Monthly Archives: January 2011

The Green Hornet

In a nutshell: Will you wish that you had a fly swatter every time Seth Rogen opens his mouth? Indeed! Ponder why on earth it is in 3D? Quite! But will you feel the smooth sting of Gondry in the Green Hornet? Definitely!

Michel Gondry s’attache avec bonheur à revisiter le genre qu’est le film de superhéros. Engagé par le scénariste et acteur principal du film Seth Rogen, le réalisateur français insuffle à la formule classique et plutôt bon enfant des films à héros en costumes dans un monde contemporain brutal son originalité ludique de bidouilleur farfelu que les amateurs avaient pu apprécier dans Eternal Sunshine of the Spotless Mind ou Be Kind and Rewind, et qui firent de lui l’un des talents les plus disputés d’Hollywood.

Ainsi le véritable héros du Green Hornet n’est pas tant le Frelon Vert/Brit Reid (Seth Rogen), jeune millionnaire orphelin, fat, intellectuellement limité et égocentrique, que Kato (Jay Chou), son loyal et redoutable employé, as du kung fu  de la bricole et, dans une moindre mesure, Lenore Case (Cameron Diaz), secrétaire surdiplômée, véritable cerveau des opérations. Ce trio de choc est alors propulsé dans des aventures auxquelles ils ne sont que peu préparés en se heurtant initialement par jeu au chef des mafias de Los Angeles, le naïf et terrifiant Chudnofsky (Christoph Waltz étincelant).

Gondry fourmille à son habitude d’idées, de maîtrise technique (jusqu’à séparer son écran en huit) et propose de très jolies scènes: notons une voiture (un coupé?) dans un ascenseur,  la maestria de Kato faisant face pour la première fois à une bande de délinquants, ou encore la présentation de Chudnofsky, attentif aux conseils d’un jeune gangster insolent (James Franco superbe), à la fois effrayante et drôle. Le savoir-faire est évident et le résultat est rythmé et léger malgré çà et là quelques longueurs ou absurdités.

Cirer sa carosserie, méthode Kato/Gondry

On ne peut évidemment pas faire le procès d’un manque de réalisme à un film qui décrit un univers grotesque, mais, par exemple, la dispute à coups de poings de Reid et Kato, s’achevant par la victoire surprise de Reid, laissera incrédule, le reste du film montre bien que si Kato veut que vous restiez à terre, cela arrive instantanément. Ces brefs moments empêchent la mayonnaise de prendre vraiment et de pleinement se laisser emporter par le tempo du film. L’usage de la 3D est une autre faiblesse, tant les lunettes assombrissent et diminuent l’écran, et à l’exception d’Avatar aucun film ne convainc, on assiste plus à une sorte de théâtre de marionnettes qu’un effet accentué de troisième dimension.

Enfin, le personnage principal, le fameux Frelon Vert, est si confit d’ignorance et de bêtise que jamais il n’évolue ou ne réfléchit, ce qui le rend insupportable et donne envie que le charismatique Chudnofsky lui ferme définitivement son clapet. On peut comprendre l’influence de la Panthère Rose sur les références revendiquées de ce film mais l’inspecteur Clouseau a des charmes et une innocence que Brit Reid n’a pas.

On s’amuse néanmoins des maladresses de ce grand crétin, du charme mutin de Diaz, de la modestie létale de Kato et des cabotinages géniaux de Waltz, à qui j’espère on confiera d’autres rôles qu’uniquement ceux de méchants caricaturaux, tant son talent le mérite. Cette ode aux seconds couteaux devrait donc vous faire passer un bon moment, même si je vous conseille d’essayer de la trouver en 2 plutôt qu’en 3D.

En résumé : Un film d’action comique en 3D de Michel Gondry sur la volonté de devenir des super-héros, qui ne manque pas d’humour, mais qui semble en panne de profondeur.

