Monthly Archives: October 2012

Robot and Frank

In a nutshell: A sweet story about old age and forgetfulness, also with a robot.

Pour un premier film, Jake Schreier réussit un joli exploit : composer un film amusant, intelligent et sensible, sans prétention particulière. Cette modestie de bon aloi permet d’éviter le mélodrame pourtant tentant, et de pardonner le manque de souffle d’une histoire très classique où un vieil acariâtre est gentiment apprivoisé par un chien/un chat/un enfant (vérifiez le catalogue Disney) qui lui redonnera le goût de vivre et de partager. L’originalité tient ici à ce que le protagoniste est un robot ce qui permet à Schreier (et son scénariste Christopher Ford) de développer en filigrane une réflexion sur la robotisation et l’informatisation de notre intimité tout en se concentrant sur la question de la mémoire et de la réalité des sentiments qui se retrouvent au coeur du film.

Il a encore oublié le chocolat …

En effet, Frank (Frank Langella superbe comme toujours), monte-en-l’air vieillissant, est atteint de la maladie d’Alzheimer ce qui pousse son fils (James Marsden) à lui offrir un robot (voix de Peter Sarsgaard) qui s’occupera de lui et de sa maison. Très rétif, Frank finira par apprécier, mieux, aimer son petit camarade travailleur (après tout, c’est ce que signifie “robot”) dont la franchise soulignée par le titre (Robot and Frank peut signifier “Robot et Frank” et “Robot et sincère” en anglais) le séduit.

Film attendrissant, à l’encontre des clichés américains sur une robotique menaçante (pensez Terminator ou même Moi, Robot), M. Schreier choisit une philosophie nippone où les robots sont plutôt de précieux soutiens. La fable, rafraichissante et charmante, et la solidité de la distribution (comment ai-je pu attendre jusqu’à ce dernier paragraphe pour citer Susan Sarandon ?) devrait vous offrir un moment passager, volatile mais plaisant de douceur souriante, un rien mélancolique.

En résumé : Un film original, doucement comique et un brin mélancolique sur les relations entre un patient d’Alzheimer et son robot aide-soignant. Ca aurait pu être casse-gueule, mais ça marche. 

First-time director Jake Schreier’s Robot and Frank is set in a near future where meticulously programmed robots offer top notch care for the elderly. Frank (Frank Langella) suffers from Alzheimers and is given just such a robot by his harried son Hunter (James Marsden). As a reluctantly retired lifelong heist-master, Frank is initially grumpy about his new companion, but brightens considerably when he realises a glitch in its programming makes it the perfect robbery accomplice. 

“This outing is clearly very good for your hand-eye motor coordination skills, Frank”.

The ensuing story is gently comical, touching and quite thought-provoking too. In many ways the robot is able to offer ‘pure love’ to Frank – its programing is such that its every action is designed to further his ward’s wellbeing. When Frank’s well intentioned daughter Madison (Liv Tyler) tries to step in and offer a ‘human’ touch, it’s quickly clear how much more flawed the care she has to offer is. Frank quickly relates to his robot in a way that outshines all his existing relationships.  As an audience you’re invited along with that identification process.

There are strong performances all round, and while there’s nothing quite earth shattering on offer, it had a very decent backbone to it, numerous twists of originality, and more than enough to leave a lump in your throat without having you heaving with nausea in the wake of an overdose of melodrama. More than worth a watch!

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Taken 2

En résumé : Si, comme Mr. J.A., vous avez aimé l’original, vous aimerez Taken 2. Car Liam Neeson sait admirablement incarner ce que Bryan Mills, héros récurrent bourru, fait de mieux : péter la gueule du plus grand nombre, avec style.

I admit to having felt a bit perplexed initially at the notion of Taken 2, given my memory of its 2008 predecessor, in which ex-CIA agent Bryan Mills single-handedly rescues his kidnapped daughter from human traffickers intent on selling her into sex-slavery, leaving a trail of shot, stabbed, drowned, bludgeoned and electrocuted bodies in his wake. The most pertinent question for me then was, “Why, oh why, do people keep taking things from this man? You know, I think he made it pretty clear last time that he does not like it when you take things from him. Stop that, bad guys!”

Then I watched the trailer.

Ohhhhhhhh. I see. The bad guys are taking him hostage. Well then. With that out of the way, it’s time to watch more old guy who’s really good at relentlessly kicking ass.

