Monthly Archives: September 2011

Et maintenant on va où?

In a nutshell: A wise question in the title – And now, where do we go? -; unfortunately Ms. Labaki doesn’t know and wastes great ideas and her talent in a wonky, emollient tragi-comedy.

On n’est jamais autant déçu que lorsque l’on attend beaucoup et après le délicieux Caramel, c’est avec ferveur que j’attendais le prochain film de la Libanaise Nadine Labaki. Choisissant la fable, Labaki conte la vie d’un petit village éloigné de tout où musulmans et chrétiens vivent dans une très relative harmonie après une guerre fratricide dans laquelle chacun, mais surtout chacune, perdit un père, un mari, un frère ou un fils. Désirant éviter de nouvelles douleurs les femmes du village, aidées par l’imam et le curé, ne vont pas manquer d’imagination pour empêcher que le conflit renaisse malgré des drames de plus en plus importants. L’idée est belle, la réalisation malheureuse.

En dépit de quelques scènes exceptionnelles, souvent chorégraphiées, telle l’entrée en scène des veuves ou la confection de gâteaux au haschisch, le film se perd rapidement entre comédie à l’italienne, télénovela  égypto-indienne et tragédie grecque sans jamais savoir trouver son identité. Labaki malgré une photo léchée est brouillonne et oublie de traiter les sujets qu’elle introduit. A l’image de sa réinterprétation de Roméo-musulman, Juliette-chrétienne, étouffée, disparaissant aux deux tiers du film, les spectateurs, tels Vladimir et Estragon, attendent sans succès des résolutions qui n’arrivent pas.

On applaudit Labaki pour cette scène, mais pas beaucoup plus

Les unes après les autres les histoires se dirigent lentement dans le mur où elles s’écrasent ne laissant que regrets tant chacune proposait initialement une idée cocasse, originale ou émouvante. Ne restent que les acteurs que l’on voudrait aimer mais à qui la réalisatrice, très narcissique et trop coquette, laisse un espace insuffisant. On comprend qu’elle se trouve jolie (elle l’est) et charmante (itou), mais on comprend moins qu’elle soit la seule à l’être tant ses commères sont marquées par les kilos ou les ans, même les Ukrainiennes amenées au village pour déconcentrer les hommes sont assez ingrates.

Alors oui, les conflits religieux sont absurdes et mauvais, oui, la femme est l’avenir de l’homme, quand les hommes sont aussi cons, oui un chaton c’est mignon et l’oeuvre de Staline est critiquable. mais enfiler des perles bien-pensantes et des évidences ne fait pas un film. Espérons que le suivant sera bien moins démonstratif, plus nuancé, mais surtout plus travaillé.

En résumé : Un groupe de femmes dans un village Libanais tente de sauver ses hommes de l’auto-destruction par toutes les combines possibles, dont la drogue et des femmes ukrainiennes. Tout ça avait l’air bien prometteur mais l’ensemble nous a déçu.  

I was excited about Lebanese director Nadine Labaki’s latest film, Et maintenant on va où, after the pleasures of her previous film Caramel, a gentle comedy based in a beauty salon (where it did however feel criminal to use delicious oozing caramel as a method to remove leg hair). The trailer for Et maintenant on va où looked superb. A zesty soundtrack, a promised original take on entrenched religious conflict in a dusty war-torn village in Lebanon involving shipping in Ukrainian dancers and baking marijuana cakes in a bid to calm passions.

The film trips up however in the execution. After a very promising start with an incredible sequence showing Muslim and Christian widows in a dance of grief as they process to their dead male relatives’ desert graves, it wavers between delving into bleakness (senseless killings and dragged-out civil war) and sentimental vignettes of family lives, going for the tone of a Lebanese Il Postino. It’s possible to see where it’s trying to head, but unfortunately it doesn’t get there.

Lebanese - Ukrainian exchange programme: lost in translation

The cast is too unwieldy, the stories too disjointed, there’s no time to get to understand the characters in any kind of depth, which is a shame, because the death of one of them comes on too heavy without having given you the chance to warm up to the fact of their existence. One storyline that looks central at the outset turns out to be a red herring (lingering scenes of a budding inter-faith romance between the sultry Christian café owner, played by Labaki, and a Muslim friend decorating her café).

There are still moments of fizz in the story – it’s just unfortunate that they all seem to have been put in the trailer and padded out with a film that, as Monsieur D. has already pointed out, wasn’t able to find an answer to the question of its own title (where do we go from here?). And perhaps that was in some ways deliberate – trying to echo the disjointed uncertainties of wartime living with a similarly erratic plot structure. Unfortunately it didn’t add up to what felt promised – and left the impression of a missed opportunity.

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Warrior

En résumé : Mr. J.A. a rejoint M. D. pour une séance de cinéma testostéroné, où (presque) tous les coups sont permis, en suivant les règles du film d’action hollywoodien et celles des Arts Martiaux Mixtes, ici plus martiaux et mixtes qu’artistiques. Ont-ils eu raison ?

I guess the name “Fighter” was already taken. On reflection, much of the plot was already taken too. Like David Russell’s 2010 action/drama starring Mark Wahlberg and Christian Bale, “Warrior” is about an underdog fighter, competing brothers, conflicted relationships, substance abuse, and broken families. Instead of being boxers however, the two brothers played by Joel Edgerton (Brendan) and Tom Hardy (Tommy) practice MMA (mixed martial arts), a combination of striking/kicking and grappling/wrestling that has emerged and evolved with the growing popularity of blood sport tournaments such as UFC.

I went into this film knowing that it was about a high school physics teacher who was also an MMA fighter. Having followed the UFC for a few years, I’d expected this to be a story based on Rich Franklin, a current UFC fighter and former middleweight champion who also happens to be a former high school math teacher. But . . . no.

One ring to rule them all

The Plot: The story begins with younger brother Tommy returning to Pittsburgh after going AWOL from the U.S. Marines. He looks up his recovering alcoholic father (and implied abuser), played by Nick Nolte, from whom Tommy had fled with his mother several years earlier. Tommy wants his father to train him to win the prize purse for an upcoming MMA single-elimination tournament, “Sparta”, so that he can donate the money to the widow of a squad mate killed in action.

