L’écume des jours

EDJCe n’est plus un hiatus, c’est presque une retraite. Miss J. et moi-même avons une vie trépidante et, à notre grand dam, n’avons réussi à faire vivre ce blog dont nous sommes si fiers et que vous avez la gentillesse de suivre en dépit de nos absences. Mlle Amber, une grande dame, vient à notre secours et partage son scepticisme devant le dernier opus de Michel Gondry. L’écume des jours, plutôt L’écume du snore (des ronflements) selon ses mots. Adapter Boris Vian … une gageure !

Il va falloir s'accrocher.

Il va falloir s’accrocher.

I had my doubts about this film before it even started. A wild haired woman accosted us as we waited for the INCREDIBLY SLOW staff and the lovely new Louxor cinema to serve us a drink. « this book had a most lasting affect on my life » she sighed.  Upon finding that I had not read it she gasped, looked visibly shocked and instructed me to not go in until I had. I did not take her advice. I should have. I can only presume that the book is full of wonderful and creative madness, where anything is possible in a surreal Paris, where a piano can make you a cocktail and people drive in transparent cars while anthropomorphic mice live in a parallel world.

One way to Cloud 9. Not!

One way to Cloud 9. Not!

Sadly the only truly magical thing about this film was the budget – ‘wow’ you felt yourself thinking how much did it cost to have Roman Duris, Audrey Tautou, Gad Elmaleh and Omar Sy all in the same film? And they filmed in Paris, and they have loads of special effects!  If you liked the Science of Sleep then you might like Gondry’s particular brand of faux naïve, cutesy effects. Or not.

Faux romanticism ... shudder with Tautou

Faux romanticism … shudder with Tautou

Anyway the film – wealthy playboy Colin (Duris) meets kooky girl Chloé (Tautou), they fall in love and literally fly over Paris in a goddamn cloud. Meanwhile their gang: Nicolas, chef /butler/sex symbol (Sy) and Duris’ best friend Chick (Elmaleh) who embodies the meaningless of work and is addicted, literally, to the written word, gad about on killer ice-rinks or dog parties or other absurd things. Poor Audrey simpers and coughs, she has caught a flower (don’t ask), Duris splashes the cash until it runs out and their magic world literally decays and crumbles around them. He is even forced to get a job. He tries to save his love, but testimony to this being a French film he shags her best friend Alice (Aïssa Maïga) while she is putting on some mascara (sadly and badly). How sad. Thankfully Tautou dies in the end and her body is unceremoniously thrown into a mass grave. Phew.

Chick but not elegant

Chick but not elegant

Luckily while all this goes on you can distract yourself by playing spot that spot – “Oooh the communist building at Colonel Fabien”, I stage whisper to my boyfriend, “that herb place on rue d’Amsterdam” he shoots back, is that the Buttes Chaumont? We continue like this for the rest of the film.

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In a nutshell: “Argo f*** yourself” is what Ben Affleck could have said to the Academy receiving his Oscar for best movie. The film is a bit like the formula: efficient, punchy, humourous, not as original as it wished to bit and a bit rough around the edges, but overall a very decent watch.

Ne parler qu’aujourd’hui d’un film vu il y a bien deux ou trois mois tend à prouver la difficulté à tenir un blog, avoir un métier, des amis, une vie familiale … alors que Franglaisreview s’approche tranquillement des 100’000 visites, mon respect pour les blogs constants et nourris ne cesse d’augmenter. Respect qui a dû grandir parallèlement à Hollywood ou l’une des activités favorites des journalistes étaient de se moquer de Ben Affleck et lui préférer son compère Matt Damon. Le réalisateur a supplanté l’acteur sympathique mais aux capacités mesurées et le “socialite”, dix ans de mariages et trois films l’ont imposé comme un talent sur lequel l’industrie cinématographique peut compter.

Même si niveau lecture, ce n'est pas encore ça, niveau caméra, il se débrouille ...

Même si niveau lecture, ce n’est pas encore ça, niveau caméra, il se débrouille …

Argo raconte l’étonnante histoire de ce groupe d’Etats-Uniens, diplomates à Téhéran, qui s’enfuirent de l’ambassade lors de sa prise en 1979 et allèrent se réfugier chez un très courageux ambassadeur canadien. Mythe national oblige, c’est un agent de la CIA, Tony Mendez, qui alla les chercher utilisant comme couverture la production d’un film de sciences-fiction. Pour ne pas se faire repérer, il construit avec l’aide d’amis hollywoodiens patriotes une coquille présentant une façade officielle à ce projet factice. Mark Twain le disait déjà: “La seule différence entre la réalité et la fiction, c’est que la fiction doit être crédible”. Mendez pourra donc ensuite aller sauver les 6 diplomates en les faisant passer pour l’équipe du film. Le président Carter, encore récemment, soulignait à quel point il avait apprécié Argo, mais que l’interprétation de Ben Affleck ne rendait pas justice au travail et à l’action du Canada, pour lui acteur bien plus important que les Etats-Unis en l’occasion. Peu importe, l’histoire au cinéma est belle et l’absurdité de la situation face à l’ampleur des enjeux interpelle et passionne.

Construit sur un rythme sec, Affleck réussit à trouver l’équilibre approprié entre sourire et tension et fait preuve d’une grande maîtrise dans le montage. La narration est haletante et la distribution solide et distrayante. Goodman ou Arkin (presque) sans cabotiner offrent des moments d’anthologie à une caméra classique mais attentive et aimante. C’est cette énergie qui sauve le film d’un académisme parfois pesant et d’un didactisme manquant parfois de nuances, car ces quelques aspérités sont gommées par l’habileté du réalisateur à nous faire revivre un événement de l’intérieur. Très influencé par Michael Mann, Spielberg et probablement Pollack, Affleck fait preuve d’aplomb, peut-être trop, mais démontre qu’il maîtrise solidement les règles et les standards hollywoodiens. Rien de plus normal qu’il soit alors reconnu et récompensé. Le film est consensuel, mais il est de très belle facture, on comprend le choix de l’académie.

En résumé : Un polar diplomatique qui rappelle que la réalité est souvent bien plus bizarre que la fiction. Ben Affleck se montre un réalisateur doué, et les Oscars le récompensent à raison. 

Ben Affleck’s Argo is based on a real life rescue mission from the 1979 Iranian revolution, when the American embassy in Teheran found itself besieged by furious protesters. Desperate attempts were made to shred the embassy’s documents before it was breached,  but time ran out, and the vast majority of the embassy workers was taken hostage. A lucky few, however, managed to flee the chaos engulfing the premises.

These quivering escapees were given refuge in the Residence of the Canadian ambassador, steadily brewing up a severe case of cabin fever while the CIA wracked its brains as to how to get them out of the country, and the Canadians proved the most stalwart of allies under severely pressing circumstances. The Americans eventually hit on a remarkably left-field approach: to try and smuggle the embassy workers out by passing them off as a science fiction film crew scouting out Iran, of all places, for some decent desert footage.

"Please don't take me to your leader".

“Please don’t take me to your leader”.

The science fiction project is named Argo, and it acquires its own script and press releases with all the professional shizazzle you’d expect from a kosher Hollywood movie project. Once the props are in place, it’s time to get into Teheran and to get the Americans out. Ben Affleck plays operation leader Tony Mendez, the CIA ‘film director’ behind this surreally intricate ruse. Strong performances all round help to keep you on bemused tenterhooks throughout this well crafted portrayal of one of the more astonishing sides of a Middle Eastern diplomatic crisis.

It all makes for an exhilarating watch and its 2013 Oscar success is well deserved – Franglaisreview is indeed grateful to the Oscars for finally giving us the kick up the backside we needed to write our review – for shame, it was on our Top Ten of 2012 and we hadn’t even managed to sit down and explain why we put it on the list. But now, with big props to Monsieur D for leading the fight against this inertia, everything is put to rights. Argo: a film that confirms Ben Affleck’s directorial talents and versatility, and which leaves you hungry for further tales of the unexpected.


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The Scarface Mob – Les incorruptibles défient Al Capone

In a nutshell: Hitchcock and De Palma as disciples of Phil Karlson’s The Scarface Mob? This daring theory is defended by our own Mlle L. Never afraid of a good controversy. Whether she convinces you or not, remains an interesting take on the Untouchables’ fight against Capone.


En résumé : Peut-être influencée par l’arrivée sur nos écrans du Gangster Squad de Ruben Fleischer dont elle a admiré le Zombieland, Mlle L. retourne à l’une des sources méconnues de ce genre pléthorique : les Incorruptibles ceux de Phil Karlson, pas de Brian De Palma, qui discute toujours d’ailleurs de faire un prequel à son célèbre opus de 1987. Ca va canarder sec dans le 3 Buck DVD corner.