To summarize the plot, the bad guys in Taken 2 are a group of Albanians out to avenge the deaths of the people Mills killed in the first film. They determine that he will be in Istanbul soon, so hatch a plan to kidnap him there so they can take him back to their tiny mountain-top village in Albania and kill him (apparently, these kinds of bad guys can cross international borders with little more than a stern look at the border guard, so it totally makes sense). As luck would have it, Mills’ ex-wife and daughter have decided to join him in Istanbul for a holiday, so bonus–the bad guys decide to kidnap all of them. Without giving too many details away, that’s not quite the way things work out, and Mills spends the rest of the movie shooting, stabbing, and bludgeoning (but not electrocuting) these guys too. It’s awesome. Liam Neeson is convincing as both the over-protective father as well as the semi-retired freelance tough-guy.

Liam Neeson with a reviewer who didn’t enjoy “Taken 2”. Good for us, Mr. J.A. liked the movie.

There were some moments that strained credulity more than usual though. For example, I learned that:

  1. It always helps to have a mental map of the entire city of Istanbul so that you can relay directions to your ex-wife or daughter. Who knew?
  2. When kidnapped, blindfolded and dumped in the back of a van, make sure you have a really loud watch to help you count the seconds along with right and left turns out loud in order to estimate the distance travelled.
  3. People strung upside-down after having their throats slashed take exactly 30 minutes to bleed to death, so you’d better hurry—tick tick.
  4. Be sure to have an adequate supply of grenades on hand so that your daughter can throw one into a carpark (but only if no one seems to be there) so that you can triangulate your position by counting the lag between the boom on the super-spy cellular phone that you pulled out of your sock, and the boom outside. So, why doesn’t the super-cool spy-phone come with GPS?
  5. When you’re speeding a stolen taxi up the the front gates of the U.S. Embassy and the soldiers guarding it are now pelting you with a .50 cal anti-material machine gun, just duck your head behind the steering wheel. You’ll be fine. Really.

Nonetheless, Taken 2 was entertaining and worth the price of admission. Now I’m left wondering about the plot of Taken 3. What’s left for the bad guys to take? His dog? His TV remote? The last chocolate chip cookie?

Et de fait … Luc Besson, producteur, a annoncé que la série serait un diptyque. (Note de M. D.)

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Camille redouble

In a nutshell: Camille rewinds is a very charming and delicate remake of Coppola’s Peggy Sue got married. Lvovsky proves to be a stellar actress and a very decent director. She delivers in her sweet sort of anti-nostalgia flick a very pleasant, though ephemeral filmic experience. 

Peggy Sue s’est mariée et Coppola serait sûrement fier de ce remake français (s’il était avoué) où la charmante et talentueuse Noémie Lvovsky reprend fidèlement, malgré ses dénégations pitoyables et certainement liées à des questions de droits non réglés, le classique américain pour l’adapter à la France contemporaine. La Saint Sylvestre est l’occasion pour Camille (Lvovsky) de noyer son chagrin dans l’alcool : sa vie professionnelle de comédienne au rabais ne la satisfait plus et sa vie personnelle est pire encore, son mari et seul amour (Samir Guesmi) la quitte pour une jeunesse, fatigué de ses ivresses et de son sale caractère. Imbibée, elle s’effondre pour se réveiller à l’hôpital 25 ans plus tôt, en 1985 (tiens, tiens, mais en quelle année Peggy Sue fut réalisé ?) ; elle a 16 ans, du moins c’est ainsi que les gens la perçoivent … commencent alors une émouvante exploration de son adolescence, de ses codes, de ses expériences, et la réalisation de l’ineluctable au coeur de son passé.

Ecce homo : tellement ineluctable que cela en devient nietzschéen

Inégal – le générique est l’un des plus beaux vus ces dernières années, tandis que la dernière demi-heure patine -, Camille redouble fonctionne néanmoins très bien et retranscrit admirablement les émotions de cette nouvelle adolescence entre dévoilement et nostalgie revisitée. Servis par des dialogues malins, les acteurs s’en donnent à coeur joie et étincellent autour d’une superbe Lvovsky, crédible à 40 ans comme à 16 : Michel Vuillermoz et Yolande Moreau, en parents aimants et dépassés, sont par exemple absolument merveilleux, les copines adolescentes caricaturales mais attrayantes et Vincent Lacoste dans un rôle à contre-emploi tout à fait amusant. Frais et touchant, Camille redouble divertit beaucoup et fait réfléchir un peu ; bref, c’est un film qu’on voit sans déplaisir et qu’on oublie sans effort.