I’ve been a fan of director Michel Gondry ever since being blown away by Eternal Sunshine of the Spotless Mind. Since Avatar, I’ve also been a willing partaker in 3D film showings, even if some cinemas delight in charging an extra 3 euros for the privilege. Sadly however, the combination of 3D and Gondry’s latest, The Green Hornet, did not bring forth the cinematic fireworks I had been hoping for, although it wasn’t by any means a pile of old rubbish either. Something is increasingly starting to trouble me about 3D – it’s general insipidity compared to what it should be capable of in terms of playing with, well, the three dimensional side of things. While James Cameron’s Avatar genuinely was quite splendid, ever since, with the possible exception of How to Train Your Dragon, every single 3D film I’ve watched has been a let down at best in the visuals department. It has the side effect of darkening the screen, and making it appear much smaller than it actually is. There is often a pop-up book impression, where the characters slide about flatly on gently receding planes, yet appearing to have no depth themselves. Almost nothing comes right out towards your face as it full well could, but instead loiters shyly at a distance. All that in exchange for a nasty encroaching behind-the-eyes migrainey sensation from the glasses that you’re supposed to be able to wear over normal glasses, but just try doing that without them clamping down on your nose like some kind of over-zealous clothes peg.

3D glasses: feeling the pinch

So, The Green Hornet was a let down in the 3D department, adding to the high-adrenaline side of things a little, but without playing on its capacities or particularly stretching it. The more time passes, the more Avatar is starting to feel like a flash in the pan and quite possibly a masterpiece in 3D, rather than representing its basic starting blocks, which I’d assumed it was at the time. Meanwhile, the mood set by The Green Hornet is resolutely silly. It’s determined to ham up everything using 3D for a piece of work that glorifies surfaces, special effects flying, revelling in the exuberance of it all, giving in to the spectacular and rolling around in it, whooping with delight before zooming off for another piece of Excellence. Bill and Ted style. On this level, it’s pretty successful. There’s lots of bodacious humour, with a meat head in the form of Britt Reid (Seth Rogen), as an occasionally endearing but mostly highly annoying and stupid media heir. Jay Chou is his intelligent and almost supernaturally gifted, but demeaned sidekick, and together they set out to be superheroes, taking on Los Angeles crime barons. Cameron Diaz meanwhile plays Lenore Case, a brilliant criminologist stuck in the role of a secretary and the butt of Britt’s crass attentions.

Action and thrills and a 1930s radio show

The story itself is a derivative of a 1930s radio show, and it has the polished smoothness and knowingness to its hamminess that suggests confidence in a noble lineage that doesn’t feel the need to prove itself plot-wise. The gangsters are the most enjoyable elements, in particular the boss of the LA mafia as he goes through what looks like a mid-life crisis. It’s all slick stuff, perpetually frantically paced and what with the 3D whizzing and zooming, there’s little time to get bored. But the final result is somehow shallow, as if you’ve been leafing through a few comic books without any time to really get stuck into any of the storylines or to linger over the images. Ironically for a film experimenting in 3D, depth is what’s lacking the most, and what sets it up so unfavourably for comparison with Eternal Sunshine of the Spotless Mind, which was visually even more inventive, but towering above this in terms of ideas and substance.

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The Blob

In a nutshell: Winter can be cold and hibernation, or just staying on your couch eating homemade cookies, is tempting … the perfect movie to watch in such cases, according to Mlle L., is The Blob. It stars Steve McQueen, “a cast of exciting young people”, and it might refrain you from finishing the cookies.

En résumé : Mlle L. pense à vos soirées gourmet, que mettre dans vos verrines? Une mousse d’asperge verte. Et sur vos écrans? Un blob rouge et gélatineux. En dessert Steve McQueen et une critique écolo-sociologique par ici, bon appétit

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La Momie aztèque contre le robot

In a nutshell: A horror movie from the late fifties and Mexico? You know how to talk to Mlle L. Now if you add to it a robot and a mummy, it’s … it’s like a dream, maybe a bad one, you’ll be the judge of that.