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Zero Dark Thirty

Zero-Dark-Thirty-Affiche-FranceEn résumé : Mr. J.A. remplace Miss J. le temps d’une critique. Zero Dark Thirty propose une représentation saisissante des côtés les moins glamour du travail de renseignement et de collecte d’information. Résultat? Peut-être une discussion plus fouillée que le film lui-même sur l’usage de la torture et la force de la foi.

How does one make a compelling film depicting the hunt for Osama Bin Laden? We all know why this started, and we all know how it’s going to end. But Katherine Bigelow’s Zero Dark Thirty manages to do that, I think, by laying out a series of events, “based on” first-hand accounts of the hunt for the world’s most-wanted terrorist. I won’t go through a plot summary here, but just point out that Bigelow lays out events in a  blow-by-blow, us-versus-them way: 9/11 happened, then the CIA tortured some people (almost like payback, no?), then an attack happened, then the CIA tortured some more, then a bombing happened, then more torture happened, and so on. Bigelow doesn’t provide much more structure than this, which seems to invite the viewer to project that structure onto the film, much like an Rorschach ink blot–give someone an ambiguous form and ask them what it looks like and it might tell you something about how that person thinks (because a blob of ink isn’t actually meant to look like anything).

Look at all that ink. Obscene!

Look at all that ink. Obscene!

Having said that, it seems to me that there are two main themes running through this film. The first is the controversy we’ve all heard about: torture. And as I’ve said above, I think some criticisms that are being leveled at this film related to the portrayal of torture says more about the critic than it does the film. Some people are upset because the film suggests that torture provided useful information that did eventually lead to the location and killing of Bin Laden, and they would like to claim that this is inaccurate: torture of detainees could have played no part in it, because torture doesn’t work, which is why torture is morally wrong. By this reasoning, one cannot even question whether torture might ever be an effective means of getting information, because that would remove the moral argument against it. But this is clearly wrong. There are many things that are effective in getting a desired outcome, but are also clearly immoral. I think it was Chris Rock, great moral philosopher that he is, who said (and I’m paraphrasing), “You can get a cat out of a tree with a shotgun. That don’t mean it’s a good f**king idea!” For those who don’t care for cats, I suggest that a crying baby can be quieted by placing duct tape over their nose and mouth, but such a heinous act could never be considered moral.

In the case of torture, I think we can grant that in the case where someone does possess information and does not want to provide that information, sufficient application of pain and suffering can and does reliably result in that person providing the information. However, it also results in the case of people making up stories just to make the torture stop, and we can never know with certainty what case we’re in. Further, it seems to me that there are plenty of methods of questioning suspects that do not involve torture. Police officers do this all the time and seem to be able to extract confessions just fine. What’s more, there exists decades of research in psychology involving things like questioning techniques, persuasion, sensory deprivation, sleep deprivation, as well as things like stress, emotional cues, lie detection, motivation, obedience, groupthink, and behaviour change, not to mention neuroscience, interpersonal, family and cultural factors, all of which can be expected to impact a person’s behaviour (in this case, willingness to provide information to an interrogator). It seems to me that one ought to be able to bring these factors to bear on an individual, case by case, in a way that increases the likelihood of obtaining useful information in a way that does not involve torture.

Don't try it at home, kids - actually, just don't.

Don’t try it at home, kids – actually, just don’t.

Other people (mostly U.S. Republican politicians) are upset with the film because they think that the scenes of torture that result in getting a lead that eventually results in Bin Laden’s death indicate that the Obama administration might have given the filmmakers improper access to classified information about such a chain of events. But then, if that was true and the film was in fact portraying events accurately, doesn’t that also undermine the notion about the use of torture never being effective?

The other theme that I see woven throughout the film is the impact of faith, and by this, I don’t mean faith in the sense of well-deserved trust. Rather, I mean it in the sense of a willingness to claim certainty about a thing where all one truly has are hope, rumor and guesses. The role of faith on the part of Al Qaeda is more assumed than shown in this film—a willingness to fly a plane into a building, or blow oneself up in a crowd of infidels, may be many things, but it is not an act of cowardice. It rather better resembles the kind of bravery born of the certainty of heavenly reward that can only be the product of religious faith, indeed, perfect faith. We all know that these kinds of people have faith. What Bigelow does however, is show the impact of this kind of faith possessed by the CIA operatives. Sometimes this unwarranted certainty has disastrous consequences, as when one operative, Jessica (Jennifer Ehle), lets her guard down because she really wants to believe that a possible informant is trustworthy—she even baked him a cake, certain that he’d love it—before she’d ever met him. He blew himself up, Jessica and several others along with him.

I don't know about the cake, but Jessica's cooked

I don’t know about the cake, but Jessica’s cooked

Other times, such unwarranted certainty sustains one’s morale, as when Maya (Jessica Chastain), the protagonist, confides to a colleague that she believes that she was ‘spared’, while others were not, for the purpose of finding Bin Laden. But over the course of the film, one sees that faith becoming more and more extreme, beginning in a sense, to mirror her Al Qaeda opponents. This is not just because she becomes comfortable with the use of torture, but rather because she becomes completely obsessed with following up on the lead involving Bin Laden’s courier. She reveals herself a true believer, when she declares to Seal Team Six members as well as the CIA director and those advising the U.S. President that she’s “100%” certain that Bin Laden is hiding in the compound in Abbottabad. She had no evidence, but at that point, it was not even a gamble for her anymore. She was a study in perfect faith. We all know that, in the end, she was also right—Bin Laden was actually hiding in the compound.

It seems then to me that the key questions raised by this film are not whether torture was used by the U.S. (it was), or whether torture can be effective (it can), or whether that makes it moral (it doesn’t). Rather it’s a matter of values: Was it all worth it? What kind of society do you want to live in? What kind of person do you want to be?

How’s that for a blob of ink?

zero-dark-thirtyIn a nutshell: Is Zero Dark Thirty a fascist movie? I’d be tempted to say yes. Is it an interesting movie? Probably. Should you go and see it? Unless you are interested by the subject, no.

Une fois n’est pas coutume, ne résumons rien, car l’actualité nous renseigne sur ce film et si il vous venait un doute car vous revenez de plus d’une décennie de retraite érémitique, la bande annonce vous révélera tout : les Etats-Unis finissent toujours par retrouver leur homme, et Ben Laden après avoir vécu par le djihad est tombé grâce aux efforts continus de Maya, une agente de la CIA (Jessica Chastain) obsessionnelle et tout aussi radicale que lui. Comme l’indique Mr J.A. dans son excellent article ci-dessus, c’est le choc de deux fois et la victoire de l’Etat sur le réseau.

Rien de plus agaçant dans les longs commentaires qui parfois suivent les articles des journaux et magasines que de rapidement tomber dans les comparaisons avec l’Allemagne nazie et autres sinistres épisodes d’un vingtième siècle régulièrement raciste et meurtrier. La fameuse reductio ad Hitlerum (ou loi de Godwin) n’a pour l’instant je crois jamais atteint ce site … mais, pardon d’avance, on va frôler le carton rouge.

Jessica Chastain expulsée?

Nos héros se rapprochent-ils du point Godwin ?

En effet, Zero Dark Thirty m’a mis mal à l’aise, non que les 45 premières minutes de tortures aient été si douloureuses – malheureusement les milliers d’heures passées à voir des films ou des séries de qualités diverses m’ont petit à petit désensibilisé -, mais l’ensemble m’est apparu flirtant dangereusement avec le fascisme. Pas le nazisme, le fascisme au sens large. Je n’indique pas ceci pour disqualifier d’office l’oeuvre de Kathryn Bigelow, mais plutôt pour explorer la fascination que ce film a su faire naître à la fois chez les critiques et dans les publics américains et européens.

Si l’on se souvient Mussolini résumait son idéologie par cette formule : “tout par l’Etat, rien en dehors de l’Etat, rien contre l’Etat”, et Bigelow nous expose un monde qui obéit à ce dogme. Ses protagonistes sont sans reliefs, leur psychologie est sommaire et grandement manichéenne (eux contre nous). En nous rappelant la définition proposée par Guillemin, Berstein ou Milza (ah souvenirs d’études) : “une organisation fasciste, au sens large, s’appuie sur un pouvoir fort au service d’une classe humaine dominante, la persécution d’une classe ennemie chargée de tous les maux, l’exaltation du sentiment nationaliste, le rejet des institutions démocratiques et libérales, la répression de l’opposition et un contrôle politique extensif de la société civile”, on constate de fortes convergences avec l’univers présenté par Bigelow. Certes, l’individualisme de Maya, son obsession, est célébré, mais hors de cette singularité tout s’articule autour de l’efficacité de la machine dont elle est à la fois un rouage, mais surtout une incarnation.

Subtile illustration.