En résumé : Vous avez envie de (re)vivre les années 1980 le temps d’une comédie romantique ? Je vous conseille sans hésitation cette oeuvre, où Camille a la grande surprise de se réveiller à nouveau adolescente, avec toute la nostalgie qui vient avec.  

Camille redouble directed by and starring  Noémie Lvovsky, is a conscientious and eminently watchable homage to the 1985 romantic comedy Peggy Sue Got Married. She plays forty-something Camille, who has a taste for the tipple, a sputtering career as an actress, and monumental relationship problems. After a particularly heavy bender of a new year’s eve party, she wakes up to find herself back in… 1985, just at the time she first met the source of her future miserable couplehood.

Those were the days

There’s of course a lot of time simply spent touching her parents’ faces in starry-eyed wonder, which of course spooks them. But Camille quickly settles back into teenage life and is able to make some significant adjustments to her current ways of seeing her life. Before this all starts to sound a tad heavy-going, it’s leavened with plenty of nostalgia comedy courtesy of the 1985 time travel, and some excellent supporting acting in the form of Camille’s high school friends. Camille’s ‘savvy-40 year-old-in-a-teenager’s-body’ is put to good comic effect, too, especially in terms of her latterly acquired sexual assertiveness in a world populated by gawky and self-conscious adolescent boys.

She can’t mean us, we’re smooth as…. Hurhur

It also works very well that Camille remains her 40-year-old self post time travel. No one seems to notice, but she is indeed still forty. She maintains a degree of tender, ironic detachment from her teenage life, and this is used well for humorous leverage. That said, the film’s not devoid of its slow patches and it is often saved by gags from the sidelines – Camille’s histrionic, wild-haired drama teacher is a particularly rich source of these. The end wilts somewhat, but the aftertaste is a good one – and Lvovsky is on fine form, pulling off what has proven to be one of the clear hits of the 2012 rentrée.

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The We and the I

In a nutshell: A bunch of mostly unpleasant teenagers drive back from school in a never-ending bus trip. Crass and without empathy (Big Brother meets an ants’ farm on wheels), The We and the I led me to want it to end as a remake of Speed, with a small difference, very quickly the bus should have blown up. Michel Gondry’s worst movie so far (and he should be ashamed). 

Parfois Mlle L. se lance dans des diatribes enflammées, Miss J, moins atrabilaire fera plutôt preuve d’une ironie mordante ou se montrera boudeuse, c’est à mon tour d’exprimer ma colère, ce film me déplait. Il m’horripile. Exercice de style profondément agaçant, Michel Gondry fait un film animalier dans un lieu clos, un bus, qui ramène chez eux des adolescents du Bronx lors de leur dernier jour d’école. A noter d’ailleurs que ce doit être le parcours de bus le plus long du monde puisque la nuit finira par tomber, s’installer et s’étendre – j’ai été surpris qu’il n’ ait pas eu de plein à faire tant il fallut rouler. Le concept d’école de proximité a apparemment, dans le Bronx, un bel avenir devant lui.

Pour traverser le Bronx en bus, comptez trois semaines.

Manquant singulièrement d’empathie, Gondry nous présente une galerie de personnages, tous plus tristement communs les uns que les autres, tous sans épaisseur ni attrait, on aurait des singes, des limaces ou des dauphins que le résultat aurait été le même. Mieux même, car on ne peut pas accuser un dauphin de banalité. Car loin de nous mener à aimer ses protagonistes, il nous les présente en les désincarnant, les transformant en marionnettes bouffonnes, utilisant notamment de petits clips bricolés “à la Gondry” capillotractés. On ne peut donc s’empêcher de se foutre éperdument des états d’âme de (pardonnez les termes mais c’est ce dont il s’agit) la petite pétasse ou de la racaille bornée qui, en fait, aurait sensibilité, intelligence et coeur. J’ai vu plus de finesse dans n’importe quel feuilleton pour adolescents (prenez le teen drama que vous préférez) et plus de compassion dans le Loft, ou chez feu Delarue.