En résumé : Mlle L. ne pouvait manquer l’année du Mexique en France. Pour souligner son soutien à cette amitié bilatérale mêlée de respect, elle nous propose le troisième volet des momies aztèques des productions Salazar (le charnu hispanophone pas le dictateur lusophone). Rassemblez vos bandelettes et serrez vos écrous et allez à la découverte de La Momie Aztèque contre le Robot!

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Super Inframan

In a nutshell: Mlle L. strikes again in the land of the 3 buck DVD, this time it might be fatal, Super Inframan can’t be THIS expensive. Although … how much would you pay for your own spinach monster or your favourite giant plastic crab louse? 3 buck? Well, here you go!

En résumé : Pas de bâton, juste des carottes (enfin des navets) dans les réjouissantes découvertes de Mlle L. Cette fois-ci elle s’aventure en terre hong-kongaise et démontre que les superhéros peuvent apprécier les oximores (super et infra, il est trop fort ce “man“). Si vous avez l’oeil vous pourrez même surprendre Bruce Le, l’un des nombreux acteurs qui profitèrent de la mort du Petit Dragon pour lancer leur carrière dans cette réponse chinoise au sentaï japonais.

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Another Year

En résumé: tout ce qu’il faut savoir, c’est que ce film sur la “grisitude” de la vie ne vaut pas l’effort, et est carrément dangereux si vous avez déjà la mine grise.

This weekend, UGC put on a bit of a retrospective of the best films of 2010. I was excited about the chance to watch Tamara Drewe at last  – I’d even got around to reading Posy Simmond’s original – excellent – graphic novel version the week previously. But Tamara Drewe had already sold out. I missed getting in by about three seconds: the final seats had been counting down, the ticket machine had a really long hard think about my request, and then said nah. Ca ne va pas être possible. After battling the weekend crowds at Les Halles I wasn’t about to calmly go home movie-less so I cast around for an alternative, wielding my subscription card in the ticket machine’s general direction. It turned out that Mike Leigh’s latest, Another Year, still had space and had begun, ooh, two minutes previously. In I hastily traipsed to the stiflingly packed cinema, flumped down into a rare free seat, hoping not to have missed too much of the action. From the outset it was stomach-sinking stuff. A greyish woman was piercing the screen with her glare, needling her therapist about how she wasn’t depressed, she just didn’t enjoy anything, or sleep, or feel pleasure any more, ever. A kind, doe-eyed lady gazed back compassionately at her, her soft blue eyes a glaze of patience and resignation. The pacing? Think zimmer frame.

A man shaped zimmer frame?

I’m a bit bemused at the generous critical acclaim that has been showered on this film from various quarters. Is it for its piercingly profound insights on just how grey and awful life can be sometimes, peppered with the odd bit of light relief in the form of someone slightly more balanced and sunny than everyone else? Is it because there are still allotments to garden, when all else fails? Is it because absolutely no one in this film looks attractive, and that this is a bold statement flying in the face of the hideous soulless plasticity of our cosmetic surgery-infused screen culture nowadays? Is it because it is soberly structured into four equal parts by the passing of the seasons, none of whose natural light is any kinder on the care-worn faces of the characters? Is it because there is a gritty shot of a rain-drenched train hurtling through a concrete wasteland into the urban misery of London from the North? Presumably. All I can say is that it was grindingly dull and that it ended so abruptly it felt as though someone had forgotten the final reel of the film. You can pull that kind of stunt if it’s A Serious Man, because the run-up has been so gripping and intense that you’re glad of the journey and vaguely exhilarated to have been dropped off a cliff at the end. None of that with this limp, grey, damp dishcloth of a motion picture. Luckily I got to see Tamara Drewe in a half-empty theatre a few days later, at La Défense, which is shinier than Les Halles.

 

A rebuttal: The excellent Monsieur F. has kindly joined us to put forward a much more enthusiastic review of this film: for him, it comes warmly recommended!

