuffisamment une grande banderole exigeant l’égalité entre les sexes … ce n’est qu’après quelques minutes et les commentaires hilares des badauds que les manifestantes comprennent qu’il manque “equality” à leur formidable “We want sex“.

Plus de justesse dans le slogan, moins de soutien chez le chaland

Méprisées par leur direction, ignorées par les syndicats, peu comprises par leurs maris et leurs collègues masculins, ces femmes n’avaient que peu d’espoirs dans leur lutte et il est impressionnant de voir à quel point leur intelligence, leur constance et leur capacité à être solidaire leur permet de déplacer des montagnes. Si le film esquisse les difficultés personnelles et professionnelles de ces courageuses ouvrières, le ton reste badin et la volonté de M. Cole est bien plus nettement de fournir au plus grand nombre un honorable divertissement que de coller à une réalité sociale. On reconnait la patte lisse et ronde du réalisateur de Calendar Girls ou Saving Grace, et ses choix esthétiques et narratifs le rapprochent plus d’Hollywood que de Ken Loach. Et c’est là que chacun décidera ce qu’il préfère, je dois admettre apprécier le désir de parler au plus grand nombre mais je regrette que l’ensemble soit si “propre”, si attendu et si les héroïnes sont attachantes, elles n’en restent pas moins assez stéréotypées.

Sally Hawkins devient la spécialiste des rôles de femmes issues de la classe ouvrière (Happy-Go-Lucky, Happy Ever Afters, An Education …) et si elle ne démérite pas dans ce film, j’en viens à me demander ce que les cinéastes britanniques lui trouvent. Son personnage, Rita O’Grady, comprend ce mélange d’enthousiasme presque naïf de l’héroïne de Mike Leigh et la capacité d’indignation qui nourrit toute bonne comédie sociale retraçant le combat de certains pour leurs droits. La tentation du mélodrame à laquelle ne succombe que très peu le réalisateur et son scénariste, Billy Ivory, est ainsi modérée par la bonne humeur batailleuse de Rita, qui trouve plus souvent qu’à son tour les mots justes pour convaincre ses camarades hésitantes ou réduire à néant les plaintes de plus en plus vocales des hommes l’entourant, dont son gentil mari (Daniel Mays). Et si l’histoire suit avec le plus d’humour possible les pas de la volontaire Mrs O’Grady, elle n’hésite pas à s’arrêter pour remarquer çà et là le très imposant machisme de la société anglaise, parfois avec subtilité comme dans les discussions entre ouvrières au début du film, le plus souvent avec une lourdeur bonhomme, notamment avec l’une des histoires parallèles, celle de la compétente femme de l’un des directeurs de l’usine, Rosamund Pike, réduite malgré ses évidentes qualités intellectuelles à n’être en dépit de ses souhaits qu’une femme au foyer.

Jamie Winstone : le stéréotype du fantasme marxiste?

Même si c’est le plus probable, j’ignore si le plus grand nombre considérera We want sex comme un film militant, ou même franchement féministe, car le point de vue de Messieurs Cole et Ivory porte bien plus sur le concept si britannique de “fairness” (équité, justice) que le droit des femmes, et c’est, selon eux, ce qui permettra aux ouvrières de convaincre le peuple anglais et le gouvernement de légiférer en leur faveur. La loi sera ratifiée en 1970 et le film affirme qu’elle donnera le coup d’envoi aux luttes pour l’égalité salariale dans le reste du monde, mes connaissances de l’histoire du droit des femmes sont lacunaires, mais je sais que la législation européenne comprend un article défendant l’égalité de salaire entre homme et femme depuis le Traité de Rome en 1957, je serais donc curieux de savoir l’influence de l’un sur le combat des autres, mais bien évidemment, il s’agit plus ici de ma propre pédanterie que d’un avis cinéphile.