Meanwhile, older brother Brendan is married with children. He’s a teacher and his wife waits tables, but they’re behind on their mortgage so he enters a local prizefight and wins some extra cash. On Monday morning though, he discovers that video of the fight has gone viral and he’s suspended by the school board superintendent. With no job and facing the loss of his home, he opts to enter Sparta too.

So you can guess what happens next: each brother defeats his opponent until the two must face each other for the final bout and it’s winner takes all. It’s a battle of wills and each brother has got good reasons to want to win.

One ring to bring them all and in the darkness bind them

The Good: Both Tom Hardy and Nick Nolte give convincing performances. It’s probably not difficult for Nick Nolte to pretend to be an alcoholic, and Tom Hardy looked like he’d been on the Juice. I was very impressed with the way Brendan’s first fight was portrayed. It was pulse-pounding anticipation as the teacher squared off against “Mad Dog”. And the fighting itself actually looked like realistic MMA.

The Bad: Although Joel Edgerton also gave a good performance, he’s much more convincing as the teacher than the fighter. He just wasn’t a convincingly big enough man to have beaten some of his opponents. And in contrast to the earlier half of the film, his fights in the Sparta tournament began to feel like Rocky, i.e., he gets beaten to a pulp for a while, but then miraculously by sheer force of will manages to overcome an opponent. Rocky did it once per movie. Brendan does it about seven times.

The Ugly: The climax of the film completely broke the spell for me. I’m no expert, but I suspect the words, “I’m so sorry,” and “I love you so much,” have never been utter by one MMA fighter to another while the one is in the process of ripping the other’s arm off.

Bottom Line: Warrior is a decent way to spend two and a half hours. But hold on to the excitement at the beginning, because unfortunately, it doesn’t last.

In a nutshell: Two brothers separated by life fight their way through to get reunited on a ring. Will brotherly love prevail ? More hits than misses, it’s actually better than what it looks like.

Comme me l’a fait remarquer Miss J., rétive, on pourrait initialement penser que Warrior à comme cible principale un public masculin. De prime abord on le conçoit, deux frères Brendan (Edgerton) et Tommy (Hardy) se retrouvent à combattre l’un contre l’autre dans un tournoi brutal où seul le vainqueur emporte la prime. L’affiche le laisse supposer et la bande-annonce le montre, ces hommes vont suer, pleurer, saigner et se dépasser avant de s’affronter. De Van Damme à Stallone, de Lee à Li (Jet), on connait ce genre de structure affinée à coups de tatanes et on sait quel combat achèvera le film, on peut même sans trop de crainte présumer de son issue.

Mais si Warrior suit avec fidélité les routes balisées du film d’action à la Rocky, son réalisateur Gavin O’Connor comprend que l’attrait du genre tient bien sûr au spectaculaire de combats mais surtout au lien que le spectateur tissera avec les personnages principaux. Il construit ainsi intelligemment toute une première partie de son film autour des liens familiaux en piètre état de ces lutteurs et quand vient le moment des montées sur le ring, on s’identifie ou du moins on se soucie du destin des héros. C’est en conséquence bien plus le parcours émotionnel des deux frères et dans une moindre mesure de leur père (Nick Nolte toujours persuasif en alcoolique repenti) que nous suivons, le physique en devient presque anodin. Ce qui est démontré amplement par le film puisque le “mauvais” frère, le colérique marine Tommy se débarrasse de ses adversaires en un coup de poing, tandis que le “bon” frère, le père de famille et enseignant Brendan subit mille douleurs avant de miraculeusement trouver les ressources nécessaires à sa victoire … à chaque fois.

Une petite mise au poing

On peut évidemment regretter un certain académisme, quelques lourdeurs attendues et s’étonner d’une ou deux absurdités scénaristiques, en particulier la présence dans le tournoi et les victoires successives du professeur de physique qu’est Brendan, qui presque du jour au lendemain arrive à vaincre des adversaires plus jeunes et plus, beaucoup plus, forts que lui. Mais peu importe, seule compte la suite d’action qui permettra à cette famille déchirée d’affronter ses démons.  Servi par une distribution puissante, dynamique, finalement assez inspirée, le film convainc.

On remarque incidemment un portrait en creux de l’Amérique assez peu reluisant malgré le patriotisme de chacun : les soldats sont abandonnés, bombardés par leur propre aviation, les familles de ceux tombés au combat sont ignorées et laissées dans l’embarras, les protections sociales sont insuffisantes, ruineuses pour les classes moyennes, et les enseignants en sont réduits à multiplier les emplois pour éviter l’expropriation. Les héros sont fatigués et ne se battent plus, comme dans les années 1980 pour la gloire, un idéal ou même avec confiance, ils ne se battent que par absolue nécessité. La désillusion grandit face aux mots, fussent-ils ceux de Melville dans Moby Dick, un autre grand combat tragique, que le père écoute en boucle, les corps s’imposent, les gestes marquent plus que les serments.

Ni Tommy, ni Brendan ne se définissent comme adversaires, ils se battent parce qu’ils n’ont pas d’autres choix, parce qu’ils sont acculés. Quand le rêve d’un avenir meilleur passe par un tournoi de lutte où seul le vainqueur est rémunéré, on espère le retour des narrateurs aussi puissants que Melville, London, Hemingway, voire Mailer mais on regrette la dureté qui s’abat sur un peuple désabusé.

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Crazy Stupid Love

In a nutshell: “Crazy”, not really; “stupid”, at times clearly; and yes, it’s a “Love” story. It’s getting harder and harder to find proper romcoms nowadays, this one has very good bits a bit drowned in American sentimentality. Whatever “American sentimentality” means.

Prêt à écumer toutes les salles de Paris pour donner à Miss J. sa dose de comédie romantique, nous sommes allés voir, accompagnés de deux amis chers, la première production de Steve Carrell, le second film des réalisateurs Glen Ficarra et John Requa après I love you Phillip Morris qui nous avait plu. On retrouve donc la patte tendre et colorée des deux réalisateurs dans Crazy Stupid Love autour d’un Steve Carrell dans son rôle habituel d’homme sympathique et affectueux, godiche et de bonne volonté, drôle par sa gaucherie.

