Monthly Archives: February 2012

The Oscars 2012

En résumé : C’est la saison des prix, et le roi d’entre eux, Oscar, s’est arrêté brièvement sur notre blog pour cette 250ème intervention électronique. Mille mercis ô lectrice, et toi itou sympathique lecteur, de venir et revenir soutenir nos efforts et découvrir nos critiques et celles de nos amis. Rien à dire vous êtes superbes, revenons à notre ami doré, sans être staphylocoque, et nos prédictions pour savoir dans quelles mains il finira la soirée.

It’s our 250th post, we feel very proud, and would like to take a moment to thank everyone from our guest critics to our (almost) 22’000 visitors, who albeit quickly clicked on or through our blog.

When feeling this grateful, when suddenly you kind of want to call your parents and thank them, embrace your children and hug your friends, you are either quite drunk or the Oscars’ bug caught you …

It must be the bug since these bottles of whisky are empty!

To salute “The Artist” and wish good luck to our new national treasure Jean Dujardin, here come our predictions for the Oscars. We shall try to be Crystal (see the video below) clear and make a difference between who we think will win and who we would love to see winning. Yes, I know, it’s a silly game, one of frustration, but it’s Sunday and let’s be fair you are procrastinating yourself as you are reading this delightful prose.

Let us start with Best Documentary, Pina has my vote as I loved Wim Wenders’ latest opus, but I believe American football has more chance than interpretative contemporary dance and the Academy will award Undefeated.

Other contenders :  Hell and back again, If a tree falls, Paradise Lost 3 : purgatory

Best foreign language film: A Separation by Farhadi, Iran, it should win and will win if there is any justice. It is, I believe, head and shoulders above the other movies. You go Asghar !

Other contenders : Bullhead, Michael R. Roskam (Belgique), Monsieur Lazhar, Philippe Falardeau (Canada), Footnote, Joseph Cedar (Israël), In Darkness, Agnieszka Holland (Poland).

Best animated film: Rango should prevail, which is a shame, but the beautifully done Kung fu Panda 2 and Puss in Boots don’t seem to have the added quirkiness that could convince the voters. Une vie de chat and Chico and Rita – the latter would get my vote -, seem too much of a long shot.

Parlons scénarios …

Pour la meilleure adaptation la tâche est difficile, si ma préférence va à l’exceptionnel travail de feue Bridget O’Connor et Peter Straughan pour Tinker, Taylor, Soldier, Spy (La Taupe), il semblerait que  The Descendants d’Alexander Payne, Nat Faxon et Jim Rash ait la préférence des Américains, suivi éventuellement par Moneyball de Steven Zaillian et Aaron Sorkin, abonnés à cette récompense.

La Couleur des sentimentsLes marches du pouvoir et Hugo ne semblent pas pouvoir créer la surprise.

Le meilleur scénario original offre un choix plus ouvert encore même si Woody Allen est annoncé favori pour Midnight in Paris. Il ne serait guère étonnant de voir récompenser The Artist de Michel Hazanavicius,
Bridesmaids d’Annie Mumolo et Kristen Wiig, Margin Call de J.C. Chandor ou encore Une séparation d’Asghar Farhadi vers lequel mon coeur penche.

In a category replete with clever scene stealers, fascinating actors and actresses will hope to bring home the golden statuette.

The Best Supporting Actress will go to newcomer Octavia Spencer in The Help. Her character, the gravity, the humor of her part will convince the Academy, and the legacy of the civil rights era won’t hurt.

A strong contender would be the hilarious Melissa Mccarthy in Bridesmaids, but my vote goes to the marvelous Jessica Chastain, for everything she’s done this year from The Help, to The Tree of Life. Bérénice Bejo in The Artist and Janet McTeer in Albert Nobbs have all my sympathy.

Best Supporting Actor : Well, it’s Christopher Plummer’s year, isn’t it for his lovely part in Beginners. I can’t really imagine this one escaping the veteran actor. Kenneth Branagh, My Week With Marilyn, Jonah Hill, Moneyball, Nick Nolte, Warrior, and Max von Sydow in Extremely Loud & Incredibly Close don’t seem to have much of a chance. I really liked Nolte, though.

Plus qu'un acteur, un 'meme' (cf.

Best Actor : This should be an interesting mano a mano between Jean Dujardin in The Artist and George Clooney, The Descendants, I’ll cheer for Dujardin, who should get it, but I have to underline how much I loved Gary Oldman in Tinker, Taylor … Demian Bichir, A Better Life,  and Brad Pitt, Moneyball, are also nominated.

Best Actress : it looked like a shoe-in for the new face of the Iron Lady, the incredibly talented Meryl Streep. But being the most Oscar-nominated actor of all time won’t suffice and Viola Davis in The Help is the official predicted winner. Glenn Close comes third for her part in Albert Nobbs. Rooney Mara, The Girl with a Dragon Tatoo, and Michelle Williams, A Week with Marylin, might create a surprise but probably more with their choice of dress than with a win. Though I loathed the movie, I support Meryl!