Le petit paragraphe précédent pour souligner cependant que ma curiosité sur la cause féminine fut éveillée comme celle des spectateurs que j’ai pu entendre à la fin de notre ultime séance dinardaise. Le film n’apparait en conséquence ni agressif, ni particulièrement revendicatif, mais fait passer un message important auprès du plus grand nombre. Et cela, quelles que soient ses (modestes) faiblesses, est assez remarquable pour célébrer ce long métrage divertissant qui j’espère vous intéressera et vous amusera autant que nous. Ne reste plus qu’à espérer que d’autres films populaires mais à vocation politique fleuriront bientôt sur nos écrans, car je dois avouer que le manque d’entrain pour les affaires publiques de la majorité et la réflexion sur la gestion de nos sociétés réservée à une élite me désolent toujours un peu.

1 Comment

Filed under Comedy, Historique

Treacle Jr.

In a nutshell: Tom, a taciturn architect with a nice wife and a beautiful baby, leaves on a whim his perfect suburban life to sleep in the streets, he meets a very cheery and irritating childlike man, Aidan … friendship will eventually bloom out of this encounter and a very interesting and touching movie with it.

Le festival de Dinard a couronné deux films très différents de son Grand Prix et, si je dois admettre détester le fait que le jury n’ait pas eu le courage de faire un choix, je ne peux que me réjouir du lauréat en ce qui concerne Treacle Jr. de Jamie Thraves, qui croyait tant en son projet qu’il en a hypothéqué sa maison. Espérons que le film aura un distributeur afin qu’il puisse avoir une chance de rembourser son prêt et, qui sait, de tourner de nombreux autres films. Mais vu les choix draconiens que la Grande Bretagne tory a pris, je lui conseille de venir tourner le prochain en France, car désormais ça a l’air plus compliqué de trouver une livre pour la culture et le cinéma qu’un libéral démocrate respectant ses principes au gouvernement. En fait, tout le monde est dans une mélasse plutôt imposante, et, coup de bol, c’est le thème du film (et le nom d’un chaton), car treacle signifie mélasse et si elle n’est que “junior”, c’est en attendant. Tout est affaire de patience.

Ainsi, Tom (Tom Fisher), architecte quarantenaire et jeune père, décide un jour d’abandonner les siens et sa jolie résidence de banlieue pour vivre sur les trottoirs de Londres après s’être débarrassé de la quasi totalité de son portefeuille dans une poubelle accueillante. L’expérience est à la fois naturelle, douce et douloureuse et, tandis qu’il se retrouve brièvement à l’hôpital, il y rencontre Aidan (Aidan Gillen), homme-enfant enthousiaste, généreux, et tout aussi volubile et irritant qu’il peut être taciturne et réservé. Ce couple amical mal accordé s’apprivoisera mutuellement autour de la recherche d’un lit pour Tom, d’un emploi pour Aidan, ou d’un foyer pour un chaton, Treacle Jr.. La mélasse dans laquelle tous les personnages se trouvent est à la fois dense, collante mais également sucrée tant M. Thraves filme avec coeur et une tendre attention ses personnages.

Tom : C'est alors que j'ai demandé une avance sur recettes à David Cameron ...

La réalisation de cette chronique sociale dramatique est habilement menée car c’est avec finesse que le réalisateur nous introduit aux difficultés des plus pauvres et à la vie d’Aidan, au départ aussi énervant et pénible pour Tom que pour le spectateur. Et à l’instar de Tom, on s’agace puis on se prend de compassion et même de sympathie pour cet Irlandais orphelin, abusé par tous mais à l’optimisme de béton. Exploité émotionnellement, financièrement et physiquement depuis son abandon à la naissance dans un orphelinat jusqu’à Linda, sa brutale et rusée “compagne” et colocataire aussi belle qu’antipathique (Riann Steele), Aidan réussit à trouver légèreté et raisons de sourire en dépit d’un quotidien âpre. Avec la même facilité, Jamie Thraves évite  les lourdeurs et le misérabilisme et, se servant de son budget modeste, il construit sur des images simples et une photographie aux lumières naturelles, un film juste, au plus près de ses personnages. Il brosse ainsi le portrait émouvant et souvent drôle de deux hommes ballotés par la vie et illustre l’Angleterre des plus pauvres sans didactisme moralisant.