Comme dans ce film où alternent les saisons, voici quelques mois que j’avais promis une réponse à Miss J. La voici donc :

En 1993, dans Naked – un autre film de Mike Leigh que je ne saurais trop vous conseiller – une bonne âme demandait au « héros » du film ce qu’il faisait ici et lui de répondre en se déplaçant d’un pas : « Eh bien j’étais comme ça mais ça n’a pas vraiment avancé. Alors j’ai voulu essayer ici mais y’a pas d’avenir non plus. »

Le temps a passé depuis et Mike Leigh observe toujours sa fuite avec plus de tendresse et moins de nihilisme. Dans Another Year, on s’arrête, on stagne même comme la pluie dans les allées du petit jardin ouvrier que Tom et Gerri s’appliquent à cultiver tous les week-ends, une année après l’autre… Another Year, ce sera donc la vie d’un couple de presque retraités anglais pendant une année entière, un an où les saisons se succèdent, où la vie passe – une année durant laquelle, au fur et à mesure et sans que l’on ne s’en aperçoive, le spectateur est mis à distance. Cette distance est salutaire car elle interroge. Les saisons passent et se ressemblent mais pas tout à fait. Les personnages sont éminemment sympathiques mais pas tout à fait. Leur générosité, leur empathie pour les bosses et cabosses de leurs amis semblent inébranlables mais ne le sont pas vraiment. En fait, le temps passe et ne fait pas de cadeau.

All I need are cigarettes and alcohol ...

Tom et Gerri, couple uni, inséparables comme le chat et la souris du cartoon, accueillent la solitude d’une collègue de bureau, remettent en jambe l’inévitable copain de fac qui est depuis trop longtemps parti à la dérive, s’inquiètent pour un fils, hébergent un frère après la mort de sa femme. L’amitié, la solidarité, la vie, la mort … Le spectateur observe, scrute : la célibataire est pathétique, le copain de fac s’emprisonne dans un corps trop large pour lui et ses excès … Mike Leigh n’est pas plus sympathique que le temps qui passe. Il n’a pas de compassion pour ses personnages comme un Ken Loach auquel on l’a trop souvent comparé. S’il faut chercher une filiation c’est plutôt dans celle des Angry Young Men, cette vague de cinéastes anglais des années 1960 qui secoua quelque peu la vieillissante Albion par un constat froid et implacable sur la classe ouvrière, sur une certaine fatalité des situations. Dans Another Year, on s’est embourgeoisé, on a troqué les godillots pour les Wellington boots et les Converses mais le fond, le questionnement reste le même. Oui, la générosité a des limites. Non, on n’aime pas voir la faiblesse, l’obésité ou d’autres défaillances se pointer à une fête sous le soleil d’un dimanche après-midi en famille. C’est en cela que ce film est passionnant : un temps tenu à l’écart le spectateur est rattrapé, avalé tout cru par la caméra. Mike Leigh l’accuse ou tout du moins le confronte. On croyait tenir la distance mais non, tout nous rattrape et c’est nous qui, tour à tour, éprouvons de la compassion pour Mary, sourions aux blagues de Ken et aimerions être assis dans cette cabane dominant le petit jardin, sous la pluie, au coté de Tom et Gerri – un couple pas tout à fait formidable.

Allez voir ce film : il est drôle, pudique, sensible, pluvieux et ensoleillé. Les acteurs, pour la plupart des habitués de la « troupe » du cinéaste, sont épatants.


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Death Race 2000

In a nutshell: Leather, pink ties, fast cars and pretty girls, what else would you like David “kung fu” Carradine, Sylvester “Rocky” Stallone, and Fred “hey, one day I’ll be the congressman of Iowa” Grandy? – Sold. Go and find them all in Death Race 2000!

En résumé : Saviez-vous qu’en 1975 des terroristes français empêchaient les Etats-Uniens de s’écraser en paix? Aujourd’hui ils persévèrent au travers de Mlle L. et de ses phantasmes automobiles dans Death Race 2000vous ne lirez plus jamais une critique au volant.

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The Tourist

In a nutshell: Anthony Zimmer‘s remake misses the boat, Depp and Jolie sink but the Venitian canals remain very nice.