Logorrhéique plutôt que bavard, le film n’a même pas le courage de sa vacuité et se drape dans un discours socio-philosophique fumeux voulant qu’en groupe, l’adolescent (généralisons à l’être humain) hésite entre le sauvage et le crétin en groupe (The We) alors qu’il se révèle profond, réfléchi et doux une fois rendu à la solitude (The I). Mais Gondry fait surtout remarquer sa fascination pour les brutes (le bully) et admire incivilités et abrutis braillards. Cette attirance se remarquait déjà dans Le Frelon Vert et son attraction pour le personnage de Seth Rogen mais ici elle se manifeste douloureusement pour le spectateur à qui l’on impose la vulgarité bonhomme des jeunes et cruels caïds du fond du bus.

Car derrière le bouffon, il y a l’homme !

Chapitré, le film, sans scénario, dérive de l’agitation grossière (première partie) au pitoyable (troisième partie), en passant par le didactique (les adolescents ont des sentiments et peuvent être éprouvés par la vie – harcèlement sexuel, tromperie, solitude, incompréhension, abandon … – ; faites-moi sauter ce bus qu’on abrège leurs souffrances et les miennes). Pour séduire le gogo, Gondry joue sur la forme et inclut, malin, vidéos de YouTube, ping-pong de textos, moments volontairement burlesques et, donc, trucages bricolos, tout en revendiquant un esprit presque documentaire puisque tous ses acteurs sont amateurs et faisaient partie du même lycée. Ah, si Pialat était un hipster … Foutaises et artifices, seule la bande originale, très hip hop, est d’un intérêt mineur.

Pour l’exprimer autrement, ce croquis social sonne faux, pire, je le trouve même insultant pour ses protagonistes. Je nourris en conséquence de grande crainte pour la suite (L’Ecume des Jours avec Duris et Tautou, dois-je en dire plus …). Soyez sympa, M. Gondry, rembobinez et offrez-nous à nouveau du soleil plein la tête plutôt que de la … plutôt que ça !

En résumé :Le Oui ?! et le Aïe !!” Ce huit clos de Michel Gondry dans un bus plein d’ados désagréables ne vaut vraiment pas le détour.

The only thing this film gives to understand for sure is that director Michel Gondry has lost the plot, while taking a bus full of spectacularly annoying US high school students from the Bronx along for the ride. I had put my faith in the power of the Eternal Sunshine effect – that film was so good I’d hate to miss another pearl from Gondry – but alas, that hope was dashed. (Again. To a worse extent than last time time. Cf The Green Hornet).

“If I pull my hood right over, maybe no one will ever spot me in this terrible excuse for a film…”

In terms of content, it was both nasty and dull. Monsieur D was besides himself, and so was I, right beside him (taking up more than our fair share of seats). The trailer already gave some cause for concern, threatening a feature-length huit clos in a bus full of exceptionally moronic high schoolers traveling the 3000 miles it apparently takes to get home from school when you live in the Bronx. These are highly authentic teenagers, using actual YouTube clips of them doing hilarious things like slipping on parquets, complete with a never-acted-much-before-and-it-shows cast.

The ‘deep’ part? The teenagers are usually a lot nicer as individuals than they are when they hang with their homies. In the latter case, they do things like throw yoghurt in old ladies’ faces, making out that it’s their own jizzum. On their own, they look like someone took their batteries out and are therefore slightly less insufferable. End of newsflash. A downmarket Lord of the Flies with Ipods pretty much sums it up.

 

Quite the spectacle

The whole shambles appears to be an outshoot of glorifying navel-gazing self-expression, at the expense of all other considerations such as educating idiots into not stuffing their half-eaten slices of pizza down the back of the seat of a bus. It’s embarrassing for all involved, and I can’t figure out whether Gondry was being spiteful or clueless. Either way, I’m in full agreement with the burgeoning crowd of people ranting on Allociné about how much old tripe it is.

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Les Saveurs du Palais

In a nutshell: Fooooood! Fooooooooooooood! Fooooooooooooooooooooooooooood! Sorry, where was I? Oh yes, Les Saveurs du Palais will mostly make you hungry and regret that Catherine Frot, as often simply wonderful, doesn’t have much more to bite on.