Miss J. et moi-même sommes donc ressortis conquis d’un très joli film, bien écrit et remarquablement joué puisque les interprétations inspirées des deux acteurs principaux M. Fisher et M. Gillen nous accompagnent toujours. Je n’aurai que deux critiques réellement négatives, aucune bande annonce n’existe, je ne peux en conséquence que vous laisser avec une photo du fameux Treacle Jr. et le film n’a pour le moment aucune sortie officielle programmée, ce qui fait réfléchir aux arguments défendus par Will Self sur la mort du cinéma. Souhaitons que tout comme le chaton, ce film trouvera une famille aimante.

 

En résumé: Le ‘Hitchcock d’Or’ du festival du film britannique de Dinard, Treacle Jr., raconte l’histoire d’un homme qui décide de disparaître, mais qui n’y arrive pas, tant un Irlandais enthousiaste qu’il croise par hasard ne le quitte plus. Et c’est si bien fait que l’histoire ne nous quitte plus non plus.

Director Jamie Thraves’ Treacle Jr is the joint winner of the 2010 Dinard British film festival ‘Hitchcock d’Or’ (Golden Hitchcock) – an unusual turn of events, the tradition being to award just, er, one film. If I had to choose between the two winners though, it would be Treacle Jr. hands down. No offense to Made in Dagenham, that said. But in terms of its script, pacing, impact, you name it, Treacle Jr. is exceptional, particularly for a completely independent production. It’s not yet been distributed: it really should be. It opens with architect Tom (Tom Fisher) kissing his wife and young child goodbye in their ‘suburban comfort’ house prior to heading by train for London, seemingly off to work. Wandering the city, he flings his phone into a park pond and dumps his wallet into a waste bin. London swallows him up into anonymity. But a pack of teens charge at him from across the park after dark, and in a panic he collides into a tree of some stature, knocked out for the night. He finds his way to A&E the next morning, where he is spotted by a similarly bashed-up Aidan (Aidan Gillen, who was in The Wire, apparently), for whom Tom is a case of friendship at first sight.  

Ouch

Tom was probably looking to seek a black sort of zen by spending nights alone on the pavement, rather than ending up showered with blind, yapping affection by a guy covered in badges, overgrown boy scout style. We never know why Tom reached this breaking point, but his portrayal excellently conveys the anguish of someone coming to feel he needs to break off from everything he once believed he was. Small but powerful gestures are all that are used to make the point. Tom orders a full English breakfast at one point, stares at it and then slowly mushes it in his fist. Whilst he presumably had few precise plans about how he would melt away from his own life, he doubtless never banked on spontaneous adoption by an exuberant, early-orphaned man-child. Aidan has a flawless knack of reframing the most miserable of treatment from others into a blind belief in their goodness. This jolts Tom out of himself a bit with the glaring truth of just how desperate much of Aidan’s treatment from others is. He sees this the most when he visits the flat Aidan shares with his ‘girlfriend’ Linda (Riann Steele), who despises and uses him, acting towards Aidan in much the same way he knows her to have endured from others.

The three central actors play off each other really well in the film, tragi-comic sparks flying. Quality performances and an excellent script make Treacle Jr.one of the most memorable and interesting films I’ve seen for a good while. Its characters are good as on fire, there is an energy on the screen that leaves a knot in your stomach, an engaging sincerity that is neither overdone nor leadened over by any sort of hipster-esque apathy. This is what independent film in the UK is capable of doing, and what it should be doing. It can be proud of this kind of talent and I hope it will reflect this in its support of UK cinema in all its diversity (dropping the UK film council does not qualify as such, incidentally). For director Thraves and producer Rob Small, I’m glad Dinard has given it a massively deserved boost of visibility.

1 Comment

Filed under Drama

Exit through the gift shop (Faites le mur!)