L’une des suprises des Golden Globes fut la nomination du Touriste, de Jolie et Depp dans les catégories prestigieuses de meilleur film, meilleure actrice et meilleur acteur dans une comédie, des rumeurs de corruption se mirent à circuler et le présentateur de la soirée, le facétieux Ricky Gervais en fit ses choux gras. On le comprend, sans être abominable ou terriblement raté, Le Touriste laisse à désirer.

Florian Henckel von Donnersmarck tout auréolé du succès de son excellente première réalisation, La Vie des Autres, répond à sa première commande hollywoodienne avec bien peu d’originalité. Il réussit à reprendre le film de Jérôme Salle, Anthony Zimmer, en ne ménageant pas les habiletés de l’original et sans en supprimer les faiblesses. Le résultat ressemble plus à une tranquille promenade dans les (sublimes) canaux vénitiens, qu’un haletant thriller romantique.

Venise et ses pigeons

Incapable de prendre pleinement la mesure du talent de ses interprètes, il transforme Angelina Jolie en poupée de porcelaine, froide Grace Kelly à la coiffure de Claudia Cardinale et au sourire figé, tandis que Johnny Depp, petit professeur de mathématiques dépassé et lunaire semble livré à lui-même et en oublie de créer la tension érotique nécessaire qui rendait Yvan Attal et Sophie Marceau électriques. Le réalisateur suit, plus qu’il ne dirige ses deux vedettes et ne réussit à faire vivre et respirer ses scènes que s’ils sont en dehors du cadre. Quelques instants à Scotland Yard, sur un quai de gare italien ou dans un avion mafieux rappellent l’esthète sensible qu’il peut être, mais la plus grande partie de son film fait plus penser à une promotion spéciale proposée par le Comité Régional du Tourisme en Vénétie.

On oublie assez vite la vacuité du scénario et la mollesse du montage pour espérer que le prochain film de Florian Henckel von Donnersmarck fasse ressurgir ses talents plutôt que ses carences et nous présente un film plus profond qu’uniquement cosmétique.

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Guest critique n°12: Somewhere

In a nutshell: We have a new contributor! This is exciting!! But Somewhere isn’t, what a shame …

Mlle Marie se joint à notre blog et ne cache pas sa déception devant la dernière oeuvre commise par Sofia Coppola, le somnolent Somewhere :

Envie d’un long moment d’apathie dans un fauteuil confortable? Allez voir Somewhere.

Envie d’un bon film, riche, dense, complexe? Allez voir “somewhere else”.

Somewhere de Sofia Coppola, ou comment décliner le mot “ennui” sur 1h38.
En voulant retranscrire le profond sentiment de solitude de Johnny Marco (joué par Stephen Dorff ) acteur hollywoodien paumé se retrouvant à s’occuper quelques jours de sa fille de 11 ans, Cleo (Elle Fanning), Sofia Coppola nous fait passer par une palette d’émotions allant de la déception à la fatigue, en passant par la monotonie, l’abattement, et surtout le désespoir (de ne pas voir l’aiguille de sa montre avancer assez vite).

Lors d’une scène où Johnny appelle son ex-femme pour lui dire qu’il ne sait pas quel est le sens de sa vie, Sofia réussit à rendre le spectateur particulièrement empathique : nous aussi cherchons le sens de notre présence dans cette salle de cinéma.

Somewhere ou la passion du Sudoku

J’ai le sentiment que Sofia Coppola se paraphrase de film en film. Entre des adolescentes suicidaires, le décalage d’une Scarlett Johansson à Tokyo, la fuite vaine de la réalité de Marie-Antoinette, et ces individus qui errent d’une chambre d’hôtel impersonnelle à une autre, Sofia Coppola serait-elle dépressive ? Ce fil rouge de la solitude de personnages en marge et déconnectés, qui est aussi notre lot à tous, commence à me lasser. La technique du plan fixe de deux minutes silencieux est ici sur-utilisée et cette fois-ci aucune bande-son (ou presque) ne participe à soutenir l’atmosphère du film, soit par son contraste comme dans Marie-Antoinette, soit par sa justesse comme dans Lost in Translation.