Subtile illustration

Les nombreuses erreurs factuelles très évidentes dans la description de la société pakistanaise ( je ne jugerai pas la réalité de la traque secrète de la CIA, me permettant uniquement de douter qu’une agente, aussi talentueuse soit-elle, travaille plus de dix ans sur un dossier unique) font ressortir celle-ci comme exotique, homogène, hostile voire traîtresse, et lointaine (en plus d’être bizarrement arabophone). Maya déconseille même de s’essayer à la gastronomie locale qu’elle confond d’ailleurs avec celle moyenne-orientale au moment où elle offre un repas à l’un des malheureux qu’elle a vu torturé. Le repas n’est pas pour le réconforter, Maya ne perçoit pas l’humain chez son adversaire, mais pour le manipuler et le faire parler ; littéralement, la carotte après le bâton. Intéressant aussi de constater que la réalisatrice fait apparaître “l’ennemi” plutôt comme une silhouette fanatisée, éventuellement un corps, jamais plus. Et quand celui-ci cède, car il finit toujours par céder, c’est pour soutenir l’idée que la torture est efficace ou que la mission est accomplie.

Ce manichéisme est d’ailleurs intéressant car ce refus d’empathie que la réalisatrice tente lourdement de nous faire partager en mènera, je pense, quelques uns à se dire que les actions des terroristes en deviennent justifiables.


Certains verront cet argument comme preuve de la droiture de la réalisatrice, de sa volonté de faire ressortir froidement la réalité de la lutte contre le terrorisme, cela ne me convainc guère. Il y a très nettement des héros et de vilains antagonistes et on ne trouvera trace de nul Hector parmi ces nouveaux Troyens.

Elle ce serait plutôt Achilles. Et c'est à coups de talon qu'elle te fera parler

Elle ce serait plutôt Achilles. Et c’est à coups de talon qu’elle te fera parler

Comme Bigelow n’est pas Riefenstahl, les efforts esthétiques de Zero Dark Thirty ne vont pas vers une volonté de magnifier une beauté plastique ou même une organisation, mais plutôt d’exposer dans un univers de violences et souffrances, la force d’une volonté et la volonté d’une force. Sa capacité à mettre en scène un univers brut que certains trouveront haletant offre quelques moments saisissants mais ce faux documentaire pèche par sa longueur et le côté profondément attendu de toutes les scènes. Homeland ou 24 heures offrent bien plus de tension et le même genre de réflexion à savoir si la fin justifie les moyens.

Dernière critique, celle-ci adressée à la presse, ce n’est pas une leçon d’histoire, cessez de tout confondre. Ou alors c’est une leçon sur la manière dont on peut écrire l’histoire et l’importance de croiser les sources. L’oeuvre de fiction très inspirée par l’histoire ne correspond évidemment pas à un documentaire, sinon c’est ce que la réalisatrice aurait choisi de faire. Il est problématique de voir qu’après ce film pour de nombreux spectateurs et, semble-t-il, de nombreux critiques, la réalité soit l’histoire racontée par Mme Bigelow. Un hommage à la force du cinéma … une défaite de la pensée critique.


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Happiness Therapy – The Silver Linings Playbook

Happiness-Therapy-Affiche-FranceIn a nutshell:
Little Miss Sunshine is all grown up now (Lawrence) and meets an angry yet charming troubled young bipolar man (Cooper). Will they end up together?
The suspense is killing me. A rather conventional rom-com with a hint of drama served beautifully by a stellar cast.

La comédie dramatique américaine qui fait du bruit est l’adaptation du livre de Matthew Quick, The Silver Linings Playbook, dont Sydney Pollack avait initialement acquis les droits avant que David O Russel ne reprenne le gouvernail. Heureusement Russel suit plutôt la ligne énergique, parfois non conventionnelle, aperçue dans Les Rois du Désert ou même Fighter que celle de l’atterrant I ♥ Huckabees, film qui mérite une vision ne serait-ce que pour savoir à quoi ressemble un foutoir existentiel boursouflé avec Isabelle Huppert et Dustin Hofmann. Happiness Therapy est en conséquence un cocktail plutôt vitaminé hésitant entre comédie et drame, servi par des acteurs au mieux de leur forme.

Ca guinche

Et la forme, ça se maintient.

Pat Soletano (Bradley Cooper très juste porte le film sur ses épaules) sort d’un hôpital psychiatrique où il a dû passer huit mois après avoir tabassé très brutalement l’amant de sa femme, et sans surprise celle-ci ne souhaite désormais plus le voir. Sous l’illusion qu’elle ne veut que lui, il bout de n’avoir pas le droit de communiquer avec elle, d’être coincé chez ses parents (Robert De Niro et Jacki Weaver), de ne savoir que faire de ses dix doigts. Une rencontre inopinée avec une très jeune veuve voisine (Jennifer Lawrence), dont l’état mental est aussi tumultueux que le sien, va les faire avancer et les aider à surmonter leurs crises respectives.

Après un prologue assez original, dénonçant avec une légère complaisance la culture du succès et les antiennes de la vie amoureuse états-unienne, le film finit par se précipiter dans le modèle des plus conventionnelles comédies romantiques américaines, ce qui n’est pas, en soi, désagréable, mais qui transforme une oeuvre qui promettait d’être marquante en une aimable distraction pour samedi soir pluvieux.

Une mise au point énergique s'impose

Aimable, distrayant et parfois ébouriffé

Très belle illustration de ce qu’une distribution affutée peut faire d’un scénario sans génie, et une mise-en scène un rien pataude (les scènes de danse sont filmées à la truelle) Happiness Therapy fait ressortir le talent, et parfois même la grâce des premiers et seconds rôles, certains, tel Robert De Niro, réussissant à émouvoir et convaincre pour la première fois depuis bien longtemps. On s’attache aux personnages car le charisme de Cooper et l’énergie mutine de Lawrence séduisent en dépit de situations de plus en plus factices. On retiendra qu’aujourd’hui aux Etats-Unis, le mal-être est désormais qualifié de “troubles bipolaires”, que la douleur d’un veuvage excuse les liaisons multiples et un parfum de bisexualité, et enfin que le sac poubelle peut être un jogging seyant. Bref, Happiness Therapy est inoffensif et gentiment plaisant.

affiche-Happiness-Therapy-Silver-Linings-Playbook-2012-3En résumé : Une comédie romantique avec des aspects très réussis, qui traite de la maladie mentale sans trop se casser la figure, mais qui n’ose pas réellement prendre son envol non plus. 

The Silver Linings Playbook, an adaptation of the novel by Matthew Quick, gets off to a punchy start. Pat Soletano (Bradley Cooper), a former teacher in his mid-thirties, is about to be discharged from a long-haul stint in a psychiatric hospital, where he’s been in treatment after the sudden breakdown of his marriage. It’s lucky, albeit embarrassing, for him to be taken back to his family home, to his old childhood bedroom, and the care of his parents, Pat Sr (Robert de Niro) and Delores (Jackie Weaver). His sole obsession is to get his wife Nikki back, but as he’s regularly reminded, the outcome of him having severely battered the man he’d discovered canoodling with his wife in the shower to the dulcet tones of their wedding song, is that he is now under a restraining order.

Keeping nervous watch

Keeping nervous watch

Pat is then introduced to Tiffany (Jennifer Lawrence), a very young widow who promises that she can get a message to his wife despite the restraining order and whatnot. This proves the only way to get through to Pat in that delusional-obsessional mode of his which so troubles his family, who just want to do all they can to keep him out of hospital, with the help of his amiable psychiatrist, Cliff Patel (Anupam Kher). This is a tough call, as Pat is often inappropriate and aggressive while in the throes of his obsession, with tragi-comic outcomes. This is all kept within pretty mellow limits however, which helps to keep the rom com vibe going, as well as the audience’s sympathy for Cooper’s character. One of the most talked-about moments is a scene where he comes to blows with his father, who is trying to restrain him. De Niro’s subsequent tears are evidently real, as with the interviews he’s given where he has said he understands only too well what the character he plays is going through.

Scissors, paper, STONE!!

Scissors, paper, STONE!!

Such sincerity is undoubtedly one of the film’s strengths. It tackles the issue of workaday mental illness in open, playful yet sympathetic ways that just wouldn’t have been possible until recently. This is perhaps a side-effect of the tendency of bipolar order to be liberally diagnosed nowadays, not least in the States, in all shapes and sizes ranging from ‘my child likes to run around a lot screaming’ to ‘this person thinks he is the Son of God and won’t stop dashing around the shopping mall naked trying to bless people’. Taboos are getting pushed back (although it’s still pretty delicate). One of the ways this is happening is through the condition’s association with a certain moody romantic poet persona, which is incidentally not unreasonable: did you know (yes, of course you did) that greatly talented individuals over history are widely cited as having suffered from manic depression, sorry, bipolar disorder: Virginia Wolf, Winston Churchill et al. The film props this one up, associating Pat with the complex, troubled, artistic, rebellious Tiffany.