Quitté par sa femme Emilie (Julianne Moore), Cal Weaver (Carrell) doit se reconstruire et apprendre à séduire s’il ne veut pas finir seul, il s’appuie alors sur le savoir-faire du très compétent Don Juan qu’est Jacob Palmer (Ryan Gosling) qui le prend en pitié et tente de lui apprendre ses méthodes de séduction. Mais ni Cal, ni Emilie ne peuvent vraiment tourner la page, tandis que l’un de leurs enfants (Jonah Bobo) est, à 13 ans, désespérément amoureux de sa baby-sitter de 17 ans (Analeigh Tipton), celle-ci nourrit de tendres pensées pour Cal, à qui Jacob finit par demander de l’aide car pour la première fois il est tombé amoureux, ce qui complique bigrement sa philosophie misogyne et ses rapports avec la pétillante Hanna (Emma Stone). Que de marivaudages, mais pas de surprises, car chacun finira logiquement et très moralement avec sa chacune.

Ryan Gosling, bien en main.

Ficarra et Requa ont annoncé qu’ils souhaitaient éviter les clichés, il est méritant d’avoir essayé, mais le genre de leur film ne leur laissait que peu de choix. Cela n’empêche en rien d’excellents moments liés à une distribution impeccable, quelques répliques habiles (vous en verrez quelques unes dans la bande annonce ci-après) et à un comique de situation bien huilé. Le propos reste néanmoins convenu, et dans sa conclusion poussif et puritain et il est malheureux qu’après une première heure très maîtrisée et enlevée, l’ensemble s’essouffle noyé dans des intrigues secondaires maladroites et un sirop sentimental kitsch dans lequel s’englue jusqu’au très talentueux Ryan Gosling.

Mieux vaut s’abstenir si le genre “long vaudeville sucré” vous écoeure, les amateurs y trouveront néanmoins de magistraux morceaux de bravoure dans une trame trop scrupuleuse. Imparfait mais attachant.

En résumé : Une comédie romantique prometteuse qui se gâche dans l’obsession de ne pas aller trop loin. Bonjour le cliché! 

I suppose it was about time that someone made a romantic comedy (a genre I do gravitate towards) on the world of the systematic PUA (Pick Up Artist).  The man who actually studies textbooks for the right moves (and blow-off attitudes) for picking up any woman he wants, but who suddenly finds himself falling in actual love against all his overblown misogynistic ‘screw ‘em and move on’ principles. Ending up the laughing stock of all his PUA friends. Until it’s their turn to give up the lounge bars and silk sheets for weekends with the in-laws. At which point the proper social order of things is restored, just in time for the credits to roll.

This is a film that doesn’t dare to be what it really could be. It reminds me of City Island – some excellent unconventional comedy within a loosely conventional framework for large chunks, and eventually a moment where it really SHOULD dare to end, which is when absolute farce has descended and all the characters are tearing each other to pieces with howls of rage and horror on the garden lawn. That would be the moment to lower the curtain and for everyone to have a chuckle reviewing all the unlikely but cleverly constructed moments that led to this vision of total collapse. But no, this blissful moment of chaos is the prelude to a good 20 minutes of wasted time desperately tying up every last loose end into a particularly nauseating, corny ending.

Have we got a cheesy ending for you

I blame this on a film demographic responsible for comments on Baz Luhrman’s Romeo and Juliet on YouTube such as “this would have been so much better if Juliet had just woken up ”, “this sucks, how come it ends badly”. The problem is that when you go for a Romcom you mostly have to suck up the inevitable snivelling appeasement to the need for a tidy ending. Crazy Stupid Love just really doesn’t seem to want to do that, given how far it does go in the opposite direction at times. I could almost sense the production team arguing and compromising all over the place, leaving something overly bloated that’s in a schizophrenic war between cutting edge comedy and gooey sugar cake with added frosting.

It’s still (just about) worth a watch for the decent performances from Steve Carrell, Julianne Moore, Ryan Gosling and all. But someone should go at the thing with a scalpel and cut all the flab off it. Oh and one last thing – anyone looking for backup to the idea the teaching profession has quite the image problem should couple Bad Teacher with a watch of the PTA meeting from hell in this film.

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L’Apollonide

Mlle Clara returns with a review. Joy! She saw the latest Bonello movie, L’Apollonide, the rather sad and gritty story of a brothel and its girls. In no way sensual the movie might shock some, thrill others, but can’t leave you cold. Radical, tired and sumptuous, it will make you feel uneasy. Or will it?

Voici donc cet Apollonide, film précédé d’une forte réputation cannoise, au titre poétique teinté de résonnances sensuelles, qui sort sur nos écrans niçois et que nous avons pu découvrir ce mercredi.

Première constatation : Bonello n’est pas tombé dans le travers de la nostalgie fascinée du bordel d’antan, à l’instar d’un Patrice Leconte dans son Rue des plaisirs dont personne ne se souvient (et pour cause !), film esthétisant  avec Laetitia Casta en star gironde, et qui se complaisait dans les jupes de ses dames affriolantes avec leur air tellement heureux de travailler avec leurs corps et d’offrir du plaisir à ses messieurs gourmands… Non, avec Bonello, le ton est donné d’emblée : la maison close de la Belle Epoque, sous ses atours somptueux, recelait l’aliénation, la souffrance morale, l’horreur absolue parfois, lorsque des clients sadiques s’adonnaient à des violences dont on ne dévoilera pas ici le contenu pour éviter le spoiler.