In a nutshell: Banksy is directing his first movie. It is a very well crafted mockumentary on the silliness of contemporary artists and buyers of art, of the awful influence of fame and money in the creative process, of the lost battle fought by street artists, himself included since street art systematically ends up being swallowed and digested by official art. Sad? No, extremely entertaining, intellectually stimulating, in one word invigorating.

Le 15 décembre, quelques affiches vous engageront à faire le mur, ou pour les plus anglophones d’entre vous à sortir par la boutique-souvenirs, n’hésitez pas et suivez ce conseil. L’artiste de Bristol, le très talentueux Banksy, est sur le pied de guerre et vous propose un film qu’il tentera de faire passer pour un documentaire. Tout comme le graffiti hésite entre témoignage éphémère et art, ce film correspond aux deux catégories, les dépassant et restant en deçà. C’est de loin l’oeuvre la plus drôle et la plus stimulante intellectuellement que nous avons pu voir, Miss J. et moi, dans les salles dinardaises.

Banksy est un mystère et un pseudonyme. L’homme (certains disent que derrière ce nom se cache une communauté d’artistes) est supposé être né en 1973 ou 1974 dans le sud-ouest de l’Angleterre. Inspiré par le pochoiriste Blek le rat et les mouvements anarchistes punks, Banksy, depuis presque vingt ans, par ses graffitis, ses installations et ses pochoirs,  fait rire et réagir. Son film, fidèle à son ironie anti-consumériste et anti-système, s’attaque avec mordant à ce que sont l’art et l’artiste “officiel” par la création d’une sorte d’alter ego sans peur, ayant une caméra à la place du cerveau, le filmeur français Thierry Guetta.

Thierry Guetta : Artiste? Filmeur? ou simple pochoir?

Guetta (hommage aux talents musicaux du DJ?) souhaite initialement faire un documentaire sur l’art de rue et Banksy, tout commence donc comme l’histoire habilement menée d’un mouvement artistique né dans les rues françaises, anglaises et états-uniennes. La présentation est classique et rythmée et l’on fait connaissance avec quelques uns des artistes de rue les plus notables de Space Invader dont les petits extra-terrestres en mosaïque peuvent toujours être admirés dans les rues de Paris, à Shepard Fairey, créateur du poster Hope, que tous les fans d’Obama auront en mémoire. Mais le film s’emballe quant Thierry rencontre son idole, l’as du détournement qu’est Banksy, et tandis que le Bristolien piratera ce projet de documentaire, le Français se transformera pour l’édification de tous.

Banksy ou passer le marché de l'art au kärcher?

Extrêmement convaincante, cette installation ambitieuse dépasse le cadre de la fiction puisque les réalisations de Guetta auront un impact sur le monde réel. Il est complexe, à la fin du film, de savoir séparer le vrai du faux, le bon grain de l’ivraie, et c’est ce que souhaite le cinéaste. On retrouve sa patte caustique et son “documentaire” rappelle son opération Paris Hilton en 2006. 500 disques du premier album de la demoiselle furent remplacés par des variations de l’artiste tant sur la couverture que sur les chansons. Paris interprète, à sa surprise et celle de ses producteurs, des titres tels Pourquoi suis-je célèbre?A quoi puis-je bien servir? ou encore Qu’ai-je réalisé?. Toujours à la frontière de la légalité, certains considèrent le graffeur comme un vandale, Banksy ne s’épargne pas et n’hésite pas à faire ressortir les paradoxes et les contradictions de ses activités. Toujours avec humour, toujours avec brio.

Je conseille en conséquence à tous ceux qui aiment réfléchir à l’art contemporain et à son marché, à tous ceux qui aiment découvrir de nouveaux artistes et nouveaux modes d’expression, à tous ceux qui aiment se rebeller de manière constructive, enfin à tous ceux qui ont juste envie de passer un moment agréable et très divertissant au cinéma de se précipiter. Banksy répondra à leurs attentes avec talent et efficacité.

1 Comment

Filed under Comedy, Documentary