Et finalement, last but not least, les deux catégories reines :

Meilleur réalisateur : Difficile d’imaginer Michel Hazanavicius (The Artist) repartir bredouille après avoir séduit l’ensemble des Etats-Unis et récolté tous les prix de  réalisation dont celui de la guilde des réalisateurs américains … Scorcese (Hugo) peut avoir un espoir, mais il n’a jamais été très apprécié, en tout cas très récompensé par l’Académie et son film, officiellement pour enfants, risque de détourner quelques votes. Woody Allen (Midnight in Paris), Terrence Malick (The Tree of Life) et Alexander Payne (The Descendants) n’apparaissent pas dans les pronostics des connaisseurs.

Constatons que tous les films de ces excellents réalisateurs font preuve de grande nostalgie, sur ce critère uniquement (et avec un rien de patriotisme) je choisirai Hazanavicius et espère qu’il rapportera le brillant petit athlète à Paris.

Pour le meilleur film, toute la France (et nous aussi) attend le couronnement de The Artist, ce qui permettrait au film d’achever un grand chelem historique et qui restera probablement unique dans l’histoire du cinéma. Le système de vote des Oscars favorisant le consensus, ce sont les films les plus rassembleurs, pas forcément les plus enthousiasmants ou les plus originaux, qui l’emportent : The Tree of Life devrait donc faire de la figuration, tout comme l’excellent Moneyball. The Help, Extremely Loud & Incredibly Close et War Horse peuvent rassembler les spectateurs, démontrer quelques qualités mais ne sont sans doute pas à la hauteur.

The Descendants, Hugo et Midnight In Paris ont une chance, minime pour les deux derniers, mais existante, il reste néanmoins plus que probable que le Hollywood de 1920 plaira plus qu’un froid Hawaï au Hollywood de 2012.

En espérant que nos pronostics vous auront amusés … nous vous laissons avec un enthousiaste jeune réalisateur :

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Hugo Cabret

En résumé: Un film de Scorsese atypique qui mélange mystère et sentimentalisme, tout en rendant hommage à l’ère des films silencieux du début du vingtième siècle. C’est visuellement très beau, mais au final, l’intrigue manque de punch.   

It’s been quite a while since I saw Hugo Cabret – Christmas, in fact – but in honour of this film’s nomination at the 2012 Oscars, it seemed high time to review it. This isn’t your typical punch-in-the-face Martin Scorsese production – it’s a sentimental children’s mystery story and a celebration of the golden age of silent pictures, set in Paris in 1931. The film was shot in 3D but I saw it in old school 2D, which turned out to be a bit of a pity, as the visuals were its strongest suit, and I suspect the 3D worked quite well.

Asa Butterfield stars as Hugo, a 12-year-old orphan who lives in the clock tower of a Parisian station, and has a knack for fixing gadgets. He has to take great care not to get caught by the zealous stationmaster Inspector Gustave (Sacha Baron Cohen), who has a penchant for throwing helpless orphans into cages and sending them off to the worst sort of orphanage. Hugo has custody of a splendid automaton which his father (Jude Law) had been fixing up before his death – his task is to figure out what sort of mysteries it’s concealing by locating all the missing pieces to make it work, which brings him into the path of the station’s grouchy toy salesman (Ben Kingsley). It turns out the salesman has a secret past, and Hugo seems destined to meddle with it.

Grumpy toy salesman ahoy

The film’s visuals are indeed the best thing going for it: this homage to silent pictures works its socks off to convey a sense of wonder at the technical magic that is cinema. Sadly, somewhere in the mix they forgot to pep up the plot into something more than strangely slack. It was impossible to fault the sentiments at stake, but there was almost zero tension to the thing. Worse still, the cinema where I saw it was plagued with a couple of knuckle-draggers who hadn’t received the memo about the need to refrain from talking at full volume throughout a film you (and others) have paid good money to, uh, watch. Finally they left 30 minutes before the end – sweet relief… it was more enjoyable from there. But still, this film was far from a must-see: just a nice-to-see. Let’s see how it does at the Oscars!

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War Horse (Cheval de Guerre)

In a nutshell : A new guest on our blog, how fun ! Mme BP has seen War Horse in London, both the play and the new Spielberg movie. Could the great American director have lost his touch? … maybe, his movie is well done but lacks the charm and magic of his previous works, or of the stage version.

Avez-vous vu l’adaptation théâtrale de War Horse, le livre  pour enfants de Michael Morpurgo ? Non ? Alors peut-être pourrez-vous vous laisser tenter par le nouveau film de Steven Spielberg, sinon il vous sera très difficile d’apprécier véritablement cette interprétation guimauve de l’oeuvre.

Morpurgo était instituteur et son livre a été inspiré par les entretiens qu’il avait eus avec les vétérans de la première guerre mondiale qui lui avaient raconté combien la relation qu’ils avaient eue avec leurs chevaux pendant le conflit avait été proche et importante. Il avait aussi travaillé dans une ferme qui recevait les enfants qui ne partent jamais en vacances et il avait vu certains enfants raconter leurs secrets aux chevaux et avait eu l’impression que les chevaux comprenaient et répondaient. De fait de quatre à  huit millions de chevaux, sans compter les ânes et les mules, sont morts pendant le conflit, à cause des explosions et des tirs mais surtout à cause des conditions épouvantables de leur travail.

Le travail au noir, l'un des premiers problèmes des équidés.