Sturm und Drang suburban style

The warm fuzzy factor equally derives from its insistence on community and on taking people as you find them, providing an environment where recovery can best come about. Such things are often catastrophically lacking in society with the break-up of communities in this global capitalist set up we are currently labouring under. So I give props to the message, albeit while reeling from the sentimental overload that emerges, as the rom com cookie cutter slices down. More provocative comedy would have been welcome – more use could have been made of absurdity – it is there, not least thanks to Chris Tucker who keeps popping up as a fellow psychiatric patient.  Sadly as the film progresses, the punch factor starts to wilt somewhat, and the film gradually subsides into a tamer rom-com template, albeit with excellent comic touches.But it should have gone further, been braver still. Oh well.

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The Last Stand – Le Dernier Rempart

120X160 Rempart CIn a nutshell: Undemanding entertainment, the movie gives in enthusiasm what it somehow lacks in originality. A bit disappointing for a Kim Jee-Woon film, a blast for a Schwarzenegger movie. Silly, at times  clumsy, but overall good solid fun.

Miss J. n’ayant que peu de libertés ces dernières semaines – le culot du monde professionnel à vous dévorer vos instants de loisirs – , il ne me restait plus qu’à trouver des films qui l’intéresseraient moins, la tenteraient peu, soyons clairs, qu’elle ne voudrait voir que si le sort du monde en dépendait, et elle n’y irait d’ailleurs qu’en soupirant. J’ai commencé par Django unchained mais la novella de ma camarade Mlle L vous aura certainement suffi, d’autant plus que même si mon avis est bien plus modéré que le sien (j’ai beaucoup aimé la première heure, à l’instar de M. JMS je trouve le personnage de Samuel L. Jackson intéressant), je la rejoins beaucoup sur ses critiques de la seconde moitié de cet opus tarantinien bancal. On s’approche de très près du combat de trop pour reprendre la métaphore du réalisateur agressif et doué que vous trouverez en fin d’extrait (à partir de 7min.36) ici.

Revenons à nos pieds nickelés

Revenons à notre (soupir) dernier rempart

Accompagné d’une amie tout comme moi amateur (amatrice?) de réalisateurs coréens, de pétaradantes absurdités, d’explosions et d’action heros sur le retour, j’ai choisi après le sanglant Tarantino d’aller découvrir le septième mais premier film américain de l’excellent Kim Jee-Woon, dont, entre autres, Le Bon, la Brute et le Cinglé m’avait ravi (ça, incidemment, c’était ce que Django aurait dû être). Le Dernier Rempart n’est pas à la hauteur de ses réalisations précédentes, mais l’enthousiasme de chacun rend cette série B modeste regardable, mieux même, très divertissante.

L’histoire est d’une simplicité digne des productions d’action des années 1980, c’est à dire étique : un baron de la drogue (parfait Eduardo Noriega) s’évade, le FBI est – ici, littéralement – dépassé, quelques outsiders, le vieux shérif Schwarzenegger (déjà 65 ans) et ses adjoints sont les seuls à pouvoir s’opposer à ce que lui et ses hommes traversent la frontière mexicaine et échappent ainsi à toute poursuite de la justice de l’Oncle Sam (la “Justice”, quoi, c’est un film américain). Je ne vous cacherai pas que cela va flinguer à tout va.

Et ça, ce sont les "petits" calibres

Et ça, ce sont les “petits” calibres

Entre Rio Bravo de Hawks et Assaut de Carpenter, mais en moins sérieux, toute la distribution s’en donne à coeur joie et n’hésite pas à en faire beaucoup. Avec intelligence, le réalisateur et son équipe de scénaristes (c’est malgré tout toujours un peu triste de voir qu’ils s’y mettent à plusieurs pour ce genre de résultat) ne se montrent pas dupes des clichés de ce type de production, respectent leurs spectateurs en leur donnant ce qu’ils attendent et parfois même un peu plus, et prennent surtout en considération l’âge de ce brave Schwarzie … si l’homme est frappé, il a bien du mal à se relever.

Efficace, distrayant et gratuitement violent mais c’est un peu le but, on perçoit même une réflexion nostalgique sur le destin de Schwarzenegger dont le personnage prononce des répliques souvent drôles (“L.A.’s not all that you think it is” ou encore “You make us immigrants look bad” ) parce que le spectateur croit plus en l’acteur qu’à son interprétation. On sort donc de salle diverti et, oserais-je le dire, curieux de connaître le prochain film de l’ex Gouvernator. De quoi se laisser tenter.

1029468-affiche-officielle-du-dernier-rempart-620x0-1En résumé : Je ne saurais vous dire, ne l’ayant point vu … mais croyez moi cela ne me manque guère. A très vite, pour une critique peut-être moins testostéronée.

I know, it’s been a while; I haven’t seen this one, but couldn’t bring myself to go and watch it. The last movie I reviewed on my own for this blog was Haneke’s Amour … it should give you a clue about my tastes for violent action packed limbs flying around Schwarzenegger flick. But do believe me when I say this: I’ll be back. And soon too.

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In a nutshell: No, it isn’t 1986 Schwartzenegger’s classic (cough), it is a 1968 italo-german flick with Lee Van Cleef, no less. The scenario was written (cough cough) by at least seven brave souls, including Dario Argento and Menahem Golan. Mlle L. wouldn’t have miss this for the world. She writes about it with the sense of measure (‘cough cough cough’, could someone close this window, it is winter, damn it) that we appreciate in her reviews.


En résumé : Vous connaissiez les westerns spaghettis, mais aviez oublié que les films de guerres cannolis existaient aussi. Mlle L. en a dégotté un avec Lee Van Cleef et Jack Kelly où les amateurs de seconde guerre mondiale auront leur content de gloire et de tripailles. Pour les gourmands de la mitrailleuse lourde et de la grenade, Armando Crispino, le réalisateur, leur a concocté un repas complet avec fromage et désert, celui de l’Afrika Korps. Apparemment à voir, ne serait-ce que pour la conclusion.

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Django unchained

Django_Unchained_PosterIn a nutshell: If you appreciate marathons, here is a review which should make you happy, as if it were longer, it’d be considered a novel. For Tarantino’s latest flick we sent a grumpy fan, the lovely Mlle L. She came back mostly grumpy and less of a fan. A discordant voice in what Mlle L. would consider a sickening chorus of praise. Unchain Django? Sure, but mostly unchain Tarantino, from himself.

Lecteurs, lectrices.

Dans les moments de doute, de tristesse, de désespoir parfois, le capitaine du navire en péril se doit de regarder la tempête droit dans les yeux, et sait faire face à la vague destructrice avec un moral qu’il conserve d’acier (trempé, aha). C’est pourquoi, en ce jour funeste, je n’ai pas peur de déclarer franchement, en regardant à mon tour la houle furieuse dans le blanc de son oeil glauque:

Quentin Tarantino et moi, c’est le divorce.

Et Django Unchained, c’est du travail de gros médiocre.


Tarantino prépare la contre-attaque

Oui, je m’explique, et même en détails. Parce que moi, là, le Tarantino, je vais l’aligner méthodiquement et sans pitié. Ça prendra le temps qu’il faudra, mais il va me le payer, son ratage de film – au centime près. Pour les impatients, je vous donne le programme en trois points, comme ça vous pourrez passer votre chemin, ou descendre directement à un paragraphe qui vous parle. Vous êtes libres.

1) inquiétudes préalables quant à la rencontre de Tarantino et du western

2) ah la vache que tout ça est mauvais

3) je diagnostique à Quentin une dépression suicidaire et je lui prescris du Magné B6.

On commence? allez.

1. Un western, Quentin? Vous êtes sûr de vous?

D’ores et déjà, j’admets que j’allais voir Django avec méfiance, malgré l’immense et admiratif amour que je portais à QT.

En effet, le choix du western m’apparaissait comme extrêmement dangereux pour mon réalisateur chéri: on le sait, Quentin “s’inspire” (c’est à dire qu’il copie) de larges pans du cinéma des autres. A mon sens, il avait toujours réussi à dépasser de façon fulgurante toutes ses sources d’inspiration. Faut dire… Il s’agissait des films de blaxploitation, des films de kung fu, des polars à trois balles des années 70… Le challenge n’était pas si lourd. Pour son film de guerre, Quentin a eu le bol ahurissant (le génie?) de choisir Christoph Waltz pour jouer Hans Landa, et est, grâce à lui, parvenu à élever son Inglourious Basterds au même niveau que The Dirty Dozen – en tout cas comme spectatrice j’ai ressenti un plaisir et une montée d’adrénaline équivalents.