Votre verre est-il à moitié vide ou à moitié plein? Vous en déciderez en voyant ce film mi-cuit dont les qualités sont écrasées par des défauts grumeleux ne vous laissant au final qu’une faim persistante et l’envie pressante d’aller casser votre tirelire dans un grand restaurant. Le film brode autour de l’histoire de la périgourdine Danièle Delpeuch – dans le film Hortense Laborie, interprétée par une impeccable Catherine Frot -, un jour convoquée au Palais de l’Elysée sur les recommandations de Joël Robuchon pour s’occuper des cuisines privées du Président de la République, avide de la cuisine authentique qu’elle sait si bien préparer. Une telle offre ne se refuse pas et la cuisinière se retrouvera plongée dans un monde d’officines, de jalousies, de coups bas et de grande solitude qui finiront par l’affecter durablement et la faire démissionner pour aller ensuite se réfugier comme cantinière d’une base scientifique en Antarctique dans les îles Crozet. Là, la vie rude et la camaraderie bourrue des hommes autour d’elle lui permettront un nouveau départ.

Une hésitation entre carottes élyséennes et Antarctique où les potes iront.

Le sel de cette fiction tient aux coulisses du pouvoir et le parallèle implicite entre tambouille et cuisine politique, en cela les face-à-face orageux entre le chef de la cuisine centrale et celle qu’il surnomme méchamment la Du Barry ou ceux rapides entre le Président – un Jean d’Ormesson charmant et glacé, parfait pour incarner la majesté et la décrépitude mitterrandienne – et sa cheffe de cuisine sont éloquents et savoureux. Malheureusement ceux-ci ne forment qu’une moitié de film, puisque Christian Vincent, réalisateur ici peu inspiré, a décidé de suivre platement les règles du biopic qui aujourd’hui exigent des allers-retours incessants entre une situation présente et des flashbacks chronologiques qui expliquent le plus souvent lourdement comment on en est arrivé là. Problème de taille le présent en Antarctique n’a aucun intérêt et chaque retour à celui-ci affadit considérablement le film tant les scènes présentées sont factices et superflues.

Un film tiède, donc, où l’ode au terroir et à la gastronomie creuse l’appétit mais passe à côté des enjeux scénaristiques et symboliques d’une telle histoire. Ni la joie, ni la souffrance de cette femme intransigeante et passionnée confrontée à un univers bien plus brutal, rigide et machiste qu’elle ne pouvait l’imaginer ne nous sont véritablement transmises. La tension dramatique est faible pour ne pas dire inexistante et la vision de la République vue des cuisines hésite entre quasi nostalgie monarchiste et simplisme presque incongru. On reste sur sa faim en dépit des délicieuses recettes d’Hortense à faire saliver un sphinx, voire une fraise des bois.

En résumé : Que de délices! Que de délices! Vive la gastronomie française!

Les Saveurs du Palais is based on a true story from the Mitterrand era. It stars Catherine Frot as Hortense, a virtuoso in back-to-basics French cuisine, who to her astonishment is called on by the president (Jean d’Ormesson) to take over his private kitchens, much to the chagrin of the existing Elysée chef. She’s a strong woman who can usually lay down the law, but comes up against hefty doses of sexism, incredulity and scorn.

“Get out of my kitchen!” “No, you get out of MY kitchen!!” “No, YOU get out of MY -“… blah, bloof, ploof, plaf

The plot wears a little thin, and gets a tad wearisome in terms of its ‘flashback’ formula whereby Hortense has absconded to Antarctica to recover from her spell in Paris. I can sympathise with her choice, especially if riding the 86 bus with three times as many passengers as can surely be safe, but the flashbacks achieve little more than spoil the film’s momentum. And it irritates the bejeeps out of me when it incorporates an ‘Australian’ journalist (Arly Jover) speaking English with a foreign accent you could cut with a bread knife. Come on, Aussie actors surely need the work too?

Now the griping’s out the way, let’s move on to why this film can be forgiven for all that nonsense and more: THE FOOD.

Oooh

Eat plenty before you go, bring snacks, and rush off to a superb restaurant afterwards, because this film is a long string of mouthwatering shots of French cuisine at its most resplendent.

Aaaah

Truly enough to make you drool, sigh and quite possibly cry if it’s been a while since you’ve eaten anything so beauteous as the dishes that are paraded before your eyes.

Whimper

Far better than that Julia Child film.

Mmmmm

All of which makes for a very lucky, albeit alarmingly decrepit, president.

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