Rencontrant le succès, le roman a été mis en scène en 2007 et les chevaux ont été représentés par des remarquables marionnettes géantes imaginées par une compagnie sud africaine. Quand on voit ce spectacle on oublie l’artifice au bout de quelques minutes tant les personnes qui les manipulent dansent quasiment invisiblement autour des chevaux. Et le spectateur suit l’histoire avec passion et émotion ; rares sont ceux qui n’ont pas les larmes aux yeux en sortant.

J’ai donc été voir l’adaptation de Spielberg, n’imaginant pas ce qu’on pouvait faire mieux et différemment.  Et de fait je crois qu’il faut voir ce film vierge de toute idée préconçue, même si je suis peut-être mal tombée quand je suis allée le voir. La salle londonienne s’était équipée en son digital, apparemment le nec plus ultra, et le résultat était si assourdissant  que j’ai été heureuse d’avoir mes boules quies dans mon sac pour pouvoir profiter du film sans y perdre un tympan.

Galoper vers la surdité

L’histoire originale est reprise avec quelques modifications : Albert, un jeune paysan du Devon adopte et dresse un cheval, Joey, dans la ferme de son père. Celui-ci est tellement intelligent qu’il permet à cette famille extrêmement pauvre de retrouver sa fierté face aux voisins villageois et de tenir tête au noble local qui veut récupérer les terres et le cheval . Malheureusement la guerre éclate et en plus des hommes, tous les chevaux sont mobilisés. Joey va alors traverser la guerre et  la France, galopant tantôt chez les Anglais, tantôt chez les Allemands, tantôt chez des paysans français. A chaque fois, soldats, palefreniers ou jeune fermière vont tomber sous le charme de ce cheval magnifique et tenter de le protéger même s’il subira les misères de la guerre de tranchée et celles dues aux capitaines bornés.

Je ne connais pas assez les chevaux pour avoir remarqué qu’ils étaient 12 ou 14 à tenir ce rôle, mais je dois dire qu’ils sont tous d’une noblesse et d’une beauté frappante.

Pour retrouver et ramener à la ferme son cheval, le jeune Albert (joué superbement par Jeremy Irvine) s’engage dans l’armée bien qu’il soit trop jeune. Il subit les combats jusqu’à la fin du conflit où ses retrouvailles, attendues et émouvantes, se font dans les tranchées.

Dans le fond, "Joey" prêt à la rapine (de cheval)

Quoique tous les personnages sont excellemment interprétés,  que les décors entre landes  et marais de Dartmoor et du Devon (où la majorité du film a été tourné) impressionnent, que l’histoire émeut, il me reste quelques réticences à faire de ce film le chef d’œuvre que nous annoncent les publicités de tous les journaux anglo-saxons! En effet, Spielberg ne se renouvelle pas, il refait E.T.  avec un équidé au lieu d’un extra-terrestre.  L’enfant est désormais adolescent mais le thème de cette amitié entre espèce est identiquement traité. Tout devient alors attendu ou téléphoné, ce qui me gêne.

De plus, le passage de la scène théâtrale à l’écran donne un résultat beaucoup moins poétique et bien plus choquant car tout doit avoir l’air réel. Je ne peux donc que vous encourager à aller voir la pièce, que j’ai adorée et que vous trouverez toujours sur les scènes de Londres, New York, Toronto et sûrement encore ailleurs, mais pour le film … mettons que Spielberg sait y faire si vous choisissez un cinéma où on n’a pas décidé de vous rendre définitivement sourd.


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Tinker, Tailor, Soldier, Spy (La Taupe)

In a nutshell: A marvelous cerebral spy thriller inspired by Kim Philby’s life and, maybe, the best adaptation of John Le Carré. Superb acting, beautiful cinematography, complex yet fluid scenario, it’s simply masterful.

Il est toujours ardu de définir ce qu’est une oeuvre d’art, un ami mien, un rien borgèsien, considère qu’une oeuvre d’art est une production techniquement achevée qui inspire tant, qu’elle parait complète et dans le même temps donne l’envie de découvrir les oeuvres qui l’ont construites. Selon cette définition, le film de Tomas Alfredson est une grande réussite puisque je me suis précipité sur le roman de John Le Carré, suis intéressé par les films qu’Alfredson a pu réaliser auparavant et prie pour que la suite des aventures de George Smiley lui soit confiée. Autant dire que je fais partie des enthousiastes de ce film. Je dois même ajouter que j’y suis déjà allé deux fois, je suis donc irrémédiablement conquis.

Tinker, Taylor, Soldier, Spy (1974) est le 7e ouvrage de John Le Carré et celui qui le mènera à la gloire tant critique que publique. S’inspirant de la vie de Kim Philby, agent double britannique haut placé s’étant enfui à Moscou en 1965, Le Carré recrée la traque de la taupe soviétique dans son roman. Celui-ci débute par la mise à la retraite précipitée du chef du M.I.6, Control (John Hurt), et de son adjoint le terne Smiley (Gary Oldman) après une opération désastreuse en Hongrie, ayant causé une crise de dimension européenne. A sa surprise, Smiley se voit alors chargé par le ministère d’enquêter discrètement sur les 4 nouveaux chefs du M.I.6, l’un d’entre eux étant sans doute un traître. Le perspicace Smiley découvrira alors qu’il reprend la dernière tâche de Control, celle qui a mené à la catastrophe hongroise, et que son ancien chef avait surnommé les suspects Tinker, Taylor, etc. en suivant une comptine anglaise connue.