Mais le western, c’est autre chose… D’abord c’est un genre que je connais à fond – au point que ça confinerait d’ailleurs davantage à la névrose qu’à l’érudition. Du western blaxploitation au western chinois, du très bon au parfaitement nul, je les ai tous vus! Alors autant dire qu’il allait avoir du mal à me surprendre, le Quentin, et que je le verrais drôlement venir quand il essaierait de me resservir la soupe piquée aux autres… En parlant des autres: malheureusement pour QT, il y a eu avant lui un nombre considérable de génies du western (Leone, Ford, Huston, Hawkes, Sturges, Pekinpah, même Eastwood, Costner et Ed Harris ont chacun à leur tour réalisé des westerns absolument subjuguants). Alors que des génies du film de kung fu… on en connait nettement moins. Fatalement, Quentin partait déjà avec un handicap.

Un handicap fumant.

Un handicap fumant.

De plus, le western est un genre fondamentalement inadapté à Tarantino: car si amouraché soit-il de la façon de filmer de Sergio Leone et des musiques d’Ennio Morricone, Quentin Tarantino livre toujours un cinéma que l’on ne peut que qualifier de verbeux (oui, je sais, un peu comme cette critique). Le silence est une chose inconnue à Tarantino – sur tous ses films, on compte au maximum 17 secondes de silence entre deux personnages, et ce dans Pulp Fiction, et l’incongruité supposée de ce silence est d’ailleurs soulignée quelques instants plus tard par Uma Thurman. Et ce n’est même pas du vrai silence, il y a Ricky Nelson qui braille une chanson en arrière plan sonore. Or le western, c’est presque par définition un genre qui repose sur le silence. Last Train from Gunhill, Apaloosa, L’Homme aux colts d’or, High Plains Drifter, Tombstone ou même Mon nom est personne, Le Bon la brute et le Cinglé comme Westworld ou Nevada Smith, Rolling Thunder ou Règlement de comptes à OK Corral, le western, quel que soit son pays d’origine ou son année de réalisation, s’articule toujours sur les espaces vides, la solitude, le silence. Quentin, lui, fonctionne à la tchatche. Mauvais présage.

Enfin, par pure mauvaise foi, j’ai décidé à l’âge de 12 ans que je détestais Leonardo di Caprio, et à l’âge de 25 que Jamie Foxx était un acteur sans intérêt, donc ça me donnait deux raisons de plus de redouter que Django unchained ne soit un film décevant.

Moi, mauvais? Mlle L., êtes-vous marteau?

Moi, mauvais? Mlle L., êtes-vous marteau?

Restaient quelques éléments auxquels je pensais pouvoir me rattacher: la franchise Django m’inspirait une immense sympathie, les histoires de vengeance, que QT maîtrise parfaitement, sont tout aussi nécessaires au western que le silence dont nous parlions tout à l’heure (donc il y avait moyen que l’une compensât l’autre), Quentin serait en outre certainement dans son élément pour la bande son, qui promettait d’être merveilleuse, et j’allais retrouver Christoph Waltz et Samuel L. Jackson, ce qui est un plaisir que l’on ne boude pas.

Je me suis plantée sur toute la ligne.

2. Mais… mais? Ce film est une grosse bouse!

D’abord, à ma grande honte, je dois reconnaître en Jamie Foxx un très grand acteur. Il incarne son personnage avec une justesse absolue, ce qui est d’ailleurs particulièrement flagrant en début de film, lorsqu’il n’est encore qu’un esclave silencieux et franchement dérouté par ce qui lui arrive; contrairement à beaucoup d’acteurs français, Jamie Foxx, même muet, même hors focus caméra, parvient à nous faire ressentir ses émotions, parfaitement en phase avec la réalité de son personnage. Chapeau.

Et quoi qu’il m’en coûte, je dois avouer que Leonardo di Caprio est quant à lui vraiment bien, mais je nuancerais mon éloge en suggérant (perfidement?) que son personnage est quand même très, mais alors très, facile à jouer, et que la justesse de son jeu ne relève donc pas du même genre de talent que celui dont fait preuve Jamie Foxx.

Un acteur un peu vert? Non, un acteur mûr!

Un acteur un peu vert? Non, un acteur mûr!

Samuel L. Jackson, lui, se fait très plaisir, dans un rôle qui ne sert à rien du tout mais qui lui a permis de se mettre une moumoute blanche et de se promener avec une canne, ce qui l’amuse tellement qu’on s’en accommode. Mais on est terriblement loin de la performance de Michael Parks dans son double rôle de Kill Bill 1 & 2, où l’acteur se rendait méconnaissable sans autre artifice que son pur talent. Dans le cas de Samuel L. Jackson, on est simplement content de retrouver un vieux copain et de voir qu’il est en bonne santé.

Et Christoph Waltz, alors? Ahlala. Waltz est toujours un immense acteur. En dépit de la nullité des dialogues que lui a écrits Tarantino. C’est accablant de vacuité. Le pauvre Waltz s’en dépatouille au mieux, mais passé un certain stade même un acteur aussi brillant que lui ne peut plus lutter. Ces dialogues sont tellement pleins de vide, tellement redondants… Le personnage lui-même n’est qu’une triste resucée de Hans Landa chasseur de juifs, si bien qu’à chacune des apparitions de Waltz on a l’impression de regarder de possibles (mauvaises) scènes coupées d’Inglourious Basterds.

Un désastre.

A part Django, vengeur obsessionnel et mono-maniaque (le type de personnages que Tarantino n’a aucun mal à écrire), les personnages sont d’ailleurs dans leur ensemble entre peu et pas du tout crédibles, sans motivations, sans corps et sans cohérence, puisqu’enchaînant les réactions contradictoires. Quant au scénario, il est à l’avenant: bourré d’incohérences insultantes pour l’intelligence du spectateur moyen et de rebondissements poussifs et ridicules, tirant à la ligne dans des proportions qui vous rappelleront, au choix:

– vos copies de philo, quand vous n’aviez vraiment RIEN à dire sur le sujet imposé et essayiez malgré tout de produire une copie double;

– les romans de gare pourris que vous lisiez chez votre Mémé pendant l’été (genre “SAS contre OSS117 – opération Bermudes mortelles”, vous voyez le truc)

– les épisodes les plus poussifs des séries TV les plus ringardes des années 80 (imaginez un truc du style Magnum contre Dynasty).

Donc, vous l’aurez compris, sur ce terrain là non plus, la qualité n’est pas vraiment au rendez vous. J’ai même carrément eu la nette impression qu’en osant me présenter un boulot pareillement bâclé, Tarantino se payait ouvertement ma tronche et me prenait sans ambages pour une quiche.

Pour tout dire, j’ai fini par fouiller dans mon sac pour regarder l’heure sur mon portable, histoire de savoir combien de temps il me restait à tirer, parce qu’au troisième rebondissement tout pourri mené à deux à l’heure grâce à un montage lamentable (sur lequel je vais revenir), j’en avais vraiment ma claque. Venant de moi, regarder l’heure pendant le film, c’est vraiment l’insulte suprême. Je n’ai fait ça qu’une seule fois auparavant dans ma vie de cinéphile; et là Quentin, ça va faire très mal, mais tu l’as bien cherché: c’était pendant la projection de Ruby Sparks.

Mais oui Quentin, c’est bien ça: je viens de te faire tomber un parpaing sur le pied, et en plus j’ai fait exprès.

Aïe, ça picote ...

Aïe, ça picote …

Le montage, donc, est une hérésie totale, enfoncé encore d’un cran par la pauvreté des cadrages et de la photo; on se demande à quoi a bien pu servir Robert Richardson, le chef opérateur, qui nous avait habitués à mieux… Sans doute s’est il contenté d’approuver aveuglément tout ce que pouvait dire Tarantino sans jamais oser mettre son grain de sel de peur de contrarier le patron? En effet, au delà de l’absence de rythme et de la monotonie des plans (même au cours de la fusillade finale, le rythme est inadapté, par faute de variation dans les cadrages, ce qui tend à accroître la sensation de répétition, donc de lenteur poussive, de l’ensemble), on s’attristera tout particulièrement sur l’usage du zoom avant rapide, dont la systématisation est, réellement, pitoyable. Car le travail de Quentin est à ce point médiocre qu’il finit en effet par ne plus tant fâcher que par faire peine.

Un seul de ces zooms aurait constitué un sympathique clin d’oeil aux films de Bruce Lee; mais cinq fois dans le même film, avec qui plus est un bruitage ridiculement lourd venant à chaque fois souligner un effet déjà pachydermique, ce n’est plus de la maladresse, c’est carrément de la dépression suicidaire. Allez savoir, Tarantino est peut-être très malade.

Malade, mais le "d" est silencieux.

Malade, mais le “d” est silencieux.