Déçue, je vous dis.

Je suis consternée de voir certains critiques, comme dans Télérama, se pâmer devant tant de rien. Alors quoi, maintenant une idée délayée pendant 2 heures – voire pendant quatre films – dans laquelle tout le monde se noie, suffit à faire rentrer dans la cour des grands cinéastes applaudis par tous ?

C’est le triomphe du vide, du conceptuel, et au final du néant puisqu’il n’y a rien à voir, qu’élaborent entre eux ces intellectuels qui se comprennent.

Contrairement au film, les personnages de Sofia Coppola ne manquent pourtant pas de consistance. Je me suis autant identifiée à Johnny qu’à Cleo, et comme eux, ma détresse était abyssale.

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La chance de ma vie

In a nutshell: The luck of your life is to have franglaisreview, and it tells you to go and watch another movie instead of this unfortunate lame duck. La Chance de ma Vie tries. Hard. But, dear Lord, does it fail.

Est-ce que cela vous est déjà arrivé? Cet instant où emporté par l’enthousiasme d’une soirée arrosée ou par la vivacité de la conversation, vous voyez le moment qui révèlera à tous l’être délicieusement spirituel que vous êtes, vous vous lancez et énoncez la plaisanterie si goûtue qui vous traversait l’esprit et l’effet est immédiat … flop. Et si vous cherchez à en expliquer l’effet, le silence n’en devient que plus pesant et la gêne durable.

La Chance de ma vie, réalisé par Nicolas Cuche est ainsi, on perçoit qu’il y a eu un jour, peut-être à l’écriture du scénario, peut-être même à la répétition, quelques idées humoristiques, mais leur fibre comique n’est plus. Ce ne sont que des cosses vides que Virginie Efira et François Xavier Demaison tente plus ou moins adroitement de faire passer pour des blagues. Et plus ils essaient, et plus on soufre pour eux.

Julien Monnier (Demaison) est conseiller conjugal, le meilleur (aaah!), mais il est maudit (oooh!),  toutes les femmes qui s’éprennent de lui le paient cher, subissant catastrophes sur catastrophes (aïe!). Joanna Sorini (Efira) va l’apprendre à ses dépends. L’amour sera-t-il plus fort que la poisse ? Je vous épargne le suspense – oui. Pourquoi? Est-ce que je vous en pose des questions?

Et dire qu'on était à "ça" d'être drôle ...

Soyons cash, Cuche rate le coche et prend son spectateur pour une quiche (c’est du niveau du film qui en tient une couche, au départ on pouvait penser que les allitérations seraient une bonne idée): les personnages sont creux, aucune alchimie n’existe entre Demaison et Efira, l’histoire hésite entre le niais et le téléphoné. Aucun des acteurs ne convainc vraiment à l’exception de Thomas N’Gijol qui peut faire sourire, si Efira et Armelle Deutsch font de leur mieux, Francis Perrin et Demaison donnent l’impression de tourner dans un autre film, plus tragique, et Elie Semoun poursuit sa dépression publique en se ridiculisant plus encore que dans ses publicités lourdingues pour une boisson gazeuse orangée. Les dialogues se veulent légers, rapides et brillants, ils sont desservis par des situations à la fois banales et grotesques. Pour ceux qui en doutaient, ce n’est pas évident de rendre crédible la rencontre de Harry et Sally ou, à l’instar de Tati ou Etaix, de transformer les événements du quotidien en occasions drolatiques.

Les ambitions sont là, mais le potentiel ne se réalise jamais. Pas de chance. Mais comme le veut la morale du film, la malchance d’aujourd’hui est peut-être la chance de demain. Vous avez donc la chance de tenter autre chose … une balade en vélo, un bon petit resto, un DVD rigolo? Pour ce dernier choix allez voir de ce côté 😉

En résumé: Un film comique d’épouvante. C’est un vrai horreur, et ne peut qu’être l’oeuvre d’un cerveau diabolique – en partenariat avec TF1.