Maître-espion, une situation assise.

Bridget O’Connor et Peter Straughan adaptent admirablement John Le Carré et réussissent la tâche difficile de simplifier sans abêtir,  de résumer sans contraindre, d’inventer sans trahir. La Taupe correspond en conséquence à son modèle de papier et retranscrit superbement la tension grandissante et la paranoïa qu’éprouvent les protagonistes de ce milieu clos que sont les services secrets. James Bond est loin, l’absurde et l’attente sont bien plus les compagnons de route des héros que les scènes d’action.

Pourtant le spectaculaire est présent à chaque instant par l’intensité avec laquelle tous les acteurs habitent leur rôle et font passer, minimalistes, des univers avec deux expressions. Les émotions sont sourdes, diffuses, précieuses. Voir Smiley se réfugier derrière sa nouvelle paire de lunettes et nager, quelque soit le temps, en plein air, la mèche immobile et le visage impassible en dit plus sur son caractère et son histoire que n’importe quel flashback sentimental et didactique à la Dame de Fer – un film hideux, répétitif, laborieux, mal monté, accompagné d’une musique dégoulinante, cet objet propose une version plate et sentimentale, sans contextualisation, de la vie d’une femme qui pourtant devrait potentiellement donner un film dense et puissant, mais à la place confine à l’arnaque, et le pire c’est que cela a du succès! Pardon, je m’égare -. Alfredson sait où poser sa caméra démontre une maîtrise de chaque instant et de chaque plan. Ce soin minutieux, maniaque, parfois à la limite de la stérilité, correspond à l’univers de Le Carré, soutient et densifie l’intrigue.

Comme B. Cumberbatch nous le disait : jouer avec G. Oldman c'est carrément "taupe"

Secrets de famille plus que secret d’Etat, La Taupe n’est pas le récit de la guerre froide mais l’exploration de la vie de ses soldats. Film sur la loyauté, l’amitié, la notion de l’engagement, le spectateur comprend vite que le milieu tribal de Smiley, empli d’implicites et de sous-entendus est le reflet du camp opposé et que l’ambiguïté règne maîtresse entre chacun de ses membres. Servi par la fine fleur des acteurs britanniques, il est impossible de ne pas admirer l’une des plus belles distributions du cinéma contemporain. Disponibles, intelligents, ils interprètent avec nuance et sophistication la complexité de personnages clairs-obscurs. Parmi eux, Benedict Cumberbatch, qui joue par ailleurs un merveilleux Holmes dans la série de la BBC Sherlock, et Gary Oldman impressionnent particulièrement. Modestes, ternes, presque transparents au début du film, ils se révèlent menaçants, brillants, puissants, voire explosifs sans que jamais leurs actions ne viennent déparer ce flegme bureaucratique qui les habillent et qu’ils incarnent.

Restitution fidèle de l’univers de Le Carré, hommage distancié à une Angleterre des années 1970, proche du cendrier de tweed et de béton orange, Alfredson nous offre l’un des plus beaux films de cette  année et peut-être l’un des plus beaux films d’espionnage tout court, en tout cas, l’un des plus délicieusement réalistes (à ce que je peux en juger). Je ne sais même pas ce que vous faîtes encore à me lire vous devriez déjà être au cinéma …

En résumé: Si les films d’espion vous plaisent, ne ratez pas ce film sobre, peuplé de comédiens talentueux, adaptation admirablement réussi du roman de John Le Carré.  

Tinker Tailor Soldier Spy is an elegant adaptation of the 1974 spy novel by John Le Carré. It’s set in the British secret service, where it turns out the very highest echelons have been infiltrated by a long-term Soviet spy who’s been inflicting considerable damage. Gary Oldman stars as retired agent Smiley, who is recommissioned to unearth the identity of the mole among the four suspects at the top of the service. These very different, if all somehow unappealing individuals, are deemed worthy of code names in this cloak and dagger investigation: the Tinker, the Tailor, the Soldier and the Spy.

Every day's a party at the British secret service

The tone is decidedly bleak and the tension is ratcheted up with masterful minimalism. Not a word or a gesture is out of place, and the actors are magnificent. But bleakness really infused the whole thing: isolated lives, encroaching on ultra-paranoia – and that bugging underlying existential question for some of the spies: at the end of the day, does it really change much which side you are on? Not an easy one to answer for some of them, while others are drawn towards fanatical loyalty to their ‘side’. Self-control and self-mastery are the watchwords throughout.

None of it exactly swept me up into a cinematic seventh heaven, but I can’t fault it for sheer classiness in its genre. And it’s inspired by a true story, to boot! Crazy spies…


Filed under Drama, Espionnage, Thriller

Tucker & Dale vs. Evil

In a nutshell: A very funny horror movie or a very gory comedy ; in any case, hard not to laugh and cringe at the most awful vacation taken by any group of college students or by any hillbilly enjoying a fishing trip. Better than Shaun of the Dead, as good as Sam Raimi’s Evil Dead, an instant (minor) classic!