Quant à la bande son… Considérant sans doute qu’il avait épuisé son stock de thèmes western sur ses précédents films, ou alors simplement pour faire le mariole, Tarantino a multiplié sur Django unchained des choix musicaux qui me paraissent fort peu avisés. Après avoir utilisé en ouverture le générique de la franchise initiée par Franco Nero (seule piste sonore que j’aie appréciée durant le film), Quentin nous balance une version assez malheureuse, car en dièse, de Sierra Torride, pourtant originellement très belle musique composée par Morricone pour le film de Don Siegel, mais qui en l’occurrence tombe comme un cheveu sur la soupe.

Tous les choix musicaux qui suivent seront de plus en plus malheureux, en passant par une chanson originale parfaitement insupportable aux paroles à l’eau de rose (musique écrite par Morricone mais “chantée” par Elisa, qui est désormais une ennemie personnelle). Il y a aussi les trop nombreuses incursions sonores de RZA, rappeurs fatigants dont Tarantino s’est fait des amis envahissants, au point de s’attifer tout pareil qu’eux, ce qui prouve qu’il n’a pas conscience du ridicule vestimentaire.

La déchéance se poursuit jusqu’en fin de film, où Tarantino parvient à aligner, sur trois scènes consécutives, trois pistes sonores à la queue-leu-leu, dans un style qui rappellera les meilleurs moments du diaporama généré automatiquement sur iPhoto (ou sur Powerpoint). Ahurissant. Je me pinçais pour le croire. Je rappelle que nous sommes en train de parler de Quentin Tarantino, le cinéaste musical par excellence. Incompréhensible.

Sur la musique de "Une petite maison dans la prairie"

Sur la musique de “Une petite maison dans la prairie”

La dernière couche? Elle ne sera pas tant pour la lourdeur infernale du message militant pro-noir-américain (quoique, franchement, Quentin, ça finit par être fatigant à force d’être didactique, il y a un moment où il faut choisir entre l’écriture d’un scénario et l’écriture d’un tract) que pour l’extraordinaire contre-productivité dudit message.

Il n’y a aucun doute, c’est totalement involontaire (mais du coup d’autant plus ennuyeux); force est de constater qu’en conclusion de son film, Tarantino, qui aurait vraiment dû se relire, balance une phrase qui atteint un niveau de racisme proprement ahurissant.

Brièvement, sachez que le personnage de Leonardo di Caprio passe une grande partie de son temps de présence à l’écran à dégoiser sur l’infériorité des noirs et le fait que “Django fait exception à sa race” car “un nègre avec de l’intelligence et une personnalité, c’est rarissime“, évaluant “à hauteur d’un sur dix mille l’occurrence d’un tel phénomène“. Bon, c’est un vilain, quoi, il dit des trucs de vilains.

Redressement fiscal pour tous, je dis des trucs de vilaiiiiiin!!!

Redressement fiscal pour tous, je dis des trucs de vilaiiiiiin!!!

Eh bien, croyez le ou non, mais à la fin du film, Jamie Foxx confirme ses théories nauséabondes, et je vous garantis que ce n’est pas de façon sarcastique. A la fin donc, tout le monde s’entre-tue, y a du sang plein les murs, tout ça tout ça, bref, Django, qui s’apprête à abattre le dernier survivant dans la plantation de di Caprio, tonne sur son ultime adversaire qui se contorsionne au sol: “En une vie passée sur la plantation tu as dû voir défiler, quoi, 9000 esclaves? 9999? Et aucun d’eux n’a jamais fait de difficultés! Mais ton patron avait raison, moi je ne suis pas comme les autres noirs! Des nègres comme moi il n’y en a vraiment qu’un sur dix mille – et tu as eu le malheur de finir par me rencontrer!

Euh… attendez, j’ai bien compris, là, ce qu’on me dit c’est: “C’est vrai que les noirs sont tous de grands enfants bêlants et soumis, mais moi je fais exception à la règle, alors du coup je suis capable de prendre la décision de te casser la gueule“? Ah ben, voyez, moi qui ne suis pourtant pas une obsédée du racisme sous-jacent, je trouve cette phrase très, très gênante… Et elle me pousse en tout cas à affirmer que Tarantino n’a vraiment visiblement pas pris la peine de relire son script, que d’ailleurs ses assistants de production ont tous dû unanimement qualifier de “super génial et trop maxi courageux”. Bravo les mecs, pour laisser passer ça, surtout vu le climat de paranoïa à ce sujet aux Etats-Unis, fallait vraiment être très forts.

3. Allez, Monsieur Tarantino, il faut être raisonnable, prenez vos médicaments.

Alors, quelle explication à cet affreux ratage, à part celle de la dépression grave?

En voici une: Tarantino a malheureusement atteint ce stade où plus une seule personne dans son entourage n’ose lui dire: “tu sais quoi, ce truc-là c’est quand même pas top délire, tu veux pas essayer de le refaire en mieux?” Rôle qu’avaient d’abord rempli les frères Weinstein, ses producteurs qui savaient de quoi ils causaient, et surtout, jusqu’en 2009, Sally Menke, la monteuse géniale qui rattrapait tous les égarements tarantiniens. Or les Weinstein ont désormais trop de sous pour suivre quoi que ce soit d’autre que les mouvements de la Bourse. Et Sally Menke, elle, est tombée malade, et a fini par disparaître fin 2010; elle laisse derrière elle, en plus d’un vide immense, un remplaçant qui n’est qu’un fantoche Fred Raskin, lamentable lèche-bottes qui en outre maîtrise mal ses outils et se contente de coller bout à bout les rushes de Tarantino, en lui disant qu’il est grave trop génial, maîîîîîîîître, ce qui est une façon comme une autre d’assurer la pérennité de son boulot.

Bref, Tarantino est dans le cas de figure typique du gars devenu “archi-bankable” à Hollywood, et qui n’est pas assez génial (ni assez masochiste) pour aller chercher de son propre chef et avec insistance la critique aiguillonnante, que son entourage élargi n’envisage désormais même plus de lui sussurer.

Et pourtant…

Serait-ce de ma part un regain de compassion pour mon héros réalisateur, désormais brutalement passé de Dieu vivant à simple être humain amoché? Je dirais en tout cas que les deux apparitions de Tarantino dans son propre film (raté, tellement raté…) sont peut-être révélatrices d’une certaine conscience de la situation de la part de QT.

Tout d’abord, durant une scène (tellement mal montée! une massive erreur de timing en plein milieu, rendant l’action totalement incohérente) se situant dans le premier tiers du film, un planteur et ses hommes de main organisent une expédition punitive à la nuit tombée contre ce “nègre arrogant” qu’est Django. Tous à cheval, il revêtent, en précurseurs du KuKluxKlan, des cagoules blanches pour décupler leur effet. S’en suit un dialogue trop long mais assez cocasse où les hommes de main constatent que ces cagoules sont fort mal pratiques, qu’on ne voit rien à travers et que les trous sont mal fichus. Un des hommes masqués, en qui l’on reconnaîtra, à la voix et à la gestuelle, Tarantino, finit par conclure (in extenso):

“Je crois que nous sommes tous d’accord pour dire que les cagoules étaient plutôt une bonne idée au départ mais, sans vouloir accuser personne en particulier, pour ce qui est de la réalisation pratique, nous nous sommes lamentablement ramassés. Alors moi je dis, pour cette fois, tant pis, on fera sans, mais la prochaine fois on mettra toute la gomme!”

Tout est dit, non?

Tout est dit.

Tout est dit.

Et pour enfoncer le clou, la seconde apparition de Tarantino achève de m’attrister par ce qu’elle a de révélateur; en effet, en toute fin de film, au cours d’un des rebondissements les plus affligeants d’un scénario dont on n’attendait plus rien depuis longtemps, Tarantino vient camper un petit rôle, presque sans dialogues, ce qui en soi est déjà significatif: Quentin reconnaîtrait-il qu’il n’a plus rien à dire?

Il apparaît en tout cas fatigué, gras et triste. Et surtout, il se fait descendre par Jamie Foxx au moment le plus inopportun, c’est à dire alors qu’il charrie des sacs de dynamite. Si bien que Tarantino se filme explosant sur place, réduit en poussière par un de ses personnages assoiffés de vengeance, sur lidos duquel il comptait se faire de l’argent facile. Faut-il y voir la fin explosive qu’il appelle de ses voeux?

En tout cas, s’il comptait sur ce film pour finir en feu d’artifice, Tarantino a lamentablement loupé son coup; car si Django unchained doit marquer la mort de mon cinéaste de prédilection, ce sera d’une mort beaucoup plus dans le genre “ah c’est ballot, il changeait une ampoule et il a glissé du tabouret” que dans le genre “suite à une lutte furieuse au dessus de l’Atlantique, son avion est tombé en flammes, criblé par les balles du terrible Baron Rouge“.