Dévoiler sans "spoiler"

Ce qui frappe dans ce film qui ne quitte quasiment jamais l’antre de cette fameuse maison close, c’est que la chair y est triste, souvent mécanique, déshumanisée. Une des prostituées doit d’ailleurs jouer une sorte d’Olympia des Contes d’Hofmann, poupée aux gestes désarticulés, pour contenter son client maniaque. Le travail des gagneuses est fatigant, il use, et la lassitude se lit souvent sur les visages, même s’il faut mimer l’enjouement et la gaieté pour complaire aux riches bourgeois et aristocrates fin de race venus là pour assouvir des désirs que leurs épouses ne peuvent manifestement leur prodiguer. Bonello ose d’ailleurs à plusieurs reprises utiliser le split screen, tic des années 70 (remember L’Affaire Thomas Crown), pour souligner l’aspect travail à la chaîne des filles dites de joie. Et l’idée est assez belle. La lumière l’est tout autant, magnifiant les actrices choisies pour leur photogénie – lumière crépusculaire comme dans un film opératique de Visconti. Eclairage qui crée une atmosphère décadence fin de siècle, très Huysmans d’A Rebours : on imagine le personnage de des Esseintes, hâve, monter avec l’une des jeunes femmes tombées dans la prostitution parce qu’elles avaient des dettes… Femmes perdues qui restent prisonnières de cette espèce de mâchoire du bordel, qui les broie et ne les lâchera jamais, les dettes contractées étant comme un tonneau des Danaïdes.

Le plan récurrent sur le couloir du bordel, lieu ou plutôt non-lieu de passage et de passes, arpenté par les femmes fatiguées et les clients non moins las, est aussi une belle idée de mise en scène. On pourrait encore citer d’autres moments très beaux, comme celui de  la sortie dominicale à la campagne, avec  toutes les réminiscences cinéphiliques qu’elle suscite : Le Plaisir de Max Ophuls (la partie « Maison Tellier » plus précisément). Réminiscences aussi éminemment  picturales, et ce n’est pas le moins réussi du film. On pense à Auguste Renoir, souvent ; à ses baigneuses, à son fameux portrait de jeune fille aux seins lourds et blancs sur fond vert (jeune actrice au corps et visage renoirien stupéfiant de ressemblance, comme littéralement sortie d’un tableau du grand maître impressionniste). On songe aussi à Courbet et son origine du monde, dont un des protagonistes du film semble être l’incarnation, obsédé par le sexe des femmes qu’il regarde frontalement en professant qu’il n’y a rien de plus beau.

Film-cerveau de salon ?

Dans une interview, Bonello parle de film-cerveau, et c’est vrai que l’impression globale qui s’en dégage est bien celle d’un film cérébral, où le sexe est chose mentale et non une fête des sens. Film-cerveau aussi car il semble constituer une espèce de microcosme psychique autant que physique, confiné. De ce point de vue, cette fois-ci, Bonello a réussi son coup, il a vraiment créé une espèce d’univers qui reste dans la tête de son spectateur une fois le film digéré. Ces films précédents, en tous cas les deux que nous avons vus, Le Pornographe et De la guerre, nous avaient laissé une impression mitigée, où l’on retrouvait cette libido exténuée, dépressive, et pour tout dire morbide. C’est manifestement une problématique du cinéaste, sorte de créature houelbecquienne tourmentée par l’extinction du désir en occident au soir du 20e siècle. Avec ces « Souvenirs de la maison close », on accepte cette esthétique parce qu’elle trouve pour ainsi dire son sujet, celui de la prostitution et des maisons de passes luxueuses pour nantis fin de siècle tentant de se désennuyer. Mais c’est peut-être aussi tout de même la limite à nos yeux de L’Apollonide : on ne peut s’empêcher de ressentir une espèce de malaise face à la fascination du réalisateur pour l’horreur sadique, pour la perversion de ceux qui aiment faire mal et contempler la détresse.

Heureusement, lorsque le film ose des images littérales qui peuvent mettre mal à l’aise, telle cette femme qui pleure des larmes de sperme, on se dit : au fond pourquoi pas ? C’est gonflé, ça pourrait frôler le ridicule, mais ça finit par émouvoir. Car il semblerait que Bonello ne prenne pas à la légère la douleur des filles de joie si mal nommée : l’épilogue de L’Apollonide en fait foi.

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Drive

In a nutshell: After a triumph at the Cannes Film Festival but before Paris, Drive is out in L.A. Our special correspondent the never careless but quite “car-less” Mlle L. reports. It seems that a contract has been put on wheelman Ryan Gosling’s head after a heist went bad, but that story driven by the talented Danish director Refn is anything but another Fast and Furious or The Transporter, it just might be a masterpiece.

M. D. m’avait très vivement poussée à me rendre au cinema pour y voir Drive, un film apparemment de voitures, réalisé par un certain Refn (ressortissant Danois), inconnu à mon bataillon.

Bon, me dis-je, pourquoi pas, les films d’autos, c’est toujours rigolo; et puis ça passe à côté de chez moi.

Quelques recherches préalables refroidissent un peu mon enthousiasme: les pubs aperçues sur internet pour ce film le font en effet dangereusement ressembler a une grosse daube type “Jason Statham se tape des meufs et vole des voitures dans CASSAGE DE GUEULE III – le retour de quand il est pas content“. Mais j’ai confiance en M. D., alors j’y vais quand même.

Bien m’en a pris, c’est le meilleur film que j’aie vu en au moins trois ans, dur, étrange, calme, bizarre, intelligent et exigeant.

The Good, the Gun and the Ugly

D’abord, je veux épouser l’acteur principal, Ryan Gosling, parce que c’est un acteur de génie, il est vraiment totalement admirable, que comme Eastwood il ne parle presque pas, qu’il a un sourire qui me fait pleurer d’attendrissement, qu’il arrive aussi à être vraiment menaçant et qu’il porte le film avec un talent mémorable.

Ryan Gosling, c’est 50% Tim Roth, 50% Thomas Dutronc; talent inclus. J’aime beaucoup.

L’histoire, qui en fait ne vous donnera qu’une vision parcellaire et franchement atrophiée de cet excellent film; l’homme sans nom, joué par Ryan Gosling, donc (je vous ai dit qu’il était très très doué? Il est mieux que ça), est cascadeur automobile sans vraie implication ni renom, malgré son anormal et naturel talent; Hollywood ne payant guère les gens dans sa catégorie, il paie son loyer en s’associant occasionnellement à de petits casses sans prétentions, lors desquels il conduit avec brio et décontraction l’escape car des petits truands sans gravité. Une jolie petite voisine (Carey Mulligan, chouquette adorable), accompagnée de son fils rigolo, l’entraîne involontairement et par son mari interposé dans une combine des plus foireuses (et des plus mafieuses), qui comme il se doit finira dans le sang et dans une absence assez totale d’espoir.