Des générations de citadins, surtout s’ils sont jeunes, légèrement stupides et physiquement désirables, savent qu’il n’y a rien de plus dangereux qu’un bouseux, car il est de notoriété commune que celui-ci, surtout dans le monde anglo-saxon, passe son temps libre entra aventures incestueuses, zoophilie caractérisée, cruauté gratuite et rage meurtrière. C’est comme ça, c’est le cinéma de genre qui l’affirme. Ainsi de Délivrance aux Chiens de paille, de Bergman (La Source) à Tobe Hooper (Massacre à la tronçonneuse), il ne fait pas bon être candide et de passage dans une campagne loin de toute civilisation.

Un groupe de jeunes étudiants universitaires, éduqué par ces exemples, voit donc avec terreur que leur idée de week-end dans la nature est partagée par deux péquenauds au regard torve et à la chemise sale, Tucker (Alan Tudyk) et Dale (Tyler Labine). Ceux-ci, bien loin de se douter de leur sinistre aura, voient avec surprise que leur allure fait naître la peur et des réactions qu’ils n’anticipaient pas, alors qu’ils ne souhaitent passer qu’une semaine de vacances tranquille à pêcher, boire des bières et retaper une bicoque achetée pour quelques sous.

Attention, jeunes gens, l'abus de hache peut être dangereux pour la santé !

Comédie de situations, chaque action menant à des quiproquos toujours plus drôles et plus sanglants, les aventures de Tucker et Dale, sur la trame inversée de Vendredi 13, jouent sur les clichés du film d’horreur avec un talent au moins aussi grand que Shaun of the Dead ou Scream. Grand guignol à souhait, Eli Craig dirige avec maestria ses jeunes acteurs et, sans se prendre un instant au sérieux, suit l’une des partitions les plus rythmées et les plus intelligentes que je puisse imaginer pour ce genre de film. L’humour est bien entendu noir, bête et méchant (pour faire plaisir à Miss Dr.  J.) et le sang coule à flot. La parodie toujours ingénieuse fonctionne et réjouit.

Si la seconde moitié du film faiblit un peu, la puissance comique s’essouffle, l’ensemble reste de très haute tenue. Le premier degré jouissif choisi par le réalisateur rend (presque) crédible les situations abracadabrantes de ses protagonistes et le plaisir qu’il a, ainsi que ses acteurs, à jouer avec les conventions du genre donnent une épaisseur jusqu’aux dérapages les plus improbables. Il serait surprenant que ce burlesque Tucker & Dale ne devienne pas culte dans le sous-genre de la farce horrifique. Et je ne puis qu’encourager, celles et ceux (enfin, celle, hein, Mlle L.), qui sont sensibles à cet univers, le résultat devrait les enthousiasmer.

En résumé : Malgré des allures un peu glauques, ce film est un régal qui rappelle les dangers des préjugés: à voir!

As soon as I saw the trailer for Tucker and Dale vs Evil, I knew I needed to see this. Which was surprising, as slasher films and their ilk usually make me stressed out. But this looked brilliant, and it didn’t disappoint: it’s a hilarious spoof of the ‘privileged college students on camping trip meet deranged mass murderer’ horror genre. While on the face of it, it’s not one for anyone with a big aversion to gore – the trailer gives as much away – for fans of good old fashioned farce, littered with misunderstandings and unfortunate errors of timing, it’s a humdinger.

This actually isn't what it looks like.

Tucker (Alan Tudyk) and Dale (Tyler Labine) star as kindhearted country-folk with a hint of red about the neck, all excited to spend their vacation fixing up the dream wood chalet they’ve bought. It might be full of rusty farm equipment and doused in blackened cobwebs, but they set to, talking about girls and the best tactics for getting one – having just failed to impress a batch of college kids in a 4×4 at a gas station on their way to the woods. Unluckily for them, the same gang of students turn out to be vacationing right next door, and they are terrified. Soon enough, terrible accidents start to happen…

It strikes a cracking pace, with zingy performances all round. It had the audience laughing from start to finish, although it does trail off  a little in the second half, before pepping up again close to the end.  It manages to take a fairly hefty dig at prejudices and the tendency to jump to conclusions, and the scriptwriters clearly knew their stuff: highly recommended, and probably an instant classic in its genre.


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In a nutshell: Bit of a shame the animation is a bit botched but regardless, here’s a curious and interesting animated documentary about the life and work of Yoshihiro Tatsumi, the manga artist who coined the term gekiga, in 1957, and developed it as a new style of alternative comics for adults. Singaporean director Eric Khoo interweaves five of Tatsumi’s dark short stories in  an otherwise rather classical biography of the Sensei.

Partis pour aller voir Millenium, Miss J. et moi durent rapidement changer notre fusil d’épaule les aventures suédoises de Salander et Blomkvist continuant de combler un public plus nombreux que ce que nous imaginions. Comme Miss J. s’avère être docteure es bandes dessinées et moi, un honnête amateur, il paraissait logique d’aller découvrir le documentaire bédéphile du cinéaste singapourien Eric Khoo, dont les oeuvres ont pu retenir au fil du temps l’attention du festival de Cannes. Son adaptation d’Une Vie dans les Marges, autobiographie dessinée du vénérable mangaka, a ainsi été retenue dans la catégorie Un Certain Regard.