Tarantino ou ce qu'il en reste, après le malheureux incident du tabouret de Mlle L.

Tarantino ou ce qu’il en reste, après le malheureux incident du tabouret de Mlle L.

Allez, Quentin, reprends-toi.

Vous n’avez pas le droit de finir comme ça, chéri. C’est trop triste, trop bête… Trop sale.

Lâchez un peu tous les traîne-patins et autres lèche-bottes qui vous entourent, reprenez le vrai boulot avec juste quelques copains, un budget divisé par dix-mille, et faites un vrai film, un vrai truc bien qui sentira la poudre et la sueur, et pas le plateau-repas usagé.

Rappelez-vous ce que vous pouviez faire, il y a tout juste vingt ans, avec douze acteurs, un hangar et deux caméras.

Ca s’appelait Reservoir Dogs et c’était époustouflant.

Alors, pour paraphraser le langage qui vous est cher, laissez-moi, tendre ami cinéaste, vous répéter mes encouragements.


A la prochaine, cher Quentin, et d’ici là travaillez bien.


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Top 10 – 2012

In a nutshell: For a fourth consecutive year, this blog lives! I can hardly believe it as I am writing these words. So, if you follow us, you know the drill, we shall look back on 2012 and celebrate the movies we enjoyed the most with our contributors, dear friends that they are. They shall start with their Top 5, the  film(s) they wished they’d found the time to see, and the one(s) they really rather wish they hadn’t, we will then follow.

Clap – Action – and once more happy New Year to you, dear reader!

Vous connaissez la presque routine, puisque depuis déjà quatre ans nous avons la chance de nous essayer à l’exercice … Nos contributeurs amis nous ont fourni le palmarès de leurs films préférés pour 2012, ainsi que le film qui, sans être forcément le plus mauvais, les a le plus déçus, et le(s) film(s) qu’ils ont raté en salle mais ne rateront pas en DVD. Nos voix concluront l’exercice.

Moonrise-Kingdom-de-Wes-AndersonMlle Clara’s Top 5 : Rather discreet this past year, Mlle Clara didn’t forget the path towards Franglaisreview.

1. Moonrise Kingdom de Wes Anderson
Pas toujours convaincue par les films d’Anderson (trop décoratifs), ce Moonrise Kingdom m’a enchantée: profondeur du scénario, beauté sans niaiserie du regard sur l’enfance et sur les adultes désarmés. Admirable maîtrise de son “système” de mise en scène, avec ce traitement si particulier de l’espace…

2. Le Policier de Nadav Lapid
Sorti en France en mars 2012, il semble oublié des palmarès des meilleurs films de l’année. Pourtant, ce film israélien est un gros coup de poing, par sa forme (un diptyque étonnant) et par son propos. Une autopsie sans concession de la société israélienne et du dysfonctionnement plus général de nos sociétés capitalistes aux inégalités toujours moins tolérables.

3. Au-delà des collines de Cristian Mungiu et Amour de Michael Haneke
Ex-aequo à mon sens, peut-être parce que ce sont deux films de Cannes. Deux films durs pour leurs sujets (la mort au bout, implacable) et d’une âpreté formelle qui éblouit.

5. Télégaucho de Michel Leclerc
J’avais adoré Le Nom des gens, le film précédent de Michel Leclerc. Je croyais que Télégaucho serait une resucée moins enlevée, eh bien, non! quelle pêche! quel amour de la vie et des gens, quel humour! Comme un goût d’une époque plus légère, celle de mon enfance…

Et pour le plaisir 6. Tabou de Miguel Gomes
Ce film, j’y suis allée en me disant: “Attention, chef d’oeuvre!”. Résultat, la première partie m’a ennuyée au point de me faire douter des critiques et de moi-même… Puis miracle, la seconde partie m’a emportée dans ses rets, par son charme durassien si singulier; si bien que la première partie a pris rétrospectivement une autre épaisseur, densité, beauté. La surprise de 2012.

Quelle fut votre plus grosse déception (ou le film le plus mauvais de l’année): Cosmopolis (de David Cronenberg) ! Que des critiques aient pu se pâmer devant ce machin logorrhéique bouffi de prétention reste un mystère.

Votre regret: Camille redouble de Noémie Lvovsky, Take shelter de Jeff Nichols, Lawrence anyways de Xavier Dolan …

moonrise-kingdom-balabanMme BP’s Top 5: A brand new contributor in 2012, Mme BP liked the experience and already signed on for 2013 with a review of Anna Karenina.

1. Moonrise Kingdom de Wes Anderson
2. Margin Call de J.C. Chandor
3. Tinker, Taylor, Soldier, Spy de Tomas Alfredson
4. Les femmes du bus 678 de Mohamed Diab
5. Le magasin des suicides de Patrice Leconte
Quelle fut votre plus grosse déception :  Le Capital de Costa-Gavras, voyez plutôt !
Votre regret : Amour de Michael Haneke
Argo-afficheLe Top 5 de Mr. J.A. : De nombreux lecteurs apprécient l’ironie et l’humour de Mr. J.A., nous aussi, il nous fait l’amitié de partager ses choix pour 2012.
1. Argo by Ben Affleck
2. The Hobbit by Peter Jackson
3. Skyfall by Sam Mendès
4. Looper by Rian Johnson
5. Avengers by Joss Whedon

Biggest disappointment
is a tie between Prometheus by Ridley Scott and The Dark Knight Rises by Christopher Nolan. I had such high hopes for both of them …

Separately, the worst film of the year has to be Underworld: Evolution by Len Wiseman, for which I did not have high hopes. I’m a bit embarrassed to admit I even began watching it (my excuse is that I was on a plane). It was as if Kate Beckinsale was channeling Milla Jovovich, that’s how bad the first half was. Can’t speak for the second half.

moonrise-kingdom-poster1M. JM’s Top 5 : This year M. JM was kind enough to write a few review for us, but also to, very kindly, convince both his wife and one of his lovely children, to participate to Franglaisreview. Thanks!
1. Moonrise Kingdom de Wes Anderson
2. 4:44 Last Day on Earth de Abel Ferrara
3. War Horse de Steven Spielberg
4. La vie sans principe de Johnnie To
5. Twixt de Francis Ford Coppola.
Un classement apparent, mais pas forcément si fixé : une année avec peu de bons films, quelques replis auteuristes européens forts (Léos Carax ou Miguel Gomes) mais qui ne m’ont pas tant ému que cela – et malheureusement trop de films estampillés auteurs dans ma liste.

Le cinéma américain reste encore très fort, et j’aime la façon dont il investit la télévision ou plutôt dont la télévision est devenue un îlot d’expérimentations qui me fait pas mal penser à ce qu’était le cinéma américain dans les années 70, comme dans ces séries si célèbres et si célébrées que sont Homeland ou Breaking Bad ;  je n’ai pas vu Amour de Michael Haneke, et je ne le regrette pas du tout ; je crois qu’il y avait pas mal de films italiens intéressants et cachés, j’aimerais en découvrir quelques uns.


killerjoe1Mlle L.’s Top 5: Last but not least Mlle L.! She is our most faithful reviewer and the proud author of the 3 Buck DVD corner, go check it! Never afraid of a good polemics, here she is in her unmistakable style:

J’allais dire comme d’habitude qu’il n’y a eu cette année que des daubes au cinéma, et vanter une fois encore les mérites du lecteur DVD. En fait, je suis pour une fois vraiment enthousiasmée par toutes les entrées de mon top 5, et j’ai même eu bien du mal à ne pas en faire un top 10. Comme quoi, l’année 2012 n’a pas été cinématographiquement si vaine, en fin de compte.

1. Killer Joe de William Friedkin
2. Moonrise Kingdom de Wes Anderson
3. Argo de Ben Affleck
4. Tinker, Taylor, Soldier, Spy de Tomas Alfredson
5. The Best Exotic Marygold Hotel de John Madden

Et puis, dans le genre “pas recommandable mais quand même qu’est ce que j’ai pu rigoler”, j’ajouterai

The Expendables 2 de Simon West (si, si)

En revanche, 2012 fut aussi l’année de sortie d’un film pour lequel je conserverai ad vitam aeternam une haine aussi tenace que sanguinaire, l’atroce Ruby Sparks de Valerie Faris et Jonathan Dayton

Pour finir, je regrette (un peu) de n’avoir vu ni Margin Call de J.C. Chandor, ni The Dictator de Larry Charles.