Le tout se déroule avec flegme et fatalisme, ce qui doit arriver arrivera.

La rencontre réussie d'un éclair et d'une chouquette, Mlle L. en est restée comme deux ronds de flan

Le film n’est en fait pas franchement axé sur les voitures, ce serait même le contaire – on est très loin de Gone in 60 seconds (l’original de Halicki, 1974, et bien sûr et heureusement encore plus loin du remake abominable avec Angelina Jolie – là, il s’agirait même franchement d’une autre planète; celle des films de Jason Statham, en fin de compte). Le rapprochement se ferait plutôt avec Mad Max 1 (où les poursuites en voitures étaient rares et anecdotiques, l’important étant la violence latente et la poursuite d’une vengeance destructrice) qu’avec Mad Max 2.

Drive est quelque part vers Vanishing Point dont il reprend le fatalisme fatigué, mais heureusement sans les chichis prétentieux et soporifico-artistiques de Sarafian, avec un zeste de David Lynch (surtout pour les cadrages et les jeux sur les lumières qui rappellent nettement Lost Highway); mais pas trop de David Lynch, pas au point où l’on n’en peut plus de pédaler dans la semoule et de ne pas comprendre ce qui se passe, ici c’est du David Lynch avec une filiation Scorsese – même si ça paraît improbable un “David Scorsese/ Martin Lynch”; mais improbable ou pas, le résultat du mix est génial et parfaitement dosé.

Drive rappelle aussi très nettement The Wrestler, point de vue atmosphère, un Wrestler où le personnage perdu, attachant mais un peu abruti de Mickey Rourke serait remplacé par le mythique Man With no name / High plains drifter, mais en plus classe – car les westerns c’est souvent un peu bourrin, surtout avec le beau Clint. Et rien n’est lourdingue ou bourrin dans ce grandissime film qu’est Drive.

Petit avertissement : un peu à la manière de Kitano, Refn raconte son histoire de sous et de sang avec une extrême violence; violence inévitable et toujours justifiée; violence d’ailleurs bien plus morale plus que physique.

Il y en a qui vont se faire taper sur les doigts (et pas que ...)

Mais si la violence de cinéma dite “graphique” et héritée des films de Tarantino est aujourd’hui totalement habituelle et acceptée (son absence est même ridicule, voir Sean Connery tuer ses adversaires sans qu’ils ne saignent dans les vieux James Bond nous fait sourire – et on attend tous du prochain Daniel Craig un bon lattage de gueule avec bruitages et hémoglobine mêlée de sueur); si nous sommes donc généralement vaccinés et immunisés contre la violence ouverte et graphique, il est très intéressant de constater à quel point la violence latente, sourde (et donc infiniment plus proche et crédible) qui est constitutive de Drive s’avère dérangeante.

Je suis enthousiasmée par les menaces horribles susurrées par les tueurs fous type Michael Madsen; mais les constats glacés qui parsèment les dialogues de Drive révèlent une dangerosité bien plus réelle, crédible et dérangeante – ici la violence n’est pas l’oeuvre de détraqués sans limites et qui adorent ça, elle est opérée comme un travail de bureau par des gens qui préféreraient s’en passer mais n’ont pas présentement d’alternative. Terrifiant. Et brillant.

Vendu comme un énième film de bagnoles et de castagne, Drive est un chef d’oeuvre de désenchantement placide, un joyau comme on désespérait d’en rencontrer à notre époque de balourds cinématographiques. Un film à l’image de la typo choisie pour l’affiche, anachronique et surprenant – longue vie et courage à Refn et à son héros, qui promènent leurs carcasses de droiture fragilisée dans la modernité inadaptée des bulldozers sans finesse. Courez-y, retournez-y, vous trouverez un réconfort inespéré et bienvenu dans la sérénité nonchalante et le fatalisme élégant de ce film superbe. Précieux.

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One Day – Un jour

In a nutshell : One day Jim Sturgess’s princess will come, except she was there all along, it’s the delightful Miss Hathaway, will he be bright enough to notice and woo her … we shall see over the course of twenty years, one day (per year, thank God) at a time. Lone Scherfig’s new movie is British again, rather well written and well played, overall pleasant even if her style proves classical at best and often pedestrian and predictable. 

Tiré d’un livre que je n’ai pas lu mais qui, m’annonce l’affiche, a eu un grand succès, Un jour a tous les éléments d’une comédie romantique réussie. Tous ou presque car la fin fera peut-être sortir quelques mouchoirs, grincer quelques dents, et la pesanteur de la réalisatrice pourra aussi en agacer plus d’un. Le film a cependant quelques avantages, une distribution exemplaire, en tout premier lieu le couple Hathaway-Sturgess, et quelques répliques étincelantes et sarcastiques qui sauvent plus souvent qu’à leur tour des scènes balourdes ou pataudes.

Permettez que je partage une légère gène par rapport à ce film car plus j’y pense, plus le nombre d’imperfections ou d’erreurs augmente alors que je prends la plume, mais par honnêteté je me dois de dire que j’ai passé un moment agréable et que je reste sensible à l’univers britannique que Scherfig avait déjà exploré dans son film précédent, le très réussi An Education. La Danoise a le bon goût d’emmener ses acteurs dans des villes que j’aime ou dans lesquelles j’ai des souvenirs heureux: Edimbourg, Londres, Dinard, Paris … ma fibre urbanophile se dilate.

Dexter et Emma ou la rencontre d'un tueur de la TV et d'une héroïne Austinienne.