Yoshihiro Tatsumi est un aimable vieillard, né en 1935, dont l’influence fut majeure sur la bande dessinée japonaise. Admirateur passionné du grand Osamu Tezuka, Tatsumi copia son style pour, au fil du temps, s’éloigner des histoires pour enfant de son maître et proposer pour la première fois au Japon, des mangas s’adressant seulement aux adultes et dont les thèmes peuvent choquer. Un style nouveau était né, le gekiga. Rien ne remplaçant une illustration, surtout dans la BD, Khoo, intercale dans la biographie de l’homme, cinq de ses brutales, macabres ou perverses histoires courtes : matricide, mutilation, folie, adultère, pornographie, inceste, Tatsumi n’hésite devant rien, la tendresse de son trait enrobant suffisamment le tranchant de ses scénarios.

Illustration du bonheur d'une vie d'artiste

Afin de ne pas perdre ses spectateurs, Eric Khoo montre la vie de l’artiste en couleur tandis que ses oeuvres vont du noir et blanc le plus cru au sépia. Chacune des histoires proposées offre un contrepoint habile aux épisodes vécus par l’auteur et c’est un intéressant portrait parallèle de l’homme et de son époque, l’ère Shôwa (ère de “Paix éclairée”, 1926-1989), qui, littéralement, se dessine sous nos yeux.  Il est curieux de constater que le style choisi par Khoo plutôt que d’être fluide et travaillé, ressemble à une production japonaise bâclée aux mouvements heurtés, le dessin l’emportant toujours sur l’animation. Difficile en conséquence d’être pleinement séduit par les choix esthétiques du réalisateur et de vraiment se laisser prendre par les histoires pourtant puissantes de Tatsumi, toutes très Céliniennes, entre le conte cruel et le témoignage désillusionné.

A la fois biopic atypique, poétique et étrangement classique, entre échos, tendresses et obsessions, Khoo propose les portraits imbriqués de trois artistes – Tezuka, Tatsumi … et lui-même – ainsi que celui d’un pays traumatisé par la guerre, sa si vive renaissance et sa propre culpabilité à avoir choisi sans réflexion et donc surtout subi les deux.

En résumé : Tatsumi retrace la vie d’un des fondateurs du manga, en adaptant une sélection de ses oeuvres pour l’écran. Bien qu’un peu lent, c’est un film sensible et élégant. 

Tatsumi was a surprise viewing for us, as Millenium had sold out, and I hadn’t wanted to walk home filmless in the freezing cold. Tatsumi began at just the right time and actually had space, so in we went. Although it would never have been my first choice of film, I was quite glad we stumbled across it.

It’s an animated documentary about one of the founders of Japanese manga, Yoshihiro Tatsumi (born 1935), and we witness his artistic life in an alternation of autobiographical scenes and short adaptations of some of his key mangas. Turns out, Tatsumi was a shy country boy with a jealous, sickly brother, and a prolific manga artist whose material was increasingly dark and provocative. His was some of the first cartooning in Japan that was very much destined for adults, and he helped spark a manifesto to push manga forward aesthetically and into uncomfortable subject matter.

Taking refuge in creativity

In terms of the adaptations of his work in the film, we begin with Hiroshima and a man who believes he has found evidence of the very essence of Japanese family values: the shadows of a boy massaging his tired mother’s back just as the atomic bomb struck. It later turns out that it was a very different kind of scene indeed, and such shifts seem quite typical of Tatsumi’s fondness for undermining post-war reconstructive optimism in Japan. Later, we witness the gruesome death of a pet monkey, the humiliation of a sex-obsessed artist, incest, and more. The animation is often excessively grainy – a deliberate choice – and the tone is slack as well as sordid.

My overall impression was of an artist in tune with the outsiders of Japans’s heady economic reconstruction, who insinuated the failings of such growth through the isolated, difficult lives of the multiple characters he created. Reaching such heights of success in manga before the end of his life seems to have been something of a comfort for the decades he spent obsessively producing material, but resigned to obscurity.

The result was a thoughtful, respectful film in homage to an artist whose work I had previously known nothing about. I was glad to have seen it on the big screen, and was left with a vague itch to get out some pen and pencils and start drawing things – and to discover more of the world of manga.


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In a nutshell: Adrien Brody shines as a melancholic teacher facing another lost generation. Tony Kaye explores the world of education in a rather powerful yet simplistic fashion. We witness his hesitations between sensationalism and depth. The former prevails but the latter offers precious moments of grace.

Pour les prophètes de malheur, le naufrage moral d’une société se distingue le plus souvent par la manière dont se comportent les plus jeunes générations. Inquiet, le réalisateur et documentariste Tony Kaye se concentre sur le malaise enseignant dans un lycée encore coquet de la banlieue de New York, où les règles de civilité disparaissent, où les adolescents, en désespérance ou en colère, manquent de repères, où les parents sont absents et les professeurs épuisés et, à force, démissionnaires. Remplaçant professionnel, Henri Barthes (Adrien Brody, très bien) s’y retrouve un mois durant et se heurte à l’indifférence et à la hargne de cette jeunesse en déréliction.