Amour posterMiss J.’s top ten

Ah, what an amazing year it’s been! Er, although slightly less so on the big screen – I had to scratch my head a little to put together this top ten, although it was worth the effort:

1. Amour by Michael Haneke –  almost punishing to watch – but Amour shimmers from start to finish.

2. Moonrise Kingdom by Wes Anderson  brilliantly engaging comic tale, bursting with wistfulness and whimsy.
3. Margin Call by J. C. Chandor – an enthralling dramatic close-up on economic and moral meltdown on Wall Street.
4. Skyfall
by Sam Mendes- one of the greatest James Bond films ever made (and we’ve checked).
5. A Dangerous Method 
by David Cronenberg – Russian hysteria and erotic transfer in psychotherapy doesn’t get any better than this.
6. Argo
 by Ben Affleck – real life is one of the best sources going for black comedy with US diplomats in the Middle East.
7. Camille Redouble
 by Noémie Lvovsky- phew – a French film at last! A  very decent smash hit comedy.
8. Killer Joe by William Friedkintroubling (to put it mildly) but darkly brilliant – chicken drumstick trauma scene and all.
9. Cosmopolis
 by David Cronenberg – a hypnotic, languid, classy watch.
10. Best Exotic Marygold Hotel
by John Madden – heartwarming and humorous, with a fantastic cast.
Three films I wished I hadn’t bothered seeing:
1. The We and the I  by Michel Gondry – truly abject viewing from a self-satisfied Gondry and a busload of obnoxious teenagers.
2. The Campaign by Jay Roach – Will Farrell disgraces himself by partaking in this drivel-ridden satirical flop.
3. Dépression et des potes by Arnaud Lemort – a dead dreary buddy movie which should have gone straight to bad cable TV.
I am sad to have missed Kenn Scott’s Starbuck and Léos Carax’s Holy Motors, and hope to track them down on DVD.

Le top ten de M. D.

tinker-tailer-poster1. Tinker, Taylor, Soldier, Spy de Tomas Alfredson. Tout me plait dans ce film, du scénario très intelligemment adapté du livre de Le Carré, aux acteurs britanniques démontrant une qualité et une constance presque éprouvantes pour la concurrence, en passant par une cinématographie léchée, réfléchie et un montage au cordeau. J’ai tant aimé que j’ai même revu, puis revu encore.
2. Moonrise Kingdom de Wes Anderson – Un film enchanteur, merveilleusement doux-amer et léger, Mlle Clara en a déjà bien parlé. Ce fut une déception de ne pas le voir récompensé d’une manière ou d’une autre à Cannes. Toujours difficile pour une comédie de recevoir les hommages qu’elle mérite.
3. Compliance de Craig Zobel – Un film presque documentaire, ce qui fait toute sa force. Glaçant, gênant et très stimulant.
4. Killer Joe de William Friedkin – Une leçon de cinéma, des acteurs en état de grâce (Matthew McConaughey!), la scène du pilon, la plus choquante de mon année dans les salles obscures.
5. Margin Call de J.C. Chandor – Pour un premier film, un coup de maître, et un vrai beau film sur la crise financière sans diabolisation ni recours au spectaculaire … et pourtant ce huis-clos est exceptionnellement spectaculaire.

Skyfall16. Skyfall de Sam Mendès – Un James Bond magnifique ; l’un des plus impressionnants, j’ai vérifié.
7. Starbuck de Ken Scott – Une très belle comédie, ce serait dommage de bouder son plaisir.
8. La Vie sans principe de Johnnie To – L’élégance de Johnnie To et des acteurs percutants.
9. Holy Motors de Leos Carax – Des images me restent, me reviennent et me plaisent.
10. Argo de Ben Affleck – Tendu et amusant, un film intéressant, solide quoiqu’un peu scolaire.

Notons que les deux films de Cronenberg, celui de Lvovsky et Une Nuit de Philippe Lefebvre ne sont pas loin derrière.

The-Dark-Knight-RisesLes trois déceptions : Dark Knight Rises de Christopher Nolan, je l’attendais avec impatience et fus déçu par cette enclume de film au scénario absurde, un gachis ; Looper de Rian Johnson que j’aurais tendance à renommer Loupé ; Associés contre le crime de Pascal Thomas, si mauvais qu’on en vient à voir sa colère se transformer en abattement (38 témoins, c’est plutôt le contraire) .

Les trois films (bon, j’admets il y en a plus) qui me tentent mais, ma foi, tant pis … Bullhead de Michaël R. Roskam, Tabou de Miguel Gomes, Like Someone in Love de Abbas Kiarostami.

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De l’autre côté du périph

autre-cote-du-periphIn a nutshell: Not Lethal Weapon or Beverly Hill’s Cop, but an ok buddy movie with a few laughs and a lot of smiles. Next time they might even have a decent scenario … anyhow, Sy and Lafitte make a very nice duo.

Comment est-ce que ma résolution pour aller voir Tabou au cinéma s’est transformée en découverte de De l’autre côté du périph est à la fois une énigme et une preuve que si ma volonté est de fer, celui-ci rouille.

Réalisé par David Charhon qui jusqu’alors ne s’était pas illustré dans ce qu’il y a de mieux – Cyprien pas le talentueux humoriste et vidéaste, celui avec Elie Semoun -, on pouvait douter des talents du réalisateur et sur le fait que jamais nous ne nous accorderions sur ce qu’est un “bon” film “drôle”.   Je suis malgré tout d’assez mauvaise foi car je n’ai vu de Cyprien que la bande annonce, mais vous admettrez que … Bref, De l’autre côté du périph partait avec un handicap.

Un handicap!? Insolent! Je vais te montrer qui est "Intouchable" ici!

Un handicap!? Insolent! Je vais te montrer qui est “Intouchable” ici!

Et bien, un peu comme dans ce film, foin du suspense, la sauce est bonne, manque la blanquette. A défaut de scénario et d’une certaine cohérence dans la mise-en-scène, De l’autre côté du périph offre à deux excellents acteurs (Omar Sy et un exceptionnel Laurent Lafitte) la possibilité d’exprimer tout leur talent comique. Ainsi, se calquant ouvertement sur les classiques de la comédie d’action policière et du buddy movie des années 1980 (Le Professionnel et Le flic de Beverly Hills, ou dans une moindre mesure le Marginal et l’Arme fatale), Charhon permet à deux caractères opposés, le bourgeois parisien, Lafitte, et Sy, le banlieusard du 9-3, de se détester, se charier, puis de s’apprécier, le tout en résolvant un meurtre crapuleux.

Les amateurs du genre remarqueront l’alchimie efficace entre les deux têtes d’affiche, mais surtout se divertiront. Le plaisir est éphémère, mais il est bien présent et à défaut d’une intrigue solide et d’une fin convenable quelques scènes réjouiront.

afficheperiphEn résumé : Omar Sy et Laurent Lafitte forment un duo de policiers dans un film comique d’action moins que remarquable, mais qui se laisse regarder avec plaisir grâce au grand talent de ses comédiens.

After Les Intouchables, Omar Sy is back with a new banlieue vs chichi Paris flick, David Charhon’s action comedy De l’Autre côté du périph. He plays Ousmane Diakhaté, a banlieusard policeman who’s convinced he’s uncovering the political and business corruption scoop of the decade. Armed with a camera and a death wish, he’s all over the case when the corpse of the wife of a French business bigwig is discovered right in his beat in Bobigny.

But the investigation of crimes of such magnitude gravitates straight to the flashy police units of Paris, which is where greasy pole careerist, womanising François Monge (Laurent Lafitte) comes in. And it’s hard to not to notice him, after a first scene where he demonstrates how to kill dead, and move on from, a flourishing relationship in thirty seconds flat (don’t try this at home?) Monge holds his nose as he heads to Bobigny in the hope of wrapping up the murder case by the evening, his mind firmly fixed on imminent promotion. Sy bounds up, armed with camera and copious rolls of velcro, latches on and Monge finds himself lumbered with an investigative partner whose methods look almost certain to scupper his quest not only for promotion, but continued employment of any form.

Has François Monge had his chips?

Has François Monge had his chips?

I’m glad to be able to report on this film at all, as for the first five minutes or so I wasn’t sure I was going to be able to make it through the screening. Nothing to do with Sy and co, but UGC Les Halles seemed to have decided that early onset deafness was the way forward for the hoards hardy enough to attend a screening in Salle 23 of their multiplex. I think jet planes taking off have a lower decibel count than the volume they’d gone for – even Lafitte’s seductive whispers to any woman foolhardy enough to get within striking distance of him came over as the roar of a pack of testy lions.

Anyway, I hung in there, grew used to the growing numbness in my ear canals, and noted that while the ensemble does not hang together terribly well – incoherent doesn’t begin to cover it at times – the whole thing is dripping with well-constructed gags, sparks flying thanks to the huge comic talents of both its stars. It waltzes fairly elegantly with the clichés it deals in, rather than sumo wrestling them for hours to the sounds of grunting and squishy flesh colliding. It’s no masterpiece and lacks narrative depth on pretty much all sides, but I had an excellent time.

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