Prior to the Arnacoeur, few would have had many great expectations of a French romcom (harsh but fair, I think). Wise people often actively avoided them. But since Romain Duris’ highly watchable Côte d’Azur Arnarcoeur capers with Vanessa Paradis, guards have been dropped. Promotional posters for Nicolas Cuche’s La Chance de sa vie have twanged on those hopes of a new wave of French romcoms like a harp, name-dropping L’Anarcoeur like crazy in the hope that some of the glory would stick. To be fair, it did stick enough to get us into the cinema. But not enough to prevent us from wishing it would all just stop from ten minutes in, wondering whether walking out might not be for the best, all whilst being grateful for the cheap ‘all you can watch’ cinema subscription that makes debacles like this rather less bitter to swallow. Moments like these are when I start silently repeating ‘it’s still going to be good for my French’ like a mantra and look out for words I didn’t think I knew. Word of the film? ‘La poisse’. Initially made me think of mushy peas, in fact means ‘rotten luck’. That felt kind of appropriate in the circumstances.

Sums it all up nicely

It’s hard not to succumb to a good old-fashioned tirade when it comes to everything that’s wrong with this film. First: the attempts at humour. Often this descended into the positively offensive, either of the audience’s intelligence or because it was as original as the incoherent ramblings a greasy provincial café drunkard. A design for a car based on a dildo? Hihihihi!!  Two male friends hugging and colleagues thinking they’re in a homosexual relationship? Titter! Second: the story line. A bloke (François Xavier Demaison) whose entire adult love life is cursed (or ‘poissed’) because of some stupid thing he once did that only comes over even more absurdly once you find out what it was. This leading to things dropping out of the sky onto his girlfriends and general slapstick puerility without even a nod of irony at how camp it all is. He meets a new, Really Special girl (Joanna Sorini) and quivers at the thought of all the holes in the pavement she’s set to trip over now they’ve got a thing going on.

The characters unblinkingly accept this premise of ‘la poisse’ throughout the film – cheap as chips lazy scriptwriting, that’s what it is, at least in the form they went for. I don’t care if it eventually leads to a scene with a dog leaping out a window and bouncing on a canvas rooftop like a trampoline whilst yelping pitifully – the fact that TF1 actually sponsored this drivel really shouldn’t surprise or bother me, but it was as solid and classy as a knockdown Conforama plywood cupboard. I suppose it would be good to point to some redeeming features of this drivel of an excuse for a comedy in the interests of fair play – but other than the fact that it makes you grateful for actual comedy with a modicum of originality and class to it – there are none. Can’t believe critics haven’t trounced it more than they have.

Demaison, depressed by his own movie, tries to subtly hint to the audience that if you want a good French movie, try "Des hommes et des Dieux"

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The Sound of Noise

In a nutshell: A very rythmic and original comedic thriller. It is Swedish, cool, efficient, rather sleek, and has solid bits of comedy, and no, it’s not Ikea, it’s better, it’s The Sound of Noise. What a blast!

Prenez un graphiste chic, attiré par l’épure (Johannes Stjarne Nilsson), et un musicien farfelu, fan de percussions et de sons nouveaux (Ola Simonsson), faîtes-les travailler ensemble et vous aurez une ribambelle de courts métrages séduisants et originaux. Il ne vous reste plus qu’à choisir l’un d’entre eux, Music for one appartment and six drummers (que vous trouverez ci après) par exemple, et développer à partir de là un beau film excentrique et gai.

The Sound of Noise débute par la recherche musicale et automobile de deux percussionnistes passionnés (Magnus Börjeson et Sanna Persson), interrompus par les agaçantes lois routières suédoises. Décidés à poursuivre le grand oeuvre de Magnus, une pièce citadine en quatre mouvements, ils s’adjoignent le concours de 4 autres percussionnistes timbrés et s’attaquent à la ville. Face à ce chaos mélodieux, un homme leur fait front, chef-inspecteur Amadeus Warnebring (Bengt Nilsson), qui allie à son prénom la malchance de naître dans une famille de musiciens prodiges, sans avoir ni talents musicaux particuliers, ni goût pour la chose musicale. En fait, Amadeus déteste la musique, il la honnit de toute son âme. Autant dire qu’il est l’homme de la situation.

De la dangerosité du métronome plastifié et de la cravate rayée

Les réalisateurs s’en donnent à coeur joie et emportent les spectateurs dans 102 minutes électriques et cocasses. Que ce soit dans le rassemblement de l’équipe de percussionnistes, qui rappellent les 7 mercenaires (Yul Brinner a un épigone capillaire suédois), la mise en place des attentats musicaux qui s’inspirent de l’énergie de Stomp, ou les relations tendues entre Amadeus et son frère, compositeur reconnu et chef d’orchestre génial, tout fonctionne avec tendresse et jubilation. Si l’attirance romantique entre l’inspecteur Warnebring et Sanna, la cheffe des musiciens, est un peu maladroite et l’enquête policière bien plus un argument qu’un but, l’inventivité, la drôlerie, l’anticonformisme du film réjouissent au plus haut point.

L’imagination est au pouvoir et seuls les plus allergiques au rythmes ne se dérideront pas devant ces aventures rocambolesques. Les acteurs sont tous absolument parfaits et on remarquera l’excellence de Bengt Nilsson qui réussit à nous faire compatir et aimer son personnage d’inspecteur musicophobe avec ses faux airs de Kevin Costner habité et de Jean Dujardin tragique. On sourira aux piques régulières lancées contre le monde de l’art officiel, on réfléchira à ce qu’aimer la musique signifie et quand celle-ci peut devenir bruit, tandis que la ville peut révéler sa beauté par ses sons et ses silences.

En résumé: Des musiciens suédois deviennent terrorisants dans leurs compositions. C’est du bonheur cinématographique tout plein.

The wonderfully imaginative Franco-Swedish production The Sound of Noise is a follow-up to the 2001 short feature Music for One Apartment and Six Drummers. It’s well worth a look if you haven’t seen it before (or even if you have) – you don’t need to go far, either – just to the bottom of this post. The Sound of Noise takes this original piece of brilliance and transforms it into a full feature-length crime comedy. It’s one of the funniest and sonically creative pieces of filmic gorgeousness I’ve had the fortune to sit through, and would happily do so again, particularly if in Dolby surround sound, and provided I didn’t have any sort of headache before going in, because it’s quite heavy on the percussion beats.

The film’s hero is the unfortunately named police inspector Amadeus Warnebring (Bengt Nilsson), the tone-deaf black sheep child of a family of musical prodigies. Music is synonymous to him with humiliation and failing to fit in as the older brother of a blonde wonder-child who later becomes a symphony orchestra conductor, enthralling his concert pianist mother. Amadeus is drawn into a radically different sort of musician’s world when he’s called to investigate a spate of bizarre, frequently violent musical ‘happenings’ going off around the city of Stockholm.

You say patient, I say musical instrument

These range from using a hospital patient as a drum kit (not for the squeamish), to shredding bank notes during a heist along with the rhythmic chinking of loose change, or twanging power cables like giant banjo strings. Low on plausibility, high on musicality. The perpetrators are a gang of crazed percussionists led by composer Magnus (Magnus Börjeson) and coordinated by the wild-eyed and excellent Sanna Person. Amadeus is meant to catch them and bring them to justice, but it gradually transpires that he has more personal gains in mind, too.

The Sound of Noise delivers an aromatic blend of wild comic eccentricity, strong plotline and characterisation, as well as a reflection on what it means to have a love of music. There are plenty of satirical swipes at music snobs with nothing better to do than humiliate those they perceive as beneath them. The musical ‘terrorists’ meanwhile testify to a deeper love of sound that transcends the ornamental, getting back to the core of how music can change perceptions and give greater meaning to things. Beyond that, the film provides a fantastic showcase for a series of creative percussion pieces that are as funny as they are uplifting. See this film! It’s well deserving of its various film festival accolades.

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