Structuré en une suite de courtes scènes exposant ce croupissement de tristesse noire et le dévouement d’un corps professoral dépassé, le film ressemble à un catalogue, un état des lieux pessimiste et provocant sur l’abandon d’une volonté commune d’éducation et d’instruction. La dénonciation de Kaye est celle d’une société toujours plus orwellienne où le manque de discernement et d’intérêt des parents laissent la communauté locale et nationale en déshérence puisque les enfants ne sont plus guidés, mais, à le suivre, victimisés – quand ils devraient être punis – et sinon ignorés. Que ce soit en faisant face à l’énervement d’un jeune homme dans l’une de ses classes (voir extrait ci-dessous), que ce soit en s’occupant d’une prostituée mineure à la dérive (Sami Gayle), que ce soit en tentant d’orienter une élève mal dans sa peau tombée amoureuse de lui (Betty Kaye), ou de punir un adolescent assassin de chats, Barthes se heurtent à la violence et l’indifférence de notre monde contemporain, ainsi qu’à ses propres limites.

Les relations prof-élève tiennent parfois du cliché

Par le choix de l’empilement, de la collation aussi complète que possible de tous les signes (par Barthes … sic.) augurant le naufrage, Tony Kaye gagne en systématisme mais perd en profondeur. Il cède paradoxalement au monde qu’il condamne proposant un long clip et une multitude d’émotions, plutôt que d’offrir une piste d’envol à l’imagination ou à la réflexion de ses spectateurs. L’explication de chacune de ses saynètes au travers des monologues face caméra d’Adrien Brody sont au mieux redondants et l’on peut regretter le manque de subtilité, parfois de discernement dans les exemples sélectionnés par le réalisateur. La décision de choisir sa fille (par ailleurs convaincante) dans le rôle de l’élève incomprise par ses parents et attirée par son prof est également discutable, ou du moins peut amener à ressentir parfois un léger malaise.

Mais en dépit de ses faiblesses, le film convainc, par la qualité de sa distribution. Les acteurs adultes, en particulier Brody bien sûr mais également James Caan et Marcia Gay Harden, étincellent dans leurs rôles et permettent d’échapper de justesse au pompeux ou à l’édifiant. La qualité de la cinématographie et de la mise en scène offrent aussi quelques moments de grâce et de nombreux instants de grande beauté. Enfin, l’implication de tous, le refus de la guimauve ou de faire de la violence scolaire un spectacle, et la mise en avant de l’implication et du soin que mettent les enseignants à transmettre et guider séduisent et font finalement de ce film sombre, âpre et triste un moment de cinéma précieux et juste.

En résumé : Un film qui montre que pour enseigner, il faut du courage. Je m’en doutais déjà, mais bon…

Tony Kaye’s Detachment provides a vivid, if at times overwrought, insight into the world of teaching. How do you cope as a teacher when your classroom resembles more of a war zone than a place of learning? What if your students spit in your face, or threaten to have their mafioso friends gang rape you? Is there even a point in trying to deliver a class when it’s got this difficult? And how do you protect vulnerable students in the class from the bullies? And what to do if when you hold a parents’ evening, nobody shows up: where are the parents?

These are depressing, if important questions, to which substitute English teacher Tom Kaye (Adrien Brody)’s approach seems to be a good dose of existentialism. The film begins with a quote from Camus: “Jamais je n’ai senti, si avant, à la fois mon détachement de moi-même et ma présence au monde” – “Never before have I felt so detached from myself and so present in the world”. In his state of profound detachment, Kaye chooses to move from school to school, spending a few months at most in any given school in some of New York’s toughest boroughs. The film begins as he arrives for his latest assignment; he meets the worn-down principal, and encounters teachers who range from nervous breakdown to teeth gritting stoicism, to ‘happy’ pill-popping.

Another day, another tough crowd

The film may deal with teaching problem kids, but it’s no feel-good Dangerous Minds. There’s little focus on classroom management: we see Kaye telling the kids in his class that his only rule is that if they don’t want to be there, they shouldn’t come, and we see a kid threatening him with violence, but the rest is left rather blank. The focus is on how Kaye confronts his own extreme detachment, and gradually begins to make some disjointed connections with others, which eventually leads to him agreeing to reassess his stance, in extremis. Ultimately though it all feels like a bleak exploration of a thoroughly broken system, filled with callousness and disconnect, with splashes of humanity.

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Another Happy Day

In a nutshell: I don’t say this often, but this movie is a waste of space, energy and good will. It should be seen, though, as a proof of our own downfall, our decadence in considering this boring turd as a worthy example of a brilliant black comedy and a fine and convincing family melodrama. Yes, I am talking about you, French film critics … what is wrong with you, we need to talk and you need to stop taking drugs, like the protagonists of Another Happy Day.

Si l’on en croit la bande annonce et l’affiche française de Another Happy Day, il s’agirait d’une comédie, dans les faits, le premier film de Sam Levinson, 26 ans, fils de Barry Levinson, est un mélodrame putassier indigne dans lequel des acteurs habituellement talentueux cabotinent et prouvent qu’ils savent pleurer sur commande. Entre crises de nerf et gros sanglots, le scénario est un catalogue de disputes idiotes entre antagonistes caricaturaux et laids. Mention spéciale pour Ellen Barkin, qui un jour dût être jolie, mais qui a tant été retouchée par un boucher se faisant passer pour un chirurgien esthétique que ses lèvres ressemblent à une bouée égarée sur un caniveau et son visage à une publicité contre les ravages du botox.