Scherfig donne aussi à la très charmante Hathaway (Emma) un rôle timidement solaire qui lui convient très bien. Certains pisse-vinaigre ont dénoncé son accent anglais variable. Impertinence. Plus adéquates sont les critiques se demandant bien ce qu’elle peut trouver au bellâtre Dexter, interprété par Sturgess, car si l’on saisit bien l’attraction physique lors de leur première rencontre le 15 juillet 1988, à leur remise de diplôme en Ecosse, celle-ci devrait s’émousser les décennies passant. Comme ses qualités morales prennent leur temps à éclore, on comprend que l’homme soit l’un des présentateurs de télévision les plus détestés du pays, on comprend moins pourquoi sa ravissante amie, amoureuse ignorée, persévère à le côtoyer.

N’ergotons pas plus, les rendez-vous annuels tous les 15/07 des deux héros et ce sur vingt ans après une première nuit qui aurait dû être une aventure et ne fut qu’une première rencontre sont distrayants en dépit d’une sentimentalité parfois tapageuse. La recette de la comédie romantique à la Quand Harry rencontre Sally fonctionne toujours. On ne trouvera néanmoins pas beaucoup plus que ce que l’on imagine, mais rien de moins non plus. Pour les amateurs, un film à voir … un jour.

En résume: Après une nuit d’amour ratée, deux jeunes étudiants décident de rester amis et de se retrouver une fois par an au fil des années malgré leurs différences socio-culturelles grandissantes. Comme l’affiche l’indique, cette histoire n’est pas dénuée de romance. 

Lone Sherfig’s One Day, an adaptation of David Nicholls’ literary hot cake novel of the same name, extends over many years, so settle down for the ride. It begins with Emma Morley (Anne Hathaway) and Dexter Mayhew (Jim Sturgess) almost sleeping together at Edinburgh University during a drunken graduation celebration, but when all goes wrong they settle for on-off friendship with the odd spurt of sexual tension instead. They make a pact to reconvene at the same time every year to find out what the other’s up to (or not), and the disparate pair’s lives duly interweave to comic and romantic effect.

Flirtin'

Confident wealthy Dexter becomes a better-looking Terry Christian off of Channel Four’s The Word, hosting a hi-energy, druggy, brainless TV ‘yoof’ show that everyone looks down on. He tries to convince himself that better things are on the horizon, but struggles under ever-greater doses of his father’s acid distain. Emma hatches a half-brained plan to live off her poetry in London, leading to long-term work at a dodgy Mexican restaurant and the dogged advances of a fellow waiter, one of Britain’s least talented wannabe standup comedians.

Emma and Dexter’s annual meet-up allows for a glorious nostalgia soundtrack-fest of all the tunes of the year in question. The passing years prove that misfortunes can morph into opportunities, tables can be turned, romance bloom, and disaster await. Monsieur D. and I enjoyed the pair’s foray to Dinard, the warm glowing feelings and the all-round engaging performances, even if Anne Hathaway’s English accent does slide confusingly around various regions of the country at times. Yorkshire? Essex? Midlands? Oh never mind. All in all a good watch, if a bit droopy at the ears, like a drooling British Bulldog pup.

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Melancholia

In a nutshell: Lars Von Trier’s Melancholia is sardonic – literally -, in three parts, which is one too many, and filled with myriads of absolutely gorgeous images. Not to be missed by fans of astronomy, disastrous weddings and heavy romanticism.

Lars Von Trier n’engendre pas l’ennui dans les discussions passionnées que les provocations du réalisateur danois occasionnent à la sortie de chacun de ses films, même si ceux-ci ne sont pas toujours palpitants. Quand le sujet est insuffisant, il en rajoute même, comme par exemple son étonnante déclaration de sympathie pour Adolf Hitler, qu’il fit “humoristiquement” à la conférence de presse à Cannes après la présentation de son film. Compliqué de lui donner une Palme après cela. Et on peut se demander si le prix de meilleure actrice que reçut Kirsten Dunst pour son interprétation de mariée mélancolique n’était pas une sorte de prix de substitution …

Melancholia est un récit fantastique, en trois parties, narrant à la fois la fin du monde – notre planète étant absorbée par collision avec une sorte de géante gazeuse bleue, Melancholia – et le mariage avorté de Justine (Kirsten Dunst), absorbée elle aussi par la dépression. Ces événements donnent au réalisateur l’occasion de faire la preuve de ses talents de photographes et d’offrir une véritable leçon de cinéma à tous ceux qui souhaiteraient comprendre ce que cadrage et découpage signifient.

Une lueur de désespoir pour le plus beau jour de sa vie

Après un lent et sublime prologue onirique scandé par Wagner, à la fois prélude à la limite du pompier et résumé du film, “Justine”, première partie du film, expose la mélancolie grandissante de l’héroïne qui subit un mariage de princesse dans la propriété grandiose de son beau-frère. Grinçant à souhait la cérémonie rappelle un moins dramatique mais plus lyrique Festen, et offre de grands moments d’embarras et de causticité, grâce aux talents des acteurs présents, tous excellents.

La seconde partie, intitulée “Claire”, prénom de la soeur (Charlotte Gainsbourg) de Justine est en trop. Cette fin du monde, qui répond aux progrès de Justine qui sort progressivement de sa mélancolie, est certes esthétique mais surtout didactique et lente. Elle donne un temps certain pour n’être plus que spectateur et remarquer les absurdités du scénarios (physiques et astronomiques), les bizarreries de la distribution (Justine s’exprime avec un accent américain dans une famille à accents britanniques …), les obsessions du réalisateur, qui semble apprécier dénuder ses actrices sans raison et les faire souffrir et pleurer.

Le plan indispensable !

Ainsi, pour préserver l’envoûtement de la première moitié du film, sauf si, bien sûr, vous souhaitez admirer la généreuse et ravissante poitrine de Mlle Dunst, je vous propose simplement d’en ignorer la seconde. Sortez de la salle! Arrêtez votre lecteur de DVD! De toute façon vous connaissez déjà la fin du film qui vous aura été montrée, plus joliment en plus, lors du prologue.

Vous pourrez alors prendre le temps de gloser tout votre saoul sur les influences romantiques qui nourrissent cette oeuvre, de l’affiche ophélienne aux nombreuses autres références anglaises et allemandes que Nerval ou Baudelaire auraient adorées. Vous pourrez réfléchir à la pertinence de l’achèvement sans douleur (si l’on s’abstrait de l’attente) d’un monde absurde et cruel. Ou vous pourrez vous interroger sur l’influence de Spider-Man et Sam Raimi sur le cinéaste danois, car après Bryce Dallas Howard (Manderlay) et Willem Dafoe (Manderlay et Antichrist), il choisit Kirsten Dunst. A quand Toby Maguire ?

En résumé: C’est la fin du monde, mais avant cela il reste du temps à Kirsten Dunst pour vivre un jour de mariage apocalyptique dans une oeuvre grandiose, sardonique et languissante.

Melancholia is what happens when Lars Von Triers gets into science fiction. A giant star is heading for earth and is set to obliterate the planet, but not before a depressed young woman, Justine (Kirsten Dunst), goes through the wedding day from hell, moves in with her sister and brother-in-law in their creepy country home, and languishes about as the deathly embrace of Melancholia looms ever larger over them.

Blah

There’s no suspense as to the ultimate outcome given that the first spectacular minutes are devoted to moment of impact, with imploding horses, birds raining from the sky, ragged wedding dresses combusting and various other apocalyptic visions. We’re left instead with what seems to be a metaphor for the state of depression, and a pretty good job it does of it too – ranging from the tragi-comedy of a social life imploding as Justine caves in to her despair, and the grinding slowness of an illness with its own seductive gravitational force.

The film is divided into three parts and as Monsieur D. has already remarked, by far the most interesting is the first, after the prelude – Justine finds a number of creative and increasingly brazen ways to sabotage her wedding day, helped along the way by her startling dysfunctional parents and other key members of her entourage. It’s impressive just how much of a life she manages to unravel over a short wedding reception while many of the guests remain oblivious.

The only sparkles of a sad wedding

The far more languid latter parts of the film are devoted to the aftermath of all this, turning its focus to Justine’s sister Claire (Charlotte Gainsbourg). By this point, there’s a lot of fretful peering into the sky and measuring the diameter of the approaching death star, interspersed with nudity as Justine’s breakdown gains momentum. The film takes a far more stark look at depression than is common at the cinema – the dragging energy, the fading of sensation and the soft tug of inertia are eerily well captured.

By the end, the characters start to suffocate in the thinning atmosphere caused by Melancholia’s approach. Von Trier seems to play with the audience, drawing out the final moments and dragging you into their heart despite yourself with some grandiose camerawork. Its metaphysical scope is in many ways reminiscent of The Tree of Life, but where there was raw, life-thirsty pain in Terrence Malick’s work, here there is a velvety numbness. It’s impressive stuff, but gets overly self-indulgent at times, to the point you can almost feel Von Trier’s Hitler-loving-just-as-a-joke-mind sardonic smugness seeping through the eerie beauty of the images.

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Habemus Papam

Mlle Clara saw Habemus Papam as soon as it hit the screen in her beloved Nice and it is with religious fervor that she writes her own Song of Songs to Moretti, to us, to anyone foolish enough not to already have been to a show. In other words, as Piccoli’s version of the Holy Father feels a bit down, it’s time to pope it up.

Nous avons un pape !

La vision hier soir d’Habemus papam a été un tel enchantement, que l’envie me prend, chers M. D. et Ms. J. de vous envoyer une courte missive enamourée, une ode à ce film habité par la grâce, oui avec et sans mauvais jeu de mots, afin de vous convaincre, si tel n’est pas encore le cas, de courir aller le voir.

J’avais pris soin de ne rien lire ni écouter au sujet du film sorti tout de même en Italie dès le mois d’avril dernier et en compétition officielle à Cannes en mai. C’est donc « vierge » de toute idée  a priori, hormis la réputation de Moretti et de Piccoli, ainsi que la connaissance de l’argument – un pape fraîchement désigné fait une crise existentielle et déserte sa fonction -, que je me suis rendue au cinéma à 20 heure, dans une atmosphère encore chaude et humide, celle de notre rayonnant mois de septembre niçois.

Entre sacré et séculier, un bon film

D’emblée, le charme agit : la vision de ces cardinaux qui doivent élire leur chef, et qui n’ont tous qu’une crainte : être eux-mêmes élus ! Priant donc intensément pour que leurs collègues ne déposent pas leur nom dans leur bulletin de vote, totalement apeurés comme des enfants déboussolés ! Oui, on est de plain-pied dans la comédie, dans la satire, mais une satire sans hargne, une satire tendre si l’on peut dire, qui restera le ton dominant d’Habemus papam. Ces cardinaux n’ont donc rien des infâmes arrivistes sans foi ni loi du Parrain de F.F. Coppola, mais ont tout de la naïveté apparente des petits moines compagnons de François d’Assise dans les Onze Fiorretti de Rosselini.

Une fois de plus, on peut être surpris que le plus célèbre homme de gauche du cinéma italien ne brosse un tableau plus vachard de la machine vaticane. Mais Moretti fait du cinéma, il ne compose pas une tribune politique : tout le monde sait à peu près ce qu’il pourrait dénoncer dans celle-ci, et l’on est beaucoup plus intéressé par le cinéma qu’il produit avec Habemus papam. Du grand cinéma avec ces séquences où règne un sens aigu de l’absurde : tel le moment où le psychanalyste débat du darwinisme vs le créationnisme avec un cardinal, tout en s’assurant de la bonne marche du match de volley ball qu’il a organisé entre les cardinaux avec maestria ! Et pourquoi ce tournoi ? Pour occuper ses ouailles désoeuvrées par la vacance du pouvoir ? Oui, bien sûr ! Ou comment le sport permet de détourner des vrais problèmes en provoquant l’adhésion des masses… Mais tout cela n’est pas asséné avec la lourdeur du prédicateur, mais avec la légèreté de touche d’un cinéaste au sommet  de son art.

Moretti arrimé au sommet de son art

Même chose lors de cette séquence hilarante où le psychanalyste Moretti explique aux hommes d’Eglise la différence entre anxiolitique, anti-dépresseur, somnifère, tranquillisant… s’inquiétant des lourdes doses que prennent ces prélats, qui d’ailleurs tentent de dissimuler leur addiction ! La religion, la foi chrétienne, ne sont pas des remparts suffisants contre la déréliction de l’homme post-moderne, nous dit le film. Notre pape fraîchement élu et démissionnaire est le premier à oser exprimer tout haut ce sentiment d’accablement, d’enlisement. Piccoli est évidemment parfait dans le rôle, entre retombée en enfance et charisme de l’acteur légendaire.

Par une vision shakespearienne du monde comme théâtre des vanités – le monde entier est un théâtre où chacun tente de jouer au mieux son rôle – Moretti nous entraîne dans une méditation profonde.  Profonde à force d’humour candide tel ces séquences où un garde suisse joufflu agite le rideau des appartements du pape pour simuler sa présence lorsque celui-ci s’est fait la belle dans les rues de Rome, incognito.

Evidemment, on pense à l’Italie contemporaine, celle où un vieil homme surlifté s’accroche au pouvoir dans l’indignité la plus éhontée. Mais on pense aussi à notre propre contexte politique actuel, à tous ces hommes et ces femmes qui veulent tellement atteindre le sommet du pouvoir en 2012. Le pape de Moretti lui, avoue ne pas se sentir la force de porter cette charge. Et on se souviendra longtemps de la place vide laissée par Piccoli entre les deux rideaux rouges agités par le vent de la place Saint-Pierre…

En résumé : Mlle Clara a raison et Habemus Papam est un film heureux, délicieux et original s’achevant, comme le commente Cilou, sur une note amère nécessaire. M. D. et Miss J. vous encouragent donc vivement à aller le découvrir.

 

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Bridesmaids – Mes meilleures amies

In a nutshell: Paul Feig’s movie was the hit comedy of the Summer in the States, and it makes sense; though a bit long, Bridesmaids deliver. Kristen Wiig and her friends give us a mix between a more realistic and funny Sex and the City, and a female, more interesting version of The Hangover, with prettier dresses.

Annie (Kristen Wiig, également co-scénariste de ce film) n’est pas au mieux de sa forme. Ses relations amoureuses hésitent entre le miteux et le piteux, sa vie professionnelle mêle aigreur et ennui, tandis que sa vie familiale repose sur des relations pas toujours apaisées avec sa mère, constante gêne depuis sans doute ses douze ans. Ne lui reste que sa vie amicale, sa relation privilégiée avec Lilian (Maya Rudolph), qu’elle connaît depuis la maternelle.

Etre demoiselle d'honneur (en rouge), pas toujours un cadeau

Celle-ci va être mise à mal par le mariage de cette dernière et l’obligation pour Annie de répondre aux devoirs de la demoiselle d’honneur, à la fois témoin, bras droit et organisatrice lors des mariages américains. S’ensuivent alors une succession de catastrophes, disputes et milles rebondissements tant cette tâche lui convient peu et tant les autres demoiselles d’honneur s’accordent mal, en dépit d’une évidente bonne volonté de chacune à rendre l’événement inoubliable pour Lilian.

Le scénario, plutôt classique, se calque sur celui de The Hangover, reprend les grandes étapes du mariage traditionnel américain et met en scène la concurrence et la jalousie traditionnelle qu’il peut y avoir entre les deux “meilleures” amies de la mariée. Cependant Kristen Wiig et Annie Mumolo réussissent à insuffler une insolence, un charme et une causticité étonnante à leur comédie. Servi par une distribution impeccable, le scénario peut prendre une profondeur et proposer une réflexion sur l’amitié et les relations de couple, que l’on rencontre peu dans ce genre de produit tout en restant drôle de bout en bout. N’hésitant pas à être vulgaire, même scatologique, Bridesmaids n’est pas qu’outrance mais aussi émotion, voire grâce. Le naufrage d’Annie, les inquiétudes et le mal être de sa némésis, la parfaite et snob Helen (Rose Byrne) attendrissent.

Dans "Bridesmaids", on parle aussi des problèmes de raquette dans les banlieues

Cet alliage entre burlesque, humour bête et méchant et comédie romantique pourvoit en sourire, peut-être même en euphorie tout spectateur un tant soit peu sensible à l’un de ces genres. Si l’on peut déplorer quelques baisses de régime, certaines longueurs et une conclusion sucrée, traditionnelle et écoeurante, l’ensemble amuse et réjouit. L’un des personnages secondaires, Megan, bloc de crudité et brutalité, ou l’hilarant ballet d’un flirt entre une vive petite voiture rouge et une grosse voiture de police arrêtée valent le prix du billet, mais c’est surtout la palette de Kristen Wiig qui impressionne. Allant du lunaire au vulgaire, du registre de Tina Fey à celui de Meg Ryan, elle rayonne et s’impose comme une grande actrice comique du cinéma contemporain.

D’autres, plus savants que moi, pourront gloser sur l’étonnante idée que les Américains se font de l’amitié, sur la touche Apatow, le producteur du film, et la victoire finale de la tradition et des valeurs morales conventionnelles, ou encore sur la réalisation très lisse de Paul Feig, je ne ferai que vous encourager à découvrir ces demoiselles d’honneur avant qu’un n°2 déjà en préparation ne vienne probablement tout gâcher.

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The Abominable Doctor Phibes

In a nutshell: Mlle L. believes  here that this movie is far from abominable. The great Vincent Price is a pleasure to watch as an evil doctor on the rampage. Some are seeing it as the root of the famous series Saw, some as one of the prime example of “gaysploitation”. Mlle L. says maybe, but mainly only fun and good “Phibes”.

En résumé : C’est la rentrée et des dizaines de milliers d’élèves ont quelques vapeurs, bien des parents aussi. Le moment d’aller voir le docteur ? Mlle L. déconseille les traitements de l’abominable Phibes, mais soutient ici la vision de ses forfaits sanglants, imaginatifs, bibliques. Délicieux, britanniques, et selon certains critiques coquins l’un des plus beaux films de “gaysploitation” tant les relations sado-maso de Vincent Price avec les médecins qu’il traque seraient suggestives. Vulvania (non, ce n’est pas en Auvergne) qui s’en dédit.

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