"Publicitaire et mensonger"

Esthétiquement, la réalisation rappelle celle d’un étudiant qui aurait sué sur les techniques de la Nouvelle Vague sans les avoir comprises et qui n’aurait réussi qu’à additionner les défauts des répétitions d’un soap opéra aux langueurs d’un jeune fat qui aurait mal digéré les leçons de Cassavetes. Il me parait incroyable qu’un objet si vulgaire, étalant les heurts et malheurs d’une société protégée, privilégiée mais illettrée et décadente rassemblée autour d’un mariage et ne réussissant jamais à s’éloigner des poncifs, ait pu obtenir tant de critiques positives dans la presse française. Et je ne peux m’empêcher de voir l’être réactionnaire tapi au fond de moi s’éveiller avec fureur devant les grossièretés que l’on fait passer pour mots d’esprit, la brutalité pour rébellion, l’acceptation d’une agressive médiocrité pour de la tolérance et de l’empathie.

Non, avoir un jour vu la pièce de Beckett à laquelle le titre du film rend hommage n’est pas signe d’intelligence. Les névroses ne sont en rien des preuves d’une quelconque profondeur. La souffrance n’est pas témoignage de noblesse. A l’instar du personnage insupportable de méchanceté et d’arrogance interprété par Ezra Miller, une facilité d’expression et un fond de culture ne sont pas des signes de génie, et le seraient-ils qu’ils ne pardonneraient rien. Le génie n’excuse pas le manque de courtoisie le plus élémentaire. On peut pardonner celui des protagonistes, leur bassesse leur est imposée, plus difficile de tolérer celui du créateur et de ses thuriféraires. Il faut à un moment savoir respecter son public et, si possible, l’élever, le confire dans la médiocrité sous de fausses audaces et une maturité factice est délétère et hideux.

Ce film n’est pas mauvais, il est toxique.

S’il y avait un doute, je n’ai pas aimé.

En résumé : Un mélodrame spectaculairement raté, qui me donne presque envie de m’excuser auprès de l’Amour dure trois ans.

Soon after Another Happy Day began, I realised it had perhaps been a mistake not to have kept my powder drier when I reviewed L’amour dure trois ans. Things could, it turned out, have been much worse. Another Day, spawned by Sam Levinson, takes ‘unspeakably dire’ to uncharted depths – and as can be read above, it has even pushed Monsieur D into unstructured, thundering condemnation.

What’s particularly annoying about this debacle is that it is shockingly mis-sold: the trailer promises an offbeat family COMEDY, a ‘mindblowing’ and intelligent one at that, stitching together all the ostensibly comic parts of the film into something reasonably intriguing. It’s like one of those holiday brochures promising palm fringed beaches, failing to mention that the whole resort has been trashed by high-rise sardine can condos filled with tanked up club 18-30 holidaymakers, and that the sea is 90% plastic bags and raw sewage.

A party to miss

Ellen Barkin stars as messed-up mother Lynn, who appears to suffer from borderline personality disorder and inflicts her self-loathing and poorly repressed narcissism on anyone within striking distance. She takes two of her children, the obnoxious, drug-crazed Elliott (Ezra Miller), and his supposedly autistic younger brother Ben (Daniel Yelsky), to the wedding of the son she lost in a custody battle, and it all centres around just how miserable this extended family can make one another in the space of a few days. Pretty miserable, it turns out.

It all takes itself far too seriously, is overwrought and excessively melodramatic, and makes for lumpy, depressing, indeed toxic viewing, as Monsieur D has put it. There isn’t a single likable character, just epic amounts of wallowing and downmarket decadence. The one thing I got from it is that there are painkillers out there sixty times stronger than morphine, and that they apparently make your eyes roll back in your head and increase your chances of drifting off to sea on an inflatable dinghy, only to be unfortunately rescued. And that senile grandfathers and lawnmower driving don’t mix. But I’d have preferred to get that from Wikipedia.

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Sherlock Holmes et le Collier de la Mort

In a nutshell: Mlle L.’s new style is wearing a woolly hat and smoking a pipe, she then insists on presenting movies in which her tastes for clothing find a match … After her defense of Guy Ritchie’s horrible wreck of an adaptation – think of a dull Mission Impossible in the 19th centuryshe proposes Christopher Lee instead of Robert Downey Jr. to fill in the shoes of the great Sherlock Holmes. May Conan Doyle rest in peace (pieces?).

En résumé : Un film en noir et blanc hésitant entre la série B et la série carrément Z ? Aucun doute, Mlle L. réinvestit son 3 Buck DVD Corner et après avoir (bizarrement) porté aux nues le très médiocre (et c’est rien de le dire) Captain Europa contre l’infâme Moriarty (ou un truc du genre) du pompier Ritchie, elle propose une adaptation plus classique de Sherlock Holmes. Ou pas. C’est à vous de voir par